lunes, 12 de diciembre de 2011

La Conexión Biológica: Especies nombradas en honor a la cultura popular

"Cuando eres un taxónomo y te mencionan en Rolling Stone, sabes que has llegado" dijo Quentin Wheeler, director del Instituto Internacional para la Exploración de Nuevas Especies. Y últimamente, el nombrar especies en honor a algun elemento de la cultura popular, se ha vuelto más frecuente. Se catalogan alrededor de 15,000 nuevas especies cada año, asi que no debe de sorprender, que los científicos, a veces recurran a otros lugares como fuente de inspiración. Asi que aquí les traigo algunos casos interesantes de especies que han recibido su nombre cientifico, no en honor a quien la descubrio, sino al cantante favorito de este:


1. Spongiforma squarepantsii

Uno de los casos más sonados este año, fue el de una especie que recibió su nombre en honor a un personaje de caricaturas, el carismatico Bob Esponja (Sponge Bob Squarepants en inglés), y ya sea lo amen o lo odien, estoy seguro que la mayoría hemos visto ese programa. Lo curioso, es que en realidad Spongiforma squarepantsii no pertenece al phylum porifera, en realidad ni siquiera es parte del reino animal. Este especimen en realidad es uno de dos hongos del genero Spongiforma, encontrados en el sureeste asiatico.

2. Amaurotoma zappa, Phialella zappa, Pachygnatha zappa, Pachygnatha zappa, Zappa confluentus, , y Spygori zappania


Si algo queda claro, es que los taxónomos tienen cierta fijación con el genio de la música Frank Zappa, quien fusionase sonidos como el jazz, con un rock psicodelico y progresivo, pues son muchas las especies que han sido nombradas en honor a Zappa. El primero en hacer esto fue Leo Plas Jr., en 1967, quien nombró una especie extinta de molusco en honor al músico. Sin embargo, la historia más llamativa, es la que une a Zappa con el biologo americano Fernando Boero, quien llamó a una medusa recien descubierta Phialella zappai, con el simple proposito de conocer a Frank, objetivo que fácilmente logró:


El gran Zappa ademas cuenta con un género entero de peces gobios, una bacteria, otro fósil, y una araña cuyo bigote recordó a sus descubridores del cantante:


Y la pasión de los hombres de ciencia con el músico no termina ahí, pues los astronomos llegaron a bautizar un asteroide con el nombre 3834 Zappafrank
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Frank Zappa - Peaches In Regalia


3. Orectochilus orbisonorum

Lo cierto es que hay infinidad de especies nombradas en honor a personas famosas, más de las que usteden se imaginarían, y están van desde George W. Bush, hasta Kate Winslet, pasando inclusive por Matt Groening, creador de los Simpson o Hugh Hefner, creador de, sé que ustedes saben. Sin embargo, me he limitado a escoger mis favoritas.

La siguiente especie fue catalogada en 2008, un escarabajo de la India nombrada en honor al gran Roy Orbison, solitario y misterioso cantante de grandes temas como Pretty Woman o Crying. Ah si, el entomologo Quentin Wheeler es también el responsable de nombrar escarabajos en honor a personajes tan diversos como George Bush, Dich Cheney, Donald Rumsfeld o Darth Vader. Bueno, tal vez no tan diversos.

Roy Orbison - Only the Lonely



4. Myrmekiaphila neilyoungi & Heteropoda davidbowie

Pues sí, debo aceptarlo, la mayoría de estas son especies en las que nos pararíamos sin siquiera darnos cuenta que de alguna forma insultamos la memoria de nuestro cantante favorito o heroe de la infancia. Sin embargo, aqui hay dos casos de los que difícilmente nos escaparíamos de no notar, pues al menos que se hable de Spiderman, casi todos estarían bien con la idea de que las arañas no existan. Sin embargo, aunque no lo crean, hay investigadores que han dedicado su vida exclusivamente al estudio de las arañas, lo cual no ha evitado que disfruten de la música de dos de los mejores artistas de la época moderna, como lo son Neil Young y David Bowie.


Este último ha sido, hasta donde me he enterado, uno de los últimos artistas en ser inmortalizados en los libros de taxonomía. Ya que se le dio su nombre a esta araña Malaya (de Malasia), primero, para ayudar a su conservación, segundo, por que uno de los mejores discos de Bowie lleva por nombre The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, y tercero, porque no se puede negar que exista un cierto parecido eh??  

David Bowie - Life on Mars



Bueno, eso es todo, no los atareare con más taxonomía. Las probabilidades son de que en un par de meses yo mismo me encuentre sin querer decir una palabra más en latín, pues recién vengo adentrandome en todo este asunto. Es muy temprano todavia en mi carrera para decidir que voy a hacer de mi vida de trabajo, pero si alguna vez llego a descubrir una nueva especie de mapache, Steven Patrick Morrissey, ten por seguro que será llamado en tu honor.

martes, 6 de diciembre de 2011

Metallica y su trabajo más memorable y original en 20 años


No me considero una persona mala. Hago lo posible por agradarle a los demás sin sacrificar ni un poco de quien soy en realidad, sin embargo, al igual que todos, ocasionalmente gusto de jugarle una bromita a alguno d mis amigos. Hace un par de días atras, un amigo me pidió le recomendará algo para oír. Ambos hemos crecido musicalmente casi paralelamente, pero a mi siempre me ha gustado estar "más al tanto". Es por eso que pasó pendiente de cada disco de interes que sale. Cualquiera como yo, pues sabrá que la que fue la mejor banda de Trash de los 80s (la mejor banda de trash en mi opinion), Metallica, publicó un trabajo este año, junto con la colaboración de la leyenda musical, Lou Reed. Puede que ustedes conozcan más a Metallica, pero Lou Reed tiene sus meritos propios. A su nombre se encuentran trabajos de lujo con The Velvet Underground, y un relativamente exitosa carrera como solista, que en los años 70s nos dió grandes discos como Berlin y Transformer. Sin embargo, todo aquel que ya haya escuchado Lulu, sabrá que hubiese sido mejor que Metallica hubiese dejado a Lou Reed en el museo.

Me imagino ya han de haber conectado hacia adonde iba mi broma, pero si no lo han hecho, dejenme terminar. Pues al igual que todo amante de la música, mi amigo también es fan del trabajo que hizo Metallica en los 80s y principios de los 90. Kill em' All, Ride the Lightning, Master of Puppets, ...And Justice for All, y el Black Album, un "run" de discos impecable, todos de calidad, y marcando una evolución en la banda, que pasaría de ser genios de trash progresivos, a maquinas comerciales en unos pocos años. En mi opinion, el Black Album es un gran disco, pero de ahí en adelante, la carrera de Metallica ha ido en picada. Si bien Load y Reload contenían algunas canciones memorables, como conjunto eran casi inescuchables. St. Anger de 2003 fue el muy esperado regreso de la banda tras varios años de ausencia, y en realidad ese disco es un asco, Metallica queriendo ser Linkin Park, Korn, o solo ellos sabrán que demonios. La batería suena como latas de basura y... Bueno, ocuparía un artículo entero para describir ese disco, asi que pasemos al 2008, cuando salio Death Magnetic, el disco que supuestamente traía al viejo Metallica de antaño, pero que terminò siendo otra burla, una pobre parodia, de la que repito, fue alguna vez la mejor banda en su gènero.

Lou Reed & Metallica - Iced Honey (lo más rescatable)


Así que cuando se anunció que preparaban para este año un disco con Lou Reed, pues no se sabía que podíamos esperar. Seguramente Metallica nos sorprenderìa con algo memorable y original, y debo decir que con Lulu lo han conseguido. Es seguro, no han oído nada como esto antes. Básicamente, este es un disco de Spoken Word de la poesía barata de Lou Reed, un viejo libinidoso que abuso de sustancias en su juventud, y que te hará pensar en tu abuelo en ácido. Seriamente, los versos con los que abre el disco literalmente son "me cortaría las piernas y las tetas por ver a Kinsky cantando en el lado oscuro de la luna". Seríamente, nada que empieze asì se puede disfrutar. Lo peor del caso es que este es un disco doble, y que cada canción ronda los 7 minutos, y Metallica es un chiste completo, utilizando un riff generico por canciòn y  repitiendolo durante la duraciòn de la misma. Hetfield es otro chiste, cada vez que aparece a cantar algo, deseamos volver a oìr sobre las mutilaciones del tío Lou. Tanto así, que los mejores momentos del disco son dos canciones que contienen largas porciones de cuerdas.

Así que sí; este es el trabajo que más recordaremos de los últimos días de Metallica, pero que pena que lo que vayamos a recordar de esta banda en diez años, sea esto:



Pero bueno, para gustos los colores. Ahí les dejo el link bajo su propio riesgo. (Por si despues de oír Lulu necesitan recordar que estos fueron grandes artistas: Metallica Lou Reed

Lou Reed & Metallica - Lulu (2011)


martes, 29 de noviembre de 2011

La Previa de Diciembre

Bueno, como lo ven? Ya en un par de días se viene el último mes del año. El año pasado, ese mismo mes nos trajo lo que fue el trabajo discográfico favorito, no solo en mi opinión, sino que en la de la crítica en general. Por supuesto que me refiero a My Beautiful Dark Twisted Fantasy de Kanye West, un disco excelentemente producido que logró terminar como el favorito, de muchos que como yo, somos un poco ignorantes en cuanto a rap/hip-hop respecta. Asi que sí, aunque las revistas especializadas ya nos están atacando con sus listas de "lo mejor!" del año (Uncut, Q, Paste), yo le dedicaré este mes de diciembre a lo mejor de 2010, y mantendré las esperanzas vivas de que este mes aún traiga buenas cosas. Lastimosamente, investigando sobre los lanzamientos venideros, esto es lo poco que perfila interesante:

1. Amy Winehouse - Lionness
Pues sí, empezare por un disco que había cantado desde antes, Lioness, el primer trabajo póstumo de la ya fallecida Amy Winehouse. Es normal ahora, y me parece que siempre, que los vendedores de discos busquen hacer uso de la muerte de un artista para vendernos infinidad de material que nunca debió haber visto la luz. Artistas como 2Pac cuenta con más de 7 discos póstumos, y aunque no los he escuchado, no me estrañaría en lo absoluto que la mayor parte de ellos fuese de baja calidad. También se debe decir que han habido discos póstumos de calidad, In a Basement on a Hill de Elliott Smith se me viene a la cabeza (pueden chequear esta lista que hice hace un par de años), pero como dijo Mark Ronson, productor de Winehouse a cargo de este disco, "¿Que sentido tiene que ese material se quede guardado en una computadora?".

Amy Winehouse - Valerie


2. Black Keys - El Camino

Es bastante obvio que Black Keys no se esperaban recibir el Premio MTV por "Breakthrouh Video" el año pasado con su Tighten Up. Es bastante obvio también que los tipos que hacen los trofeos para la cadena de "música" son una bola de ignorantes, ya que decidieron hacer una correción a la selección del jurado, cambiando el nombre de la banda, por el de una banda que está un poco más acostumbrada a recibir este tipo de premios. Black Keys recibió adicionalmente, un Grammy por su disco del año pasado titulado Brothers. El Camino, el follow-up a Brothers ha venido acompañado con una original campaña publicitaria, que entre otras cosas, incluye la creación de esta página de internet.

Black Keys - Tighten Up




3. The Roots -Undun

Bueno, ¿a quien quiero engañar? Lo cierto es que todos los artistas de quienes eseperaba cosas nuevas para este año, ya han sacado sus trabajos discograficos, y lo cierto es que para diciembre no me queda màs que repasar los 11 meses anteriores, o rifarmelas por escuchar algo nuevo. En los años 90 no era raro ser parte de una banda de hip-hop, sin embargo, con los años, este género se ha individualizado al extremo de ser egocentrismo puro. Adios a las bandas pioneras de este género; difìcilmente encontraremos un A Tribe Called Quest, Public Enemy o N.W.A. Probablemente la única banda popular de hip-hop que aún existe sea The Roots, que a base de buenos trabajos han conseguido una buena fanaticada.

The Roots - The Seed 2.0



4. Common - The Dreamer/The Believer

Así que dos de mis cuatro apuestas para este mes son artistas de hip-hop. Supongo que eso es producto de que sigo esperando el My Beautiful Dark Twisted Fantasy de 2011. Es probable que sería más adecuado buscar por el lado de Drake (The Throne fue un buen disco, pero ni le toca los tobillos a MBDTF). El otro día vi a Common en un programa de CNN, ayudando a la gente en Haití. Supongo que eso lo hace un rapero bastante maduro. Eso y el hecho que tiene casi 40 años.

Common - I Used to Love H.E.R.

domingo, 27 de noviembre de 2011

El amor por la vida de Björk


Fácilmente podría resumir el último disco de Björk, Biophilia, en dos adjetivos: aburrido y pretencioso. Podría simplemente dejarlo ahí, pues sinceramente eso es lo que se me viene a la cabeza cuando escucho Biophilia. Sin embargo, me sentiría mal de dejar una reseña de ese tamaño. Para la mayoría de personas que le han asignado reseñar Biophilia, probablemente se limiten, bueno, a oír Biophilia, pero yo, sabiendome ignorante de la discografía de esta artista islandesa, a parte de su genial Homogenic del 96, decidí ponerme a escuchar las obras más importantes de sus 20 años de carrera.

Björk - Crystalline


Fue así como por fin llegue a escuchar discos como Debut, Post, Homogenic y Vespertine, y tras haber oído de lo que es capaz, no me queda duda que es una de las artistas más geniales de las décadas recientes. Su trabajo ha sido ecléctico desde el principio, es por eso que a diferencia de artistas como Christina Aguilera, nadie se ha atrevido a señalar a Björk como una copiona de Lady Gaga. Su sonido ha ido evolucionando con los años, sonido que llegó a su culminación con Homogenic y Vespertine, sus dos mejores discos, ambos densos, pero armoniosos en todos los detalles que incorporaban. Tampoco debemos olvidar que gran parte del "sonido" de Björk recae en el gran alcance de su potente voz. Sin embargo, parece que en los últimos años, Björk ha dejado de lado un poco la calidad de composición, por irse por el camino de la experimentación. Tal fue el caso de su disco post-Vespertine, Medulla de 2004, un disco a capella, un reto que ningún otro artista "grande" en la industria se atrevería a intentar.

Luego vino Volta de 2007, pero ese disco en realidad no lo he oído, así que pasaré a lo que más nos interesa. Biophilia estuvo llenando titulares de blogs, no solo de música, sino también de electrónica, por su uso innovador de el iPad, ya que cada una de las 10 canciones del álbum cuenta con su propia aplicación para el aparato de Apple. Y bueno, no tengo queja al respecto. Eso esta bien, si alguien iba a hacerlo, quien mejor que Björk (Radiohead tal vez)?? Mi única queja es que esto hubiese sido unas 20 veces mejor, si se hubiera hecho alla por 1997 (solo imaginense la aplicación que complementará el video de All Is Full of Love). Lo que sucede con Biophilia, es que las canciones terminan no estando a la altura del concepto, con las pocas excepciones siendo los "clangs" metálicos en Crystalline y las voces corales en Cosmogony. Por lo demás, la mayor parte del disco caerá en el olvido, dejando nuestras mentes entre aburridas y "meh! hemos oído cosas mucho mejor de ella".

Björk - Cosmogony


Biophilia tenía el potencial de destronar el Let England Shake de PJ Harvey como el disco favorito de "todos" para este año, si tan solo las canciones hubieran estado a la altura del concepto. Al contrario, Biophilia termina sonando más, como el último deseo de Steve Jobs.

Björk - Biophilia (2011)

http://newalbumreleases.net/39900/bjork-biophilia-2011/

viernes, 25 de noviembre de 2011

Rapid Ear Movement: Repasando la discografía de R.E.M. (2da Parte)



Bueno, estas últimas semanas han sido pesadas, pues me encuentro a punto de terminar mis clases, pronto tendre poco menos de 2 meses para postear cosas más constantemente, por los momentos tendrán simplemente que conformarse con un par de artículos para este mes de noviembre. Y pues ahora me tocará terminar con la segunda parte de nuestro viaje a traves de la carrera de R.E.M. Quedense, aún quedan gratas sorpresas:

Losing My Religion (Out of Time) 1991


Esa canción, y el video que la acompaño puede que les hayan traído tanta fama y ganancia que la que habían conseguido los 10 años anteriores. La canción, como Stipe ha reiterado, no es sobre religion, es simplemente una frase sureña que expresa descontento, "perder la cabeza". El video, inspirado por el cuento de García Marquez, "Un viejo con alas muy grandes", ganó alta rotación en MTV y les valió un premio MTV por video del año. El disco Out of Time, sin embargo, es uno de los más lentos y me atrevo a decir aburridos de la banda, aunque vale la pena ser escuchado por canciones como esta, Near Wild Heaven, Radio Song y Shiny Happy People.

Everybody Hurts (Automatic for the People) 1992


No hay duda alguna para mí, de que Automatic for the People es la cumbre de la carrera de R.E.M. . Un disco donde se acumulan sentimientos de nostalgia, alegría, melancolía profunda, esperanza, y quien sabe que más mira cada quien. Lo cierto es que todo esto se narra a traves de 12 canciones de excelente calidad. Si bien es cierto que el sonido ahora era más comercial y menos lo-fi, R.E.M no sacrificó ni un gramo de su calidad al hacer esto, sino echenle una oída a Everybody Hurts, que a pesar de haber sido usada en infinidad de escenas de break-up, sigue sonando bien.

What's the Frequency, Kenneth? (Monster) 1994


Para su siguiente disco, Monster, y tras vender millones de copias de sus últimos dos trabajos, R.E.M. quizo hacer un disco más rockero. La gira de promoción de este disco marcaría el primer tour de la banda desde 1989, ya que el material tanto de Out of Time, como de Automatic resultaba muy difícil de tocar en vivo. Sin duda que esta es otra faceta más de la banda, aunque me atrevo a decir, no una de sus mejores.


Electrolite (New Adventures in Hi-Fi) 1996


New Adventures sería el último disco que R.E.M. grabaría como cuarteto, pues el baterista Bill Berry dejaría la banda luego de este disco. La separación fue amigable, con Berry insistiendo que si su partida acabaría con la banda, entonces él estaría dispuesto a continuar un par de años más. La banda aceptó el reto de trabajar como un trío, y así permanecerían la década venidera. New Adventures es otro éxito en la carrera de la banda, pues con el solo hecho de contar con canciones como E-Bow the Letter o Electrolite, una de mis favoritas de la banda, la cuál todos a excepción de Stipe pensaban que era genial, hasta que Thom Yorke de Radiohead, quien en aquel entonces teloneaba a R.E.M. les dijo que esa era la mejor canción que jamás habían hecho.

Daysleeper (Up) 1998


Up fue el primer disco de R.E.M. como trío, y a mi parecer es uno de los más underrated de la banda. Es probablemente mi disco favorito post-Automatic. Dada la ausencia de un baterista, la banda se vió involucrada en experimentar con sonidos más electronicos, para suplir el lugar de Berry. R.E.M. vendio poco más de medio millón de copias, lo cual es bastante pobre al lado de las 17 millones de copias vendidas por Out of Time, pero R.E.M. nunca lo hizo por el dinero. Daysleeper es una genial canción, un himno para todos aquellos que les toca trabajar el turno de la noche.

Imitation of Life (Reveal) 2001


Supongo que Reveal ya empieza lo que se podría llamar la decadencia de la banda, o dicho de una mejor forma, su consolidación como leyendas, pero que ya no aportaban mucho para el mundo de la música, R.E.M. era una banda ochentera que sobrevivió con creces los 90s, pero que ya no tenía gasolina para intentar seguir al frente una década más, así que decidió quedarse en una zona de comfort. Reveal es un gran disco, la banda considera que es el más "overlooked" de su catalogo. Para el "lead single", Imitation of Life, R.E.M. sacó un video excepcional, y además, cabe decir que esta es la primera canción que recuerdo haber oído de la banda, allá, hace 10 años cuando Reveal vió la luz.


Supernatural Superserious (Accelerate) 2008


Ooops! Me olvide de Around the Sun (su disco de 2004), y lo cierto es que todos lo deberíamos de hacer, ya que es un disco que la misma banda ha pedido perdón por él, pues fue más que todo por cumplir con el contrato discográfico. Aparentemente la banda dejó ese disco a medias, por ir a "tourear" un disco compilatorio de sus grandes éxitos, y que al regresar les tocó entregar un trabajo insatisfactorio. Si la banda quiso rectificar ese error con su disco de 2008, Accelerate, lamento decir que realmente no lo lograron. A pesar de que Accelerate, como su nombre indica, trato de subirle velocidad a las canciones lentas que habìan caracterizado los últimos discos de la banda, lo cierto es que solo incluye un par de canciones memorables y el resto es bastante olvidable.

Every Day Is Yours to Win (Collapse Into Now) 2011


Rumores de una separación ya cuajaban desde el 2008, sin embargo, la banda buscó terminar su carrera con broche de oro, y ahora sí que lo lográn conseguir con Collapse Into Now. Este disco salió este año e incluye una serie de canciones bastante fuertes, y que han crecido en mí, una vez que me doy cuenta que este ha sido el último disco de la banda. Y a diferencia de otras bandas, con R.E.M. se sabe que este break-up es definitivo. Genial! Otra de mis bandas favoritas que nunca pude ver en vivo . ..

Bueno, si les ha gustado lo que han escuchado acá, no puedo más que motivarlos a que descubran más de esta genial banda. Podría ser que todo lo que necesiten se encuentre en su último disco compilatorio, sacado hace un par de semanas, Part Lies, Part Hear, Part Truth, Part Garbage 1982-2011, pero dejenme decirles, que a pesar que ese es un genial set de canciones (el primero en incluir ambas etapas de la banda, tanto I.R.S. como Warner Bros.), el que no decida escuchar toda la discografía de estos tipos se estará perdiendo de mucho.

lunes, 14 de noviembre de 2011

Rapid Ear Movement. Repasando la discografía de R.E.M. (1ra Parte)


Como puede que se hayan enterado, el pasado mes de septiembre, la banda Norteamericana R.E.M. anunció su separación, tras más de 30 años de carrera y 15 discos de estudio. Tal anuncio parecía cantado desde la década pasada, sin embargo, durante esos 10 años, seguimos disfrutando de los nuevos trabajos de la banda Georgiana, que estaban lejos de ser de los mejores, pero que no recordaban lo buena e importante que fue esta banda. Su separación, me motivo a dedicarle todo el mes de octubre a redescubrir su discografía completa, y tras haber procesado un poco los circuitos, me veo en la necesidad de compartir con ustedes algunas de mis canciones favoritas de estos "chicos", en orden cronológico:

R.E.M. - Gardening at Night (Chronic Town EP) 1982


Es bastante famosa la historia de como Michael Stipe conoció a Peter Buck, las dos mentes principales detrás de R.E.M. Fue en el año de 1980, en un pueblo de Georgia llamado Athens, que ya contaba entre sus luminarias a la banda The B52's. Buck trabajaba en una tienda de discos, cuando se dio cuenta que uno de sus clientes le apasionaba la misma música que a él. Juntos pensaron en empezar una banda, a la que luego se uniría Mike Mills y Bill Berry. Su primer lanzamiento fue el EP Chronic Town, que aún hoy suena genial, y que con apenas 5 canciones, es uno de los lanzamientos preferidos de los fans de la banda.

R.E.M. - Radio Free Europe (Murmur) 1983


No tardo mucho para que Athens tuviera un nuevo set de heroes en la banda R.E.M. El video presentado acá, marcó lo que fue la primera aparición televisiva de la banda en el show de David Letterman. Ese año, la revista Rolling Stone lo nombró el álbum del año, sin embargo Murmur vendio apenas unas 200,000 copias. El título del disco es claramente una referencia al particular estilo de cantar de Michael Stipe. La ininteligible vocalización y la guitarra arpeggiada de Peter Buck serían los elementos más representativos del sonido de la banda. Murmur es sin duda uno de los mejores discos de la banda, el favorito de muchos de sus fans, y uno que de veras vale la pena que escuchen.

R.E.M. - So. Central Rain (I'm Sorry) (Reckoning) 1984


Una de mis canciones favorita de R.E.M.. Ésta venía incluida en el disco sophomore de la banda, Reckoning, un álbum que siguió consolidando a la banda en el mundo de la música alternativa, y principalmente a traves de las estaciones de música colegiales. Es curioso notar como la banda jugaba con los títulos de su canciones, como son los casos más notables esta y el "Wolves, Lower" del Chronic Town. También cabe hacer saber, que cuanto se grabó Reckoning, la banda se rehusaba a usar playback para la grabación de sus videos musicales, cosa que años después desistirían, pero en este video se puede notar como todo esta en vivo.

R.E.M. - Driver 8 (Fables of the Reconstruction) 1985


Para 1985, R.E.M. estaba sacando su tercer disco en 3 años, y aún seguían sin hacer uno malo. Fables es un poco pesado, y es probablemente el disco más difícil de escuchar de la primera etapa de la banda, pero incluye canciones para el deleite de cualquiera, como es el caso de Driver 8, una canción sobre trenes. ¿A quien no le gusta eso?

R.E.M. - Fall on Me (Lifes Rich Pageant) 1986


Con Lifes Rich Pageant, R.E.M. empezó a abordar temas más ambientalistas y políticos, ejemplo de esto es la canción Fall on Me, otras de mis favoritas personales de la banda. Además, en canciones como These Days, se oía a la banda subir un poco el volumen, al mismo tiempo que Stipe dejaba atrás su ininteligible forma de cantar. Lifes también marcaría el debut de R.E.M. en las listas de popularidad, en cuanto a sencillos se refiere.

R.E.M. - The One I Love (Document) 1987


Si el destino me pusiera a escoger una sola canción de R.E.M., entonces esta probablemente sería The One I Love, canción que también significó el "major breakthrough" de la banda (odio como no se puede usar ese tipo de frases en español...). Con esta canción, que muchos confundieron como una canción de amor, cuando el narrador no hace más que aceptar que esa otra persona es nada más "una simple cosa para ocupar mi tiempo", fue que la banda llego al número 9 en los Estados Unidos, al 14 en Canadá y al 16 en el Reino Unido. Oh si, este disco también contiene It's the End of the World As We Know It.

R.E.M. - Orange Crush (Green) 1988


Sip, sexto álbum en 6 años. No hay duda de que la década de los 80s fue altamente productiva para la banda. Green significó un cambio de disquera para la banda, dejando atrás la humilde I.R.S. Records, para firmar con una de las grandes, Warner Bros. R.E.M. ya había hecho hasta cosas de más por esa disquera, y es completamente comprensible que decidieran apuntar más alto. El tiempo les diría que actuaron de forma correcta.

En la próxima entrada, veremos como fue que la que una vez fue "la mejor banda que no conoces", pasó a ser una maquina vendedora de millones de discos. Además, veremos como uno de los miembros de la banda decidí partir, y el desenlace de esta historia.

viernes, 4 de noviembre de 2011

Grandes artistas que nos dejaron este pasado año

Pues ya el año pasado, dediqué la fecha del 2 de noviembre, Día de muertos, para recordar a todos aquellos artistas que nos dejaron en el 2010. Así que este año continuaré la tradición (aunque con algunos días de atraso), para que juntos recordemos las más grandes leyendas que nos han dejado. Cabe destacar que si bien Captain Beefheart murió en 2010, su fallecimiento ocurrió hasta diciembre, así que no lo incluí en la lista del año pasado, y un artista de esa talla merece ser recordado (o conocido por aquellos que no les es familiar). Si bien es cierto que Amy Winehouse puede no estar a la altura de otros en la lista, he decidido incluirla aunque puede que a algunos no les guste:

1. Captain Beefheart ( 15 de enero de 1941 - 17 de diciembre de 2010)

El año 2010 fue un año que me dejo satisfecho, dejandonos la genialidad inesperada de My Beautiful Dark Twisted Fantasy, cortesía de Kanye West, y otros discos de altura como el de The Tallest Man on Earth, Four Tet o el mismo Suburbs de Arcade Fire. Sin embargo, ese año también se llevó de encuentro grandes figuras, que aunque ya habían pasado su era de lujo (exceptuando tal vez a Jay Reatard y Mark Linkous AKA Sparklehorse), aún así sus fallecimientos fueron sentidos por quienes hemos disfrutado de su música. En esa lista encontramos nombres como el de Alex Chilton, líder de Big Star, una de mis bandas favoritas, y por supuesto el gran Ronnie James Dio de bandas como Rainbow y Black Sabbath. Ya en el ocaso del año pasado, el mundo musical sufrió otra baja, cuando el 17 de noviembre se dio a conocer que Don Van Vliet, mejor conocido como Captain Beefheart, había perdido la batalla contra la esclerosis multiple, semanas antes de su cumpleaños número 70.

Puede que muchos no conozcan el trabajo de Beefheart, y puede que otros pocos, como yo, siempre hallamos mantenido cierta distancia a su música, debido a que esta exije bastante del público. Beefheart grabó principalmente en los 60s, y no le pudo haber valido menos todo lo que se decía debía ser la música en aquel entonces. Su disco debut, Safe as Milk, es un disco de blues que apenas da una pizca de lo que se venía, Troutmask Replica, un disco doble publicado en 1969 que rompió todos los precedentes en cuanto a locura grabada se refiere, que me atrevo a decir, aún no hay nada que se le pueda comparar. Troutmask es un álbum dificilísimo de oír, pero que fácilmente notarán lo importante que ha sido para la música.

Captain Beefheart and his Magic Band - Frownland


Una de las anecdotas que más me gusta de este artista, es que era Beefheart nunca logró aprender a tocar instrumento alguno, así que tarareaba o silbaba sus ideas a los músicos de su banda.

2. Poly Styrene (3 de julio de 1957 - 27 de abril de 2011)


Otra pionera en la música. Marianne Joan Elliott-Said, mejor conocida como Poly Styrene fue una de esas mujeres que se dedicó de lleno a la música punk cuando pocas se atrevían. Además, con su grupo X-Ray Spex, Styrene logró algo que aún hoy suena curioso, acoplar un saxofón a la cruda música punk.


X-Ray Spex - Oh Bondage! Up Yours!



Que garra de mujer. Marianne murió en abril de este año, después de que un cancer de seno se le trasladará a otras regiones. Para las fechas de su fallecimiento, todo el mundo se encontraba más interesado por la boda real de Kate y William, lo cuál llevo al controversial músico e ídolo personal Morrissey, a exclamar en contra de la prioridad en las noticias que reportaban los medios de comunicación.


3. Gil Scott-Heron (1 de abril de 1949 - 27 de mayo de 2011)


Aquí si admito estarme metiendo un poco en territorio desconocido, pues aunque he oído mencionar el nombre de este artista, lo cierto es que antes de su muerte no había su música detenidamente, y aún hoy, confieso no haberle escuchado un disco completo. Sin embargo, estoy consciente de la importancia de este músico de soul y poeta, quien se dedicaba a cantar hip-hop cuando ese termino aún no existía. Scott-Heron también fue parte importante del movimiento de derechos civiles que se desarrollo en la década de los 60s y 70s.


Gil Scott-Heron - The Revolution Will Not Be Televised



En 2008, Scott-Heron reveló que llevaba años de ser VIH positivo, lo cual le había causado complicaciones por pulmonía anteriormente. Finalmente este año, tras volver de un viaje por Europa, Gil cayó enfermo y esta vez no se recuperó. El año anterior, Gil había regresado a la música, publicando I'm New In Here, su primer disco en 16 años.


4. Clarence Clemons (11 de enero de 1942 - 18 de junio de 2011)


Clarence Clemons, The Big Man (el gran hombre), era actor y músico por su propia cuenta, pero no hay duda que será mayormente recordado por haber tocado el saxofón con The E Street Band, la banda de Bruce Springsteen, desde 1972 hasta el día de su muerte, haciendo junto al jefe una discografía llena de excelentes álbumes, entre ellos, uno de mis discos favoritos, Born to Run, donde el mismo Clarence aparece en la icónica portada, en la que The Boss sale apoyandosé en su espalda.


Bruce Springsteen & The E Street Band - Born to Run



5. Amy Winehouse (14 de septiembre de 1983 - 23 de julio de 2011)


Supongo que algunos encontraran que Amy no tiene cabida entre los grandes que aquí aparecen, pero yo creo lo contrario. A mi parecer, en su corta carrera, Amy demostró que tenía lo necesario para sobresalir en un mercado repleto de cantantes prefabricadas. Amy salió como un chorro de agua fresca, y le abrió el espacio a artistas como Duffy y Adele. Lastimosamente, la vida privada de Amy pronto tomó protagonismo sobre su vida musical, y Back to Black de 2006 fue el último trabajo que publicó en vida.


Amy Winehouse - Back to Black



Para los que no estén muy al tanto de las noticias, recientemente se ha revelado la causa de muerte de Winehouse, que como no es de sorprenderse, se debió a un uso abusivo de alcohol. Amy tenía sus problemas, problemas que son complicados para cualquier ser humano, y que se complican exponencialmente cuando se vive en la infame "limelight". Este 5 de diciembre se publicara un disco con trabajos inéditos de la artista, bajo el nombre de Lioness: Hidden Treasures, el cual los fans esperan valga la pena y no sea nada más mercadeo.


6. Bert Jansch (3 de noviembre de 1943 - 5 de octubre de 2011)


Pues ya para terminar el artículo de hoy, nos quedaremos en el Reino Unido, más precisamente Escocia, de donde era uno de los artistas más importantes de la música folk de los años 60 y 70. Nuevamente me declaro ignorante mayormente de la música de Bert Jansch, sin embargo, fácilmente me declaro fan de los artistas que Jansch influenció, como Johnny Marr, Elton John, Bernard Butler, Nick Drake y Neil Young entre otros. Me parecerá falso llenarme la boca de palabras, hablando de un artista de quien solo conozco la superficie, así que dejaré que él hable por mí.


Bert Jansch - Needle of Death



Pues sí, es inegable que la vida es sueño. Que esta pasa volando, y que como dice una frase en latín "memento mori", "recuerda que morirás". Así es, la muerte no es más que el siguiente paso a la vida, y que nos espera a cada uno, algún día tendremos que decirle adiós a todos aquellos músicos que nos han brindado alegrías. Sus cuerpos perecerán, pero su legado musical estará vivo, mientras exista el ser humano. Además, con la muerte de cada artista, su legado es presentado a toda una nueva generación. Cuando se trata de la muerte, no todo es malo.

viernes, 28 de octubre de 2011

Viaje por la música Iberoamericana: Luis Alberto Spinetta - Spinettalandia y sus amigos


Diez discos ya bien oídos y reseñados en mi bolsa. El balance ha sido altamente positivo, siendo los peores momentos poco memorables nada más (Tiempos difíciles), pero nada malo hasta ahora. Este, el disco número 11, o más bien, el disco número 240, que nos trae por tercera vez a Luis Alberto Spinetta, y tras oírlo cuidadosamente, no puedo más que preguntarme, "y es que este tipo es incapaz de realizar un mal álbum?".

Spinettalandia y sus amigos, fue originalmente conocido como Almendra (nombre del grupo original de Spinetta), dado que aunque la banda ya se había desintegrado, la disquera exigía un disco más con ese nombre estampado en la carátula. Este es en realidad el primer disco como solista de Spinetta, artista que cada vez más me prueba que es uno de los más multifaceticos y productivos de todos los tiempos, en todos los idiomas. Además, a juzgar por lo poco que he oído de su amplia discografía, este tío si que tiene mucho cuidado de que cada canción pase un riguroso control de calidad, cuidando de presentarle a sus fans, nada más que lo mejor. Ojalá y todos los artistas fuesen así.



Luis Alberto Spinetta - Vamos al bosque





Spinettalandia y sus amigos nos guía desde ya, en el camino que seguirían los proyectos de Spinetta durante la década del 70. Un sonido psicodélico-progresivo completamente maduro, cuando bandas como Pink Floyd todavía caminaban en pañales. Si no solo juzguen por la canción Estrella, una fiesta musical y espiritual en medio de la selva Amazónica; una fiesta sónica. Los discos de Spinetta tienen muchos puntos fuertes, pero para mí, sus interpretaciones instrumentales se llevan el show. El disco fluye con tanta naturalidad y sin cansar ni ser repetitivo. Me atrevo a decir que no solo este disco de Spinetta fluye con tanta naturalidad, sino que toda su carrera lo hace de la misma forma. 


Luis Alberto Spinetta - Spinettalandia y sus amigos (1971)

lunes, 24 de octubre de 2011

La previa de noviembre

El mes aún no ha terminado, aunque el año ya casi, pero lo cierto es que me he encontrado un poco falto de tiempo para traer ideas originales y trabajadas este mes, así que me voy por las propuestas que espero se vayan haciendo tradición. Así que sin más habladurías, he aquí los 6 discos a tomar en cuenta durante este mes de noviembre:

1. Metallica & Lou Reed - LuLu
Si Metallica no ha hecho nada bueno en 20 años, el señor Lou Reed no lo ha hecho desde Berlin en el 73, y de eso ya casi 40 años. Además, aunque es seguro que la música de Metallica debió ser influenciada por Reed y The Velvet Underground, lo cierto es que no tienen nada de parecido, y desde el principio, la combinación de estos dos artistas sonó como la combinación más aleatoria en la historia de la música, casi como si pusieramos a Kanye West a hacer un disco con Beethoven. Pero, ¿me van a decir que no oírian ese disco? Es por eso mismo que vale la pena echarle una oídita a Lulu, más por la novedad de la colaboración, que por la música, que les preveo; apesta. Guardenle memoria a su computadora y escuchenlo por la página oficial.



2. Florence + the Machine - Ceremonials

En 2009, Florence + the Machine levantó polvo con su debut Lungs. Un disco con una propuesta fresca que agrado al mercado, convirtiendo de Florence Welch una superestrella. Este año regresa con su segundo trabajo que lleva el nombre de Ceremonials, y que se espera le siga trayendo ganancias. Lungs aburría después de un rato, habrá que ver si se lográ mejorar en el segundo intento.



3. Megadeth - TH1RT3EN

Pues he aquí la segunda aparición de una de las 4 bandas conocidas como "los cuatro grandes del Trash Metal". Probablemente también, Megadeth ha sido la banda que más ha logrado mantener la continuidad y la calidad de sus productos. Para Thirteen, el disco número 13 (¿tenía que decirlo?), la banda recupera a Dave Ellefson, bajista y miembro fundador de la banda, quien no aparecía en un disco de esta desde The World Needs a Hero de 2001.




4. David Lynch - Crazy Clown Time

Para la mayoría de nosotros, David Lynch es nada más la mente enferma detrás de las películas que han pasado a formar parte de nuestras pesadillas. No contento con solo eso, este 2011 marca el año en el que Lynch, quien siempre ha compuesto música, lanze su primer disco de estudio. Crazy Clown Time es algo muy diferente al ambiente oscuro y pesado en el que deben de pensar, al relacionar a este tipo con películas como Blue Velvet o Mulholland Drive. Esto es algo diferente, pero igual de bizarro.



5. Los Campesinos! - Hello Sadness

Este ya es el cuarto disco de el conjunto Galés en a penas 4 años. A ese ritmo tendremos un disco de Los Campesinos! por año. Aunque ninguno de sus trabajos anteriores haya terminado de cuajar en mí, les sigo dando una oportunidad porque confió en que Gareth Campesinos! y compañía son capaces de mucho más que Romance Is Boring.



6. Kate Bush - 50 Words for Snow

Finalmente, termino con la previa de noviembre con el segundo disco de Kate Bush este año. Màs temprano, la artista Británica, sacó Director's Cut, una reestructuración y reedición de varias canciones que se encontraban guardadas desde finales de los 80. 50 Words for Snow es el primer trabajo con material completamente nuevo para la artista desde Aerials de 2005.

viernes, 21 de octubre de 2011

The Weeknd: Otro tipo de R&B para el fin de semana





Bueno, no hay que descuidar el público. Y es por eso que el día de hoy les voy a hablar sobre uno de los artistas sensación de este 2011, del cual seguramente no han oído. Creo que para comenzar, lo más apropiado sería remontarse a 2006, cuando un artista bajo el nombre de Burial publicó el álbum Untrue, el manual del subgénero de música electrónica llamado dubstep. Un sonido minimalista, que es una fusión del sonido dub, con beats minimalistas y espacio ampliamente ambientados. En los circulos de música independiente, el dubstep se volvió una sensación, pero la naturaleza del género le prevenìa de ser del gusto de las masas. Por este motivo, se empezó a experimentar en formas de hacer el género más digerible. Es ahí cuando entra en escena James Blake, un chico londinense, con nombre de tenista, quien publicó varios EPs que levantaron polvo en 2010, y que culminaron con su disco debut este año, el eponimo James Blake. Blake vino a agregarle una voz llena de soul, a la música dubstep, caracterizada por ser principalmente instrumental.

James Blake - The Wilhelm Scream


Pero donde Blake había respetado hasta cierto punto los parametros del género, manteniendo su aporte vocal bastante minimalista, tuvo que llegar otra persona para añadirle al dubstep, lo llamativo del R&B contemporaneo de artistas como Usher o Drake. ¿Pero si Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd, volvió el dubstep tan comercial, entonces porque no han oído nada sobre él? Resulta que The Weeknd sacó su primer disco, House of Balloons, temprano este año, y sin la ayuda de una disquera. La portada del disco mostraba un cuerpo femenino desnudo, parcialmente cubierto por globos de helio, y las letras de las canciones hablaban de noches de fin de semanas, llenas de drogas y de arrepentimientos mañaneros. No el tipo de cosas que fácilmente transmitirían en MTV. Además, Abel Tesfaye fue cuidadoso de dejar su verdadera identidad fuera del conocimiento del público.

Fue gracias a la ayuda del cantante Drake, quien lo promocionó mediante su cuenta de Twitter, que The Weeknd comenzó a ganar notoriedad, llegando a recibir la etiqueta de "mejor música nueva", por parte de la página Pitchfork. House of Balloons es en realidad un disco sexy, un disco en el que la voz suave y melodiosa de Tesfaye se mezcla con los fondos instrumentales. Es evidente que una de las mejores cualidades del disco es su sensacional calidad de producción.

The Weeknd - High for This


House of Balloons es en realidad, apenas el comienzo de una trilogía de discos que sacará Tesfaye este año. La segunda parte, Thursday, también ya ha sido publicada, y aunque básicamente sigue la misma idea del primer disco, ya se siente un poco cansón y repetitivo, incluso molesto por veces. Tesfaye tendrá que trabajar bastante para que su tercer lanzamiento, Echoes of Silence, siga acaparando la atención de la forma correcta, y que The Weeknd no vaya a terminar como el "novelty artist" del año, y como algo que pudo ser.

Los discos de The Weeknd pueden ser descargados legal y gratuitamente de la página del artista, así que solamente les facilitaré la dirección: http://the-weeknd.com/#h

lunes, 10 de octubre de 2011

Música de fondo: Para volar?!


Bueno, como muchos saben, la página que probablemente visito con más frecuencia, y que suelo llamar mi "página de cabecera", es rateyourmusic.com . Desde 2007 utilizo esta página como mi fuente primaria de información y recomendaciones musicales. Sin esa página no sería quien soy hoy. Lo bonito de dicho sitio es que permite al usuario calificar y compartir sus impresiones sobre discos musicales. Una de las características de la página es que mantiene en constante rotación en su portada, reseñas escogidas de sus usuarios. Pasé tres años deseando que me reconocieran, y me pusieran en la portada, y no fue hasta 2010, que mi reseña de The Wild Hunt de The Tallest Man on Earth llegara a la portada. Fui incluido dos veces en ese año, y en lo que va del 2011, he sido incluido en tres ocasiones, haciendo un total de 5. Es poco comparado con otros usuarios, pero cada vez que veo una notificación que me han incluido en la portada, eso garantiza una sonrisa en mi cara durante todo el día.

Zoé - Sombras


Pues hoy trataré de hacer una especie de traducción de la última reseña que me fue reconocida y puesta en la portada. Esta corresponde al disco Unplugged de Zoé, publicado este mismo año:

Supongo que los álbumes Unplugged poco a poco se han convertido en una tendencia en agonía.Cuando en los años 90 parecía una buena alternativa a los típicos discos en vivo, un espectáculo más íntimo con el artista, hoy en día es igual a "no mucho". Parece que la mayoría de los artistas que vale la pena que hagan un Unplugged o ya lo han hecho o ya han declinado la invitación. Esto podría explicar el por qué los últimos álbumes Unplugged en inglés fueron hechos por artistas como Korn o Katy Perry. Los Unplugged de artistas latinos nos fueron aún más importante que sus homólogos en Inglés, pues nos hacían sentir especiales, y nos hacían saber que MTV era consciente de la región como mercado. Es por eso que MTV Unplugged grabó discos de algunos de los artistas más grandes de la lengua, Los Tres, Café Tacvba, Charly García y en especial, Soda Stereo.

El último que tuvimos, fue el de Julieta Venegas en 2008, un buen esfuerzo, pero lejos de los cuatro grandes álbumes antes mencionados. Tres años después de esa grabación, MTV una vez más nos sorprendió con dos nuevos discos Unplugged. El primero de ellos, me atrevo a decir, fue una aventura muy, muy grande. El Unplugged de Los Tigres del Norte, una banda de música Norteña que nunca ha recibido rotación en dicho canal. La segunda, fue una elección muy obvia y predecible, Zoé.

Zoé han ido creciendo como artistas últimamente, y su aceptación comercial ha ido creciendo también, además, su música es lenta y chill la mayoría del tiempo, lo que hizo los hizo una opción perfecta para estos espectáculos pseudo-acústico. De hecho, he visto a Zoé en vivo, en 2008, cuando todo el mundo conocía apenas un par de canciones de ellos. En realidad son bastante buenos, me gustan, aunque sus letras con frecuencia se sienten poco naturales y forzadas por la adición de palabras y frases como anémona, membrana, lágrimas de láser, rimel de miel o revólver sexual, por nombrar algunos, sólo por el hecho de sonar interesantes.

Zoé (feat. Bunbury) - Nada


Los muchachos tienen su talento, y es fácil equivocarse, cuando rompe el coro en la pista 1, "Sombras". En ese momento se nos viene encima una explosión de sentimiento y alegría, que nos lleva a pensar que estamos a punto de oír algo grande. Por desgracia, Zoé sabe en lo que es bueno, y se niegan a salir de su zona de confort, y es exactamente eso lo que han hecho a lo largo de toda su carrera. Los invitados aportan poco a la mezcla, a excepción de Bunbury, que es bastante grande por aquí, el resto ni sé ni me importa quienes son. Música de Fondo es un buen conjunto de canciones, y una buena introducción a la banda, pero que sin embargo es muy conservadora, y segura todo el tiempo.Yo creo que son capaces de mucho más.

viernes, 7 de octubre de 2011

I'm Never Gonna Know You Now, But I'll Love You Anyhow


A pesar de que octubre fue seleccionado como el mes de R.E.M., dado que el longevo grupo americano anunció su separación el pasado mes de septiembre, he decidido también darle cabida a escuchar toda la discografía de Steven Paul Smith, mejor conocido como Elliott Smith. Pero tranquilos, sé que aún llamandolo por su nombre artístico estoy dejando a muchos en la luna. Así que en esta entry compartire con ustedes algunas de mis canciones favoritas de este gran artista, que nos dejo aún teniendo mucho que ofrecer.

Pues habrá sido hace un par de semanas, que me di cuenta por deducción, de que me encontraba sufriendo de depresión clínica, caracterizada por ánimos cambiantes, a veces contento, el día siguiente de malas, los días que andaba de malas no tenía ni la más mínima intención de ponerme a hablar con nadie. Incluso experimenté los sintomas menos convencionales, como lapsos de hacer "payasadas", y debo confesarlo, incluso llegué a llorar. Habían momentos en los que hubiera deseado hablar con alguien, pero las personas con quien me hubiese gustado hablar no se encontraban disponibles, así que terminaba compartiendo mis largas noches con nadie más que Elliott Smith. Lo cierto es que fue terapeutico, aunque puede resultar irónico, pues Elliott fue alguien quien terminó perdiendo su propia batalla contra la depresión.

Elliott Smith - Needle in the Hay


Elliott nació en Nebraska, pero creció en Texas con su mamá, abusado por su padrasto, hasta que a los 15 años se mudó a la costa Oeste con su papá en Portland, Oregon. Fue ahí donde Elliott fue introducido a lo que probablemente fueron las cosas más importantes en su vida, la música y las drogas. Elliott no era ningún tonto o fracasado, el tipo se llegó a graduar del College en Massachussetts, con un título en filosofía y ciencias políticas. Tras conseguirlo, regresó a Portland a trabajar en una panadería.

La carrera musical de este tío comenzó cuando fundó la banda Heatmiser, con quien llegó a grabar un disco, sin embargo, la música de Heatmiser era muy diferente a la que corría en la cabeza de Elliott, quien simultaneamente se dedicaba a grabar su propia música en una vieja grabadora de 4 cabezas. Fue su novia de aquel entonces, quien le convenció a que madara un demo de las 8 canciones que tenía grabadas, esperando que la disquera Cavity Search le dedicara un sencillo d 7". Para sorpresa de Elliott, la disquera estaba dispuesta a publicar todas sus canciones como un àlbum. Este primer disco, Roman Candle, ya demuestra la genialidad del tipo, sin embargo, aún no se había desarrollado completamente su identidad, y la producción lo-fi era bastante defectuosa.


Elliott Smith - Say Yes


Para su segundo disco como solista, el epónimo Elliott Smith, el cantante ya había encontrado su estilo. Su voz suave y frágil, que llegaba a sonar tan íntima, como si solo a ti te estuviera confesando las cosas por las que pasaba, esto, junto con la guitarra pellizcada pronto hicieron fácil hacer la comparación con otro grande de la música que nos dejó sin llegar a hacer un mal trabajo musical, me refiero a Nick Drake, a quien seguramente le dedicaré otro artículo igual que este. El relativo éxito alcanzado por Smith como solista terminó haciendo que Heatmiser llegara a su fin, pero la carrera de Smith apenas venia despegando.

Su siguiente disco, Either/Or del 97, es probablemente su trabajo mejor logrado. Ya con arreglos más densos y complejos, Smith no dejaba espacio para compartir con nosotros su depresión y su adicción a las drogas. La salud y estado físico-mental de Smith ya se deterioraban, cuando el director Gus Van Sandt se le acercó para que le ayudara con su película, Good Will Hunting, un drama sobre un chico genio, protagonizado por Matt Damon, quien a pesar de sus virtudes, ocupaba mejorar su inteligencia emocional, ayudado por sus amigos y principalmente por un psicologo, protagonizado por Robbin Williams. La música de Elliott fue un complemento perfecto para la película, que a veces pecaba de melodrámatica, y que nos hizo ver que Smith no era muy diferente de Will Hunting. La canción que compuso especialmente para la película, Miss Misery, le valió una nominación al Oscar, donde incluso llegó a presentarse en la gala de la entrega de premios, aunque terminó perdiendo ante la odiosa My Heart Will Go On de Celline Dion.

Elliott Smith - Waltz #2


El período después de los 15 minutos de mayor fama que tuvo Smith fue uno de los más oscuros de su vida. Caracterizado por su creciente depresión, que lo llevaba a comentar con frecuencia a sus amigos, el deseo de acabar con su vida, y también de vez en cuando cometiendo intentos fallidos de morir. Su disco del 98, XO, es igualmente el más oscuro de su catalogo, un disco difícil de digerir, pero que vale mucho la pena para entender este gran personaje. Para el año 2000, año que Smith publicara su último álbum en vida, el tipo parecía ya rehabilitado. Se presento con más frecuencia en espectaculos y en la televisión, y su trabajo Figure 8, contenía la música y letras más alegres que se le hubieran escuchado a este artista. Todos hubiesen pensado que ya todo había terminado, y que Elliott había logrado vencer a sus demonios, sin embargo, entró en una recaída, donde Elliott empezó a sufrir de paranoia, y llegó a frustrar varias de las sesiones para la grabación de un nuevo disco, pues se molestaba y se recluía cuando alguien le recalcaba su situación, y el hecho de que necesitaba ayuda.

Smith tendría un último alegrón en 2003, cuando realizo la mayoría de lo que sería From a Basement on a Hill, su disco póstumo, incluso hablando con su productor sobre lo emocionado que estaba con el nuevo material que estaba grabando y que esperaba que este le fuera a ayudar con los aspectos técnicos de la grabación. Pero el 21 de octubre de ese mismo año, mientras en casa con su novia Jennifer Chiba, ambos tuvieron un argumento. Jennifer se encerró en el baño, y fue en ese momento en que ella escuchó un grito, y salió para encontrar a Elliott con un cuchillo en el pecho. Inicialmente el incidente fue catalogado como un suicidio, sin embargo varias cosas permanecen misteriosas e inciertas sobre el incidente, por lo cual la policía finalmente dejó abierta la opción del homicidio, pues es curioso que Smith tenía no una, sino dos puñaladas, y además, su cuerpo carecía de las típicas "heridas de vacilación", normalmente encontradas en quienes comenten suicidio de esta forma.

Elliott Smith - Pretty (Ugly Before)


Lo cierto es que la muerte de Smith fue triste y prematura, ya que como demuestra su trabajo póstumo, From a Basement on a Hill, y el posterior lanzamiento de New Moon, dos discos con grabaciones inéditas, Smith aún tenía mucho que dar. Sin embargo nos dejó bastante de que disfrutar, y día a día su música sigue ayudando a las personas, para que no cometan el mismo error de Elliott.

Tributo a Smith afuera de Solutions, escena de la portada de Figure 8.

martes, 4 de octubre de 2011

La previa de octubre

Es un poco de lástima que no mucha gente le haya puesto atención a la previa de septiembre, pues considero que es de los artículos más útiles que he escrito. De cualquier manera, disfrute de hacerla, y es por eso que vuelvo a enlistar los discos que hay que poner atención durante este mes de octubre; ya casi se acaba el año.

1. Feist - Metals


Ya les he hablado anteriormente sobre Feist, una cantante canadiense que tiene una de las voces más dulces y melodiosas del mercado actual. Feist empezó siendo parte del conjunto Broken Social Scene, pero decidió llevarse las cosas por su propia cuenta, y ha tenido éxito, incluso apareciendo en Plaza Sesamo, gracias claro, a su canción 1234. Puede que valga la pena darle una escuchadita a este disco que Pitchfork ya ha calificado con un 7.7.



2. Ryan Adams - Ashes and Fire

No se confundan, este no es el artista de canciones como Summer of '69 o Everything I Do (I Do It For You), ese es Bryan Adams. Tienen nombres parecidos, pero estoy seguro que Ryan no se cambio el suyo a proposito. Su música poco tiene que ver con la de su homologo canadiense, Ryan es más como un Bob Dylan moderno, al menos por lo que he oído en su disco Heartbreaker de 2003. El tipo vale la pena, si no me creen, peguenle una oídita a esta canción, no cualquier hace algo que te pegue así de instantaneamente.



3. M83 - Hurry Up, We're Dreaming


La escena francesa estará caliente este mes de octubre, y para ser más especifico, la escena electronica francesa. M83 es el nombre bajo el cual se da a conocer Anthony Gonzales, y que ya lleva años regalando discos de una mezcla de shoegaze, con dream pop y bastante beats electronicos. Este año, inspirado por discos como Mellon Collie and the Infinite Sadness, M83 nos trae un disco doble, algo que no es fácil de hacer bien, pero esperemos que él lo logré.



4. Coldplay - Mylo Xyloto

Coldplay es sin duda una de mis bandas favoritas, y Mylo Xyloto es uno de mis discos más esperados del año, sin embargo, me resulta difícil contradecir a alguien que me diga que esta banda no es tan buena. Creo que tienen razón, carece la profundidad e innovación de grandes artistas como Radiohead o R.E.M., pero lo que hacen, lo hacen bien. Y aún así, con su último disco, Viva la Vida, or Death and All Its Friends, Coldplay se separó un poco de su formula comercial y experimento un poco, junto con la ayuda del grandísimo Brian Eno, y aún así lograron conseguir un super hit con la title track (Viva la Vida). Solo nos queda esperar unas semanas para poder oír más de Mylo Xyloto.



5. Justice - Audio, Video, Disco


Mi comentario sobre la temperatura de la escena electrónica francesa no fue escrito solo por M83, sino que también, y podría decir, más importantemente, por el trabajo sophomore de Justice, la banda que de a poco nos ha hecho olvidarnos que Daft Punk no saca un disco con material nuevo desde 2001. Su primer disco, , era una obra electrónica y oscura, y que aparte nos dejo esta joya de video musical:





6. Tom Waits - Bad As Me


Bueno, ya para terminar el mes de abril, también podremos oír el primer disco con material completamente nuevo de Tom Waits desde 2004. Tom Waits fue metido este año en el salón de la fama, sin embargo, su música es bastante difícil de digerir, "an acquired taste" me gusta decir, más que todo por lo garrasposa de su voz, que solo ha conseguido hacerse más ininteligible con los años. Hay que estar pendientes, la mente de este señor ya nos ha dado mucho buenos discos.

lunes, 3 de octubre de 2011

10 Covers de los Beatles que hay que oír



Como puede que se hallan dado cuenta (o no), el mes de septiembre lo dedique a escuchar toda la discografía de Los Beatles, y además algunos trabajos de sus integrantes por separado, como el excelente All Things Must Pass de Harrisson, el Band on the Run de Paul McCartney y Wings y el Imagine y Plastic Ono Band de Lennon, todos muy buenos discos y que ahora veo fácilmente podría dedicarles un artículo. Pero en esta ocasión me he tomado la molestia de escuchar un sinfín de covers de canciones de Los Beatles, y escoger 10 que pienso deben de escuchar en caso que desconozcan. Así que empecemos:

10. The Langley School Music Project - The Long and Winding Road


Este cover está a cargo de un coro de niños de una escuela de Inglaterra, y que fue grabado allá por los años 70, y no fue hasta hace poco, en el 2001, que las grabaciones fueron desenterradas y republicadas para el aclamo general. Notese que las voces son frágiles y un poco desafinadas, peor he ahí la gracia de estas versiones. Si fuera mi hijo quien cantase, seguramente me haría derramar un par de lágrimas.

9. Rufus Wainwright - Across the Universe


Lo cierto es que Across the Universe es una canción tan perfecta que yo podría hacer un cover, incluirlo en esta lista y nadie diría nada. Hay dos versiones interesantes aparte de ésta, una a cargo de Fiona Apple y otra por el gran David Bowie, pero me quedo con la versión de Rufus, que aparte tiene un buen video musical.

8. Elliott Smith - Because


Muy pronto estaré compartiendo con ustedes un artículo dedicado a uno de mis cantantes/compositores (singer/songwriter) favoritos. Su nombre es Elliott Smith y puede que lo conozcan por haber decorado con su música la película Good Will Hunting. Su cover de esta canción de Abbey Road puede ser escuchada en la película American Beauty. Elliott acostumbraba darle estos arreglos sinfonicos a su voz, por lo cual Because le quedo como anillo al dedo.

7. Wilson Pickett - Hey Jude


Encontraran innumerables interpretaciones de canciones de los Beatles por cantantes de soul (como Al Green con I Want to Hold Your Hand o Ike & Tina Turner con She Came In Through the Bathroom Window), pero a mi parecer, la versión mejor lograda es esta de Hey Jude a cargo de Wilson Pickett, acompañado por la música de uno de los mejores guitarristas que quiza no conozcas, Duane Allman.

6. Allison Krauss - I Will


Allison Krauss es una cantante popular de country que logró saltar las barreras de ese género tan poco popular fuera de los estados del sur, con su colaboración de 2007 con Robert Plant, Raising Sand, la cual les hizo llegar a ganar un Grammy. Está canción parece ser de muchos antes, donde Krauss le da vida a una canción del White Album que muchos como yo, puede que hallan pasado por alto.

5. Jeff Beck - A Day in the Life


Jeff Beck es uno de esos "guitar heroes" por excelencia, y en esta rendición instrumental de una de las canciones más icónicas de los 4 de Liverpool, deja en claro su maestría, y también que tal vez no eran las letras lo que hacen tan grande esta canción.

4.  Aretha Franklin - Eleanor Rigby


Para este cover de dos de los personajes más famosos de las canciones de los Beatles, la Reina del Soul se convierte en Eleanor Rigby y cambia la perspectiva de la canción a primera persona. Alguien así ocupaba Father Mackenzie para que la congregación oyese su sermón.

3. Sonic Youth - Within You, Without You


Supondré que todos ustedes están familiarizados con la influencia que tuvo el Maharishi Yogi en la carrera de los Beatles. Uno de los más afectados por el gurú hindú sin duda que fue George Harrisson, quien en dos canciones, principalmente, trajo toda la influencia de la India a los discos de la banda. Tanto Love You To, como Within You Without You son canciones que o las odias, o las amas. Yo no soy muy partidario de estas, pero en las manos correctas, suenan realmente geniales, sino preguntenle al genio de la música noise, Thurston Moore.

2. Joe Cocker - With a Little Help from my Friends


Ringo Starr es normalmente visto de menos cuando se habla de los Beatles, y hay que afrontarlo, era sin duda el menos talentoso de los cuatro. De las contadas canciones a las que prestó su voz, una de las que más sobresale es esta de Sgt. Peppers, que quedo grabada en el inconsciente coelctivo en esta versión de Joe Cocker, tocada en el mítico concierto de Woodstock.

1. Stevie Wonder - We Can Work It Out


Es díficil poder contradecir a alguien que me diga que este es el mejor cover de una canción de los Beatles. Definitvamente, We Can Work It Out no era una de las mejores de su catálogo, incluso llegaba a parecerme cursi y boba, pero voz y el groove de Stevie Wonder suena bastante convincente. Mejor que la original.

- Finalmente, como curiosidad, me gustaría agregar que Del Shannon hizo el primer cover americano de una canción de los Beatles, con From Me To You, la cual llego a las listas de popularidad antes que la versión original. No estoy seguro de quien habrá hecho el primer cover de Los Beatles, aunque recuerdo haber leído el dato en el libro de Bob Spitz.

- La canción Yesterday, hecha completamente por Paul McCartney, aunque bajo el nombre de la banda, contiene el record mundial de ser no solo la canción de los Beatles con más versiones editadas, sino de ser la canción con más versiones editadas.

- Existen un sinnumero de discos tributo a los Beatles. Desde los beatles para bebes, hasta los Beatles Bossa Nova, pero uno de los mejores y de mayor interes para nosotros, es este Tributo Tropical a Los Beatles, que incluye interpretaciones de Celia Cruz y Tito Puente.

Lleva esta playlist en tu iPod!

domingo, 25 de septiembre de 2011

Viaje por la música Iberoamericana: Invisible - El jardín de los presentes

Puntuación: 4.5/5
Es fácil entrever que la persona que elaboró la lista de los 250 Iberoamericanos es argentina, y también que es fan de Luis Alberto Spinetta. ¿Será preferitismo del autor, o será que en realidad este artista merece ser frecuentado numerosas veces en esta lista? Ya me había introducido a su música con Peluson of Milk, disco que hizo ya entrados los años de su carrera musical. Pelusón era un buen álbum, pero nada para obligar a mis conocidos a escuchar, por otro lado, El Jardín de los presentes, el tercer disco publicado por Spinetta bajo el nombre de Invisible, si que esta a otro nivel.


Invisible - Alarma entre los ángeles






Invisible fue formada alla por 1973, luego de que Spinetta descontinuara su trabajo con Pescado Rabioso. Publicado en tres años tras la formación de la banda, El jardín de los presentes fue el último trabajo realizado por el conjunto, Spinetta sintiendose obligado de cambiar de piel cada cierto número de años. No he escuchado los primeros discos (cosa que tengo planeado hacer), pero este es considerado el mejor, y es fácil ver porque. En la línea de los discos progresivos de los 70s, Invisible lleva el sello de Yes, con la voz chillante de Spinetta, guitarrazos también chillantes (vease Alarma entre los ángeles), y letras triviales, El jardín consigue ser uno de los mejores discos de rock progresivo que he escuchado, independientemente del idioma. Cosa a notar es que el álbum evita caer en los tan famosos excesos del género y aún suena como un disco muy actual.

Puede que me equivoque en cuanto a la historia, pero me parece que esta trata del Capitán Beto, quien se ha aventurado en su nave espacial hacia un lugar desconocido, el cual no puedo evitar pensar que es "el cielo", y que este viaje en sí, es la muerte misma. La historia puede parecernos un tanto tontona, pero al dejar correr el disco, entraremos de lleno en lo que nos pinta la banda, tanto así, que sentiremos haber encontrado la paz una vez que en la última canción se nos avise que hemos llegado. Bienvenidos al jardín de los presentes.



Invisible - El jardín de los presentes (1976)