martes, 31 de mayo de 2011

Bon Iver - Bon Iver, Bon Iver (2011)



Para los que como yo, lleven algunos años al tanto de la escena indie, puede que les resulte familiar el nombre de Bon Iver. Este es un proyecto a cargo del artista estadunidense Justin Vernon, quien allá por el 2006, tras sufrir una enfermedad conocida como mononucleosis y haber terminado una relación, decidió ir a aislarse a una cabaña en un frío bosque de Wisconsin. Vernon no tenía intención de salir de ahí con uno de los trabajos discográficos más alabados por la crítica en la segunda mitad de la década pasada, él simplemente quería recuperarse. Pero da la casualidad de que Vernon venía de ayudar a unos amigos a grabar, y se llevó el viejo equipo de grabación y algunos instrumentos consigo a la cabaña. Fue así como nació For Emma, Forever Ago, un disco genial, que mezcla la intimidad de estar con Vernon en esa cabaña; se oye cuando se mueve el micrófono, y el chillido de los dedos moviéndose sobre las cuerdas. También hay momentos de una armonía casi sinfónica, que uno no puede evitar preguntarse cómo lo logró bajo esas condiciones. Vernon pretendía mandar esas grabaciones como demos a varias disqueras, pero tras enseñárselas a unos cuantos amigos, estos le convencieron que el mundo debí oír esas grabaciones cuanto antes. Es así como Justin tomó el nombre de Bon Iver, a partir de la frase en francés para “buen invierno” (bon hiver) y sacó el disco por su propia cuenta. Las disqueras independientes no tardaron en percatarse del ruido que Bon Iver creaba en la blogosfera, y pronto en 2008, se reeditó su disco para un mercado más amplio.

Bon Iver - Skinny Love


Desde entonces, Bon Iver se amplió hasta ser ahora una banda, con sus miembros intercalando el tiempo entre varios proyectos. Bon Iver inclusive tuvo dos apariciones en el genial disco de Kanye West del año pasado, My Beautiful Dark Twisted Fantasy. También, la artista británica Birdy, ha conseguido un hit top 20 en la isla de Britania con un cover de la canción Skinny Love de For Emma, Forever Ago. Pero el trabajo que sus fans se encontraban esperando era este, su segundo disco, el cual iTunes por error puso a la venta un mes antes de su estreno. Se dieron cuenta del error, y aunque removieron el disco, ya era muy tarde, pues algunos clientes lo habían alcanzado a comprar y pronto lo regaron por la red.

Bon Iver, Bon Iver mejora en algunas cosas que algunos criticaron del disco debut. Precisamente estoy hablando de la producción, la cual, técnicamente mejora, pero estoy seguro que muchos estarán de acuerdo conmigo, pensando que las limitaciones de For Emma, Forever Ago fueron parte de lo que hicieron ese disco tan especial. Como es de esperarse, el tener una banda completa crea un sonido más amplio, y marca una evolución en el sonido. En el campo de las letras, como podrán notar, cada canción lleva el nombre de un lugar, y eso es lo que representan. Traté de darle una leída a las letras pero parecen tener tanto sentido como una canción de Beck Hansen, solo que al ser estas más armoniosas y orgánicas, pareciesen tener mayor significado.

Bon Iver - Flume


Como resumen, Bon Iver, Bon Iver es un buen disco, de lo mejor que nos ha ofrecido este año. Si bien este marca una evolución obvia para el proyecto, esto contrasta con el sonido primitivo del primer disco, el cual ya sabíamos que sería muy difícil de superar.

(NOTA: ambos videos de Youtube son de canciones de For Emma, Forever Ago. Las del segundo disco aun no están disponibles)

Bon Iver - Bon Iver, Bon Iver (2011)

Disco

viernes, 27 de mayo de 2011

Los Tigres del Norte & Friends: MTV Unplugged



Cuando vi hace un par de meses atrás, que MTV le dedicaría un disco de su serie Unplugged a los Tigres del Norte, pensé que de veras se les habían acabado los artistas decentes para presentar de esta forma (aunque bien pude haber pensado esto cuando se le hizo un Unplugged a Diego Torres o a Katy Perry). Los Tigres del Norte son probablemente la banda más exitosa y más conocida del género grupero/norteña, y estoy seguro que son pocos los que nunca han escuchado canciones como La banda del carro rojo o La puerta negra. Los Tigres del Norte emigraron desde muy jóvenes de su Sinaloa, México, hacia San José, California, allá por los finales de los 60s. Compuesto ahora por tres hermanos y un primo, los Tigres tuvieron su primer gran éxito en el 74, con Contrabando y traición, uno de los tantos controversiales narcocorridos, que ya se encuentran prohibidos en varias localidades. Los tigres defienden canciones como estas diciendo que ellos no hacen nada más que cantar sobre la verdad. Luego, los Tigres también han escrito sobre amores y desamores, y las dificultades de ser un migrante ilegal en los Estados Unidos, y a lo largo de su larga carrera han vendido más de 34 millones de discos, llenado las arenas más grandes de los Estados Unidos, ganando 4 premios Grammy, y ahora se les premió, dándoles este Unplugged.

Los productores de este disco han sido muy inteligentes al llenar las presentaciones con artistas invitados, de la talla comercial y musical de Paulina Rubio (quien diría que algún día ella y los Tigres formarían parte de mi colección), Diego Torres, Juanes, Andres Calamaro, Rene de Calle 13 y el mismísimo Zack de la Rocha, exlíder de Rage Against the Machine. Seguramente que esta inyección de artistas hacen de este disco, algo más accesible para la mayoría. Pero hay que recordar que las canciones son de los Tigres, y ellos son los verdaderas estrellas de este Unplugged. Mezclando éxitos de su larga carrera, los tigres terminan el disco con un set de finas canciones de protesta. Somos más Americanos, La jaula de oro y América son tres cantos al orgullo de ser latinos, y la injusticia que sufren los migrantes por parte de un pueblo de migrantes e invasores.

Los Tigres del Norte & Paulina Rubio - Golpes en el corazón


El disco completo es una fiesta, y si bien es probable que este sea un género poco usual para muchos, la verdad es que esta es la oportunidad para conocerlo, las canciones son pegajosas y bien logradas. Reto al que escuche todo el disco y no termine cantando alguna de las canciones cuando ya haya acabado. Los Tigres son conscientes de su impacto y su papel en una creciente comunidad hispana en los Estados Unidos, y después de cada concierto, los Tigres se toman su tiempo para conversar con sus fanáticos, y a decir verdad, muchos de los temas de sus canciones provienen de las historias que estos les cuentan.

Y para los que crean que esta entrada va dedicada a Manuel Zelaya, a quien los Tigres han aceptado en una entrevista a Diario El Tiempo, estar de acuerdo en hacer una canción sobre él, pues aunque inicialmente no lo pensé así, pues está bien ¡Que viva el jefe de jefes! Y más que todo ¡Que viva la resistencia!

Los Tigres del Norte & Andres Calamaro - La mesa del rincón


Tigres del Norte & Friends: MTV Unplugged (2011)


Disco

jueves, 26 de mayo de 2011

Los Campesinos! - Romance Is Boring



La banda conocida como Los Campesinos! se formó en 2006 en Cardiff, Gales, a pesar que ninguno de sus ocho integrantes son de ese país. Sí, leyeron bien, ocho integrantes componen esta banda que por falta de una etiqueta adecuada se le asocia a la escena indie. Dado su número de integrantes, se puede adivinar que Los Campesinos! tienen un sonido original, que no puede ser fácilmente igualado por las tradicionales bandas de 4 miembros. Los chicos empezaron teniendo éxito en la escena local, y un par de EPs les dieron relevancia a nivel internauta. Yo mismo los oí allá por 2007 cuando venían empezando, y me gustó mucho su original propuesta. Sin embargo, cuando su disco debut, Hold On! Now Youngster salió en 2008, la banda probó ser solamente una banda de novedad, y ese disco fue una de las mayores decepciones del año. Una vez que oías un par de canciones, el resto parecían un trabajo escucharlas. Menos de un año había pasado, y la banda ya se encontraba sacando al mercado su segundo disco, We Are Beautiful, We Are Young. Ya no les hice caso.

Los Campesinos! - The Sea Is a Good Place to Think About the Future


Cuando en 2010 la banda sacó su tercer disco en tres años, este recibió buenas críticas de páginas de internet como Pitchfork, y ya que en aquel entonces me encontraba en una de esas manías de conseguir música, decidí darles otra oportunidad. Tras una o dos oídas, nuevamente quede insatisfecho. Ahora me he puesto a oírlo nuevamente, como parte de un juego de mi página de cabecera Rateyourmusic, en el que se me asigno reseñar este disco. Ya oído con más cuidado, Romance Is Boring sigue siendo un disco que no vale mucho la pena. Si bien reconozco que la banda tiene potencial, pues por eso le hice caso en un principio, y también reconozco que ha habido cierta evolución desde su debut, lo cierto es que a esta banda aún le falta mucho trabajo para llegar a ese sonido que están buscando. Como lo dije antes, en Romance Is Boring se acercan un poco más, dejando atrás el producir dulces canciones de música pop, y buscando más el concepto de un álbum, con sus momentos de crecimiento, su clímax y sus puntos de descanso. Si bien a veces recaen en su fórmula pasada (lo cual no está mal), otras veces se ponen pesaditos como en Plan A, pero generalmente, el disco está repleto de desorden, da la sensación de que la banda ha perdido el control. Puede que esto se deba a la velocidad con que la banda está sacando sus discos, de trabajar más en las canciones, puede que estas hubiesen llegado a sonar como The Sea Is a Good Place to Think About the Future, el único gran triunfo de este disco, si bien hay otras canciones decentes, me parece que The Sea… es la canción que capta la dirección hacia donde la banda apunta, tiene tensión, atractivo comercial y letras intrigantes. Sí bien se atreven a darle una oída a este disco, recomiendo que lo hagan con las letras (lyrics) en mano, pues Gareth Campesinos parece escribir lo que se le viene a la cabeza, y de vez en cuando aparece con cosas interesantes. Yo mismo probé escribir de esta forma ayer en la noche, y creo que pude haber escrito algún par de líneas que la banda pudiese usar para su siguiente disco.

Los Campesinos! - Romance Is Boring (2010)


Disco

lunes, 23 de mayo de 2011

Your mom busted in and said "WHAT'S THAT NOISE!?" Aww, mom you're just jealous, it's the Beastie Boys!



Por lo que he averiguado de las investigaciones que realizo antes de escribir cada entrada, la banda conocida como Beastie Boys formaban una buena parte de lo que significaba crecer a finales de los 80s y durante la primera mitad de los 90s, la época de oro de este trío de Brooklyn, y es de esta época de cuando datan sus mejores materiales discográficos, Paul’s Boutique de 1986, Check Your Head del 92 y Ill Communication del 94. Los miles de fans que fueron seducidos por la original propuesta de la banda parecieron perder interés después de este último disco, que por casualidad, coincidía con la entrada de la fanaticada a la edad adulta.

Yo crecí durante la etapa post-Ill Communication de los B-boys, y a pesar de haber oído Body Movin’ en alguna película o anuncio de Nickelodeon, los Beastie Boys no formaron parte en lo absoluto de lo que significó crecer para mí, puesto que si perteneció a bandas de notable menor talento, como Linkin Park o Limp Bizkit. Así que sin temor a equivocarme, puedo decir que no fueron las preocupaciones de ser adulto las que alejaron a los fans de la banda, sino más bien, esto se debió a que sus posteriores trabajos eran de menor calidad.

Beastie Boys - (You Gotta) Fight for Your Right (To Party)



Los Beastie Boys se formaron hace ya varios años, allá por el 83, como una banda de hardcore de 5 miembros. En algún momento por esos años, los chicos se encontraron con un joven productor de nombre Rick Rubin, junto a quien decidieron darle un giro completo a lo que era su propuesta musical, pasando a ser un conjunto de hip hop, compuesto por tres raperos blancos, MCA, Mike D y Ad-Rock (No, Eminem no fue el primer rapero blanco). Con el éxito alcanzado por su debut License to Ill, impulsado por éxitos como You’ve Gotta Fight, For Your Right (To Party), fue que la banda empezó a acaparar seguidores. Luego vino su época de oro, y después del 94, siguieron hallando éxito comercial en discos como Hello Nasty, pero los fans ya no sentían lo mismo hacia la banda.

Con To The 5 Burroughs de 2004, encontramos a la banda hacienda un disco post 9/11, dedicado a los neoyorquinos y tratando de dispersar un mensaje de paz. Puede que les haya salido del corazón, y que los Beastie Boys verdaderamente necesitaban dar a escuchar su mensaje, pero aun así, a muchos les pareció forzado. Luego, en 2007, los boys, ya con una gran fanaticada, solventes de dinero (se calcula que han vendido más de 40 millones de discos), y tal vez un poco cansados de rappear, decidieron sacar al mercado The Mix-Up, un disco completamente instrumental que les valió el Grammy a Mejor Disco de Pop Instrumental. Una movida que tenía sentido, pues los interludios intrumentales era gran parte de lo que hicieron que Ill Communication fuese el último gran disco de la banda; al menos hasta 2011.

Beastie Boys - Make Some Noise


Originalmente intencionado para salir en 2009 como The Hot Sauce Committee Part 1, el disco tuvo que ser pospuesto cuando se dio a conocer que Adam Yauch alias MCA, sufría de una variación de cáncer en la garganta. Aunque las mismas canciones que hubiesen salido en la primera parte, fueron retomadas, la banda optó por sacar el disco este año, bajo el nombre de The Hot Sauce Committee Part 2, dejando la primera entrega sin fecha definida de salida.

Aunque podrían ser estigmatizado y puestos al lado de bandas como AC/DC o Nickelback, bandas que han creado un sonido propio, y se han dedicado a defenderlo por años, el que diga que la música de los Beastie Boys es igual, bien podría aventurarse de una vez a decir que toda la música hip hop es igual. Los B-Boys crearon un estilo propio desde su primer lanzamiento, un estilo que nadie puede intentar sin ser instantáneamente etiquetado como una vil imitación. La banda comenzó recayendo en gran cantidad de samples, pero desde hace un rato que tocan sus propios instrumentos, y con buena certeza se les puede llamar grandes músicos.

Con Hot Sauce Committee, el trio de Brooklyn revive todo lo que nos gustó de la banda en sus mejores días. Grandes interpretaciones a verso cambiado de los tres integrantes, guest spots de dos buenos artistas como Nas y Santigold, buenos grooves instrumentales como Multilateral Nuclear Disamament, y en Lee Majors Come Again, encontramos su mejor visita por sus viejos días de hardcore. Si bien Hot Sauce no consigue romper nuevas fronteras, este disco nos demuestra que los chicos aún saben lo que hacen. En estos últimos días me he topado en un par de ocasiones con Make Some Noise sonando en las radios, y no puedo evitar ponerme a pensar que hay chicos oyendo, chicos buscando poder crecer también junto a los Beastie Boys.

Beastie Boys - Hot Sauce Committee Part 2 ****


Aparentemente los Beastie Boys no quieren que nadie los oiga. Pero no importa, yo no lo puedo poner aqui, pero seguro que encuentran su disco en otra parte. Que les encanta llorar a esos tipos. Para que sepan, voy ir a romper mi copia de Ill Communication. (en realidad no).

sábado, 21 de mayo de 2011

Poderes Extraños: Stephin Merritt y los Magnetic Fields



Los 90s fueron una época de cosas raras. Muchas cosas cambiaron, y de varias formas, los 90s parecían ser una reinvención de los 60s. Me hubiera gustado vivir conscientemente cualquiera de estas dos décadas, en las que parecía que la juventud y la sociedad en sí, se salían de sus patrones. Musicalmente, el ambiente era algo parecido, pero dado a un mayor acceso y mayor tecnología, hizo que los 90s fuesen fuente de mayor diversidad. En los clubes de Detroit, rebombaban los parlantes con los bajos del techno y el house. En las calles del Bronx, la vida formaba decenas de artistas de hip hop, inspirados por las enseñanzas de Public Enemy y Grandmaster Flash en los 80s. En la costa opuesta se engendraba una de las escenas más importantes de la década. El grunge, liderado por Nirvana venía a sacar el hair metal de las estaciones de radio y hacer lo alternativo, mainstream. Al otro lado del Atlantico, las guitarras chillaban con el reverb del shoegaze de My Bloody Valentine, los beats inteligentes de Madchester y la dulce melodía del Britpop de Oasis y Blur. Otros como Radiohead, Beck o Bjork, flotaban en su propia esfera. Y todo esto, nada más en la primera mitad de esa importante década.

Ya para el año 99 sonaban los rumores del fin del mundo moderno, del Y2K, la fiebre de Pokemon y el revival del pop azucarado. Fue por esa época que alguien se ha de haber preguntado a qué horas vendría el disco que cerraría esos 10 años, el que daría el toque final a la década, resumiendo de todo lo que se había tratado. Claramente ese no era trabajo fácil. Pues aunque no estoy seguro, si el disco clave de los 90s fuese la intención de Stephin Merritt, pero se puede tomar el hecho de llenar 3 discos (poco menos de tres horas), con puras canciones de amor, como una señal de gran ambición.

The Magnetic Fields - I Don't Believe in the Sun


Stephin Merritt creció en Nueva York, y a través de sus supuestos 45 años, ha escrito bajo diferentes pseudónimos, y con diferentes bandas. Ha hecho varias bandas sonoras para películas y también ha trabajado en el teatro, pero seguramente, por lo que pasara a la posteridad es su trabajo de fin de siglo, 69 Love Songs. Obviamente una referencia a la posición sexual del 69, Merritt se inspiró viendo una obra de teatro, y al principio pensó en irse por 100 canciones, pero se conformó con las casi 70 que componen esta colosal obra.

Si bien a mi parecer, Merritt sale exitoso de esta difícil tarea, es de saber para todos aquellos que desean atrever a oír este disco, que no se recomienda darle oída a las 69 canciones seguidas. Si bien Merritt logra gran variedad con las canciones, recayendo en 5 vocalistas, el uso de diversos instrumentos como el banjo, ukelele, acordión, cello, mandolina o xilófono, y la visita por la mayoría de los géneros musicales (en ocasiones de formas bastante obvias), siempre dándole el toque certificado de los Magnetic Fields, que a pesar de cantar sobre el amor, la mayoría de estas resultan ser letras pesimistas (“You said you were in love with me, Both of us know that that's imposible”), agravadas por la voz barítono de Merrit, quien es quien canta en la mayoría de las canciones, y de Dudley Klute, cuya voz es bastante parecida.

The Magnetic Fields - Acoustic Guitar


Si bien es cierto que no todas las 69 canciones son buenas o memorables, algunas ni llegan a canciones y se quedan nada más en sketches o ideas. Pero creo que cualquier disco que contenga más de dos docenas de canciones verdaderamente brillantes, merece ser escuchado, Ejemplos del poder creativo de Merritt, tanto en melodía, como en letra, pueden ser encontrados en canciones como I Don’t Believe in the Sun, Chicken With Its Head Cut Off, o The Luckiest Guy on the Lower East, todos himnos al pesimismo. Otras como Sweet Lovin’ Man, Acoustic Guitar o If You Don’t Cry, cantadas por voces femeninas, vienen a darle oxígeno al disco, y en Papa Was a Rodeo, una de las más sobresalientes de las sobresalientes, Merritt realiza un dueto con Shirley Simms. Ademas, también en el disco se incluyen canciones experimentales como World Love, Love Is Like Jazz o Experimental Love Song, las cuales resultan ser más como los skits de los albums de rap.

The Magnetic Fields - Papa Was a Rodeo


Pues todos los que hemos vivido un poco, hemos de saber que el amor vienen de muchas formas. Amor correspondido, amor no correspondido, amor platónico, amor de madre, Merritt incluso le escribe una canción a un perro, Fido. La verdad es que es difícil nombrar unas pocas canciones, cuando se habla de un total de 69, y la verdad es que lo mejor es que ustedes las escuchen pro su propia cuenta, y no sería de sorprenderse que sus favoritas fuesen diferentes a las mías. Sin embargo, como el mismo Merritt advierte, “este disco no es sobre amor, sino más bien sobre las canciones de amor, que la verdad, poco tienen que ver con el amor real”.



Disco Uno
Disco Dos
Disco Tres

jueves, 19 de mayo de 2011

El Regreso de Gaga



Rating: 2.5/5

Pues ya que he decidido ponerme mas serio con esto de bloggear, al menos por mientras dure mis vacaciones, pues creo que debo de aumentar la frecuencia en la que oigo y reseño los discos nuevos. Como puede que muchos sepan, desde el dia de ayer se puso a disposición de los fans el muy esperado segundo disco de Lady Gaga, que lleva por nombre Born This Way. Esta vez lo hizo a través de metro.co.uk, el cual es un periódico que circula gratuitamente en varias ciudades de Europa. Sin embargo, este stream estará disponible solo por 5 dias, podrá ser oído 3 veces por computadora, y como cosa rara, no esta disponible en nuestro país. Pues es asi como los fanáticos de Gaga hemos tenido que buscar oir el disco por otros medios. Lo leyeron bien, dije algo como “nosotros los fanáticos”, pues yo me incluyo entre aquellos que piensan que ella ha venido a refrescar la escena mainstream, y de los que espera con anticipación cada uno de sus videos musicales, pues parece ser de los pocos artistas que aún les importa tal cosa, siempre teniéndonos a la expectativa, sin saber que esperar.
Gaga apareció casi de la nada. Un día cantaba en bares de Nueva York, y al día siguiente ya llenaba arenas y llamaba la atención de radicales y conservadores por igual. Ya sea que piensen que la tipa es una genio, o que la odien por su tendencia de “mirenme! Tengo un vestido de carne!”, lo cierto es que pocos de los que vivimos actualmente estamos a salvo de ella y su música. Tras su primer disco, The Fame de 2007, muchos se aventuraron a compararla con Madonna, por lo pegajoso de sus canciones y lo impredecible de sus ocurrencias. Si bien aún es temprano para compararla con la reina del Pop, se le debe dar los méritos a Gaga por haber sabido maniobrar los hilos de la vida en el espectáculo, sin comprometer su vida privada de formas autodestructivas como lo hicieran en su tiempo divas como Whitney Houston o Britney Spears.

Asi que lo acepto, Born This way es uno, sino el disco que más he esperado este año. Más que todo, no solo por lo prometedor que fue The Fame como debut, sino mucho más por su EP de un año después, The Fame Monster, 8 canciones de buena calidad, con Gaga probando poder dejar atrás algunos excesos del disco anterior. Claro, luego vino el estreno de la canción Born This Way, que a mis oídos y a los de muchos otros, era la prueba de que este disco podría no solo ser la decepcion del año, sino también la de la década que recién empieza. Todo esto, aun sin mencionar la horrible portada que parece se la saco del ano. Por suerte, luego vino Judas, y ahora que he oído el disco en su totalidad, puedo decir que no ha sido tan malo como esperaba, y será difícil que este disco termine entre mis 20 favoritos del año, más con artistas como Bon Iver y Arctic Monkeys esperando ser oídos.

Lady Gaga - Born This Way



Las 15 canciones de The Fame parecían un poco más de lo adecuado, y el disco hubiese quedado mejor, de haber cortado algunas esquinitas que estaban de más. Aparte, tampoco es de mi agrado cuando Gaga se pone a rappear/predicar. Esto lo había dejado atrás en Fame Monster, pero con Born This Way ella vuelve a recurrir en los mismos errores. Si bien es cierto que este disco tiene 2 canciones menos, son pocas las sobresalientes, como Hair, You and I (con guitarra de Brian May), que está al borde de ser melodramática, y Judas (no esperen hallar algo mejor que esta canción en este disco), hay otras atrocidades, como Government Hooker (“Put your hands on me, John F. Kennedy), o la pseudo capacidad plurilingüe, en canciones como Scheibe (alemán) o Americano, una supuesta versión mejorada de Alejandro, pero que es un insulto para todos los de habla hispana. Y pues el resto de las canciones se quedan en una zona de conformidad, digna de artistas, en mi opinión mediocres, como Katy Perry o Rihanna.
Solia tener a Lady Gaga en una posición más alta que estas otras artistas, pero Born This Way, me ha hecho creer que talvez muchos vimos en ella más de lo que en realidad había. Si, seguramente seguirá llamando la atención y haciendo los mejores videos del mercado. Yo los seguiré viendo, pero ahora no podré evitar preguntarme si sin los atuendos locos y demás excentricidades, Lady Gaga no sería como las demás.

Lady Gaga - Judas


Lady Gaga - Born This Way
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miércoles, 18 de mayo de 2011

Harry Nilsson ¿Quien es, y porque todos hablan de él?



Me imagino que se han de preguntar el porque del titulo de mi entry del día de hoy. ¿Quien será Harry Nilsson? se han de preguntar, pues la verdad es que nadie esta hablando de él. Sin embargo, este es el nombre de un documental que aparecio el año pasado, que habla precisamente de este artista de alla por los años 60s-70s. Es de saber que él escribía canciones para los Monkees, entre otros, y que en una entrevista Lennon y McCartney lo nombraron como su artista favorito americano. Nacido en Brooklyn, Nueva York, e hijo de imigrantes suecos, Nilsson trabajaba en un banco de noche y era musico de día. Alla por mediados de los 60s, Harry firmó contrato con la compañia RCA Victor, y sacó su primer disco, de donde se desprende la canción que probablemente llamó la atención de los Fab Four, un cover de la canción You Can't Do That, que apareciera en el soundtrack de la pelicula A Hard Day's Night:

Harry Nilsson - You Can't Do That


Si fueron atentos, pues me imagino habran notado que no solamente es este un cover cualquiera de los BEatles, sino que incluye coros de fondo de mas de 10 canciones de sus canciones como Paperback Writer, You're Gonna Loose That Girl,Drive My Car y Good Day Sunshine entre otras.

Otro momento de gran exito para Nilsson fue cuando recibio su primer Grammy por la cancion de la pelicula Midnight Cowboy (que ganara el Oscar en el 69). Everybody's Talkin' tambien era un cover de una cancion Fred Neil, y fue uno de los exitos más grandes de su carrera.

Harry Nilsson - Everybody's Talkin'


Pero los que me conocen sabran que no soy el tipo de personas que se siente atraido por canciones, sino que por trabajos completos de estudio. Y en el caso de Harry, fue asi como llegue a descubrirlo, por medio del disco que se le considera, como su mejor trabajo, Nilsson Schmilsson de 1971, un genial disco de musica, que compite con los mejores trabajos de los Beatles como solistas. El disco presenta gran variedad musical, y prueba de esto es la gran diferencia entre los sencillos, Coconut siendo una jocosa y divertida (aunque me puedo imaginar que sea molesta para algunos) cancion, Jump Into the Fire, que es casi un rock psicodelico, con grandes ataques de guitarra, y por supuesto, Without You, probablemente la cancion más conocida de Nilsson, y que coincidencialmente, tambien es un cover, esta vez de Badfinger. Sin embargo, esta es la mejor cancion de Nilsson, pues demuestra su gran voz, y el registro que esta alcanzaba, al mismo tiempo que mostraba un verdadero sentimiento por lo que hacia, oigan la version original de Badfinger, y parece que fuese otra cancion completamente.

Harry Nilsson - Without You


Pues a pesar que no es tan recordado como otros singer/songwriters de la epoca, el trabajo de Nilsson vale la pena ser oido. Nilsson siguio haciendo discos y scores para peliculas hasta el dia de su muerte en 1994 de un paro cardiaco. Asi que bueno, espero y los fans de Harry queden contentos con este articulo, y los que no le conocian, pues espero y sea de su agrado.

Pues si, puede que la pirateria no sea la cosa mas buena del mundo, pero la verdad es que en pais como el nuestro, a veces es la unica forma de obtener cierto tipo de musica, asi que aunque los incito a que sigan comprando discos, compartire con ustedes el disco de Nilsson para que le den una oida.

Harry Nilsson - Schmilsson Nilsson

Harry Nilsson - Nilsson Schmilsson

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martes, 3 de mayo de 2011

Amor, magia o cóctel o hormonas?

¿Existe el amor de por vida? ¿Pueden dos personas que no se conocen, conectarse de tal forma que quieran pasar el resto de sus vidas juntas? ¿Por qué los divorcios se han incrementado en los últimos años? Y todavía más importante, ¿No es el amor otra cosa más que una serie de reacciones bioquímicas en nuestros organismos? Todas estas son preguntas que a lo mejor todos nos hemos tomado la molestia de ponernos a pensar durante esas noches en las que no podemos conciliar el sueño, pero por otra parte, habrá quienes crean ciegamente en la “magia”, en lo inexplicable del amor.

Yo personalmente, no nací dudando en el amor, al igual que la mayoría de nosotros, fui testigo de películas de Disney, y cuentos de hadas que generalmente terminaban en “felices por siempre”. Tanto que cuando me llegó la hora, llegue a estar “enamorado”, por falta de una mejor palabra, de una chica por más de 4 años. Si me hubieran pedido que explicase que miraba en esta mujer, no lo hubiese podido hacer, era algo que me cegaba de la galería de malas cualidades de esta persona. Pasaba tanto el tiempo, y a pesar de que nunca llegamos a nada, yo seguía igual de loco cada día. Sin embargo, un día como cualquiera de los otros, desperté y ya no sentía nada por esa persona. Lejos quedo el amor, el hechizo del cual me sentía víctima, ella me era ahora, una persona como cualquier otra.

Pues por siglos, las personas que hicieron el mayor avance en los campos del amor, fueron poetas, músicos y ya más recientemente, cineastas. Eso es lo cierto, nuestra sociedad siempre ha estado bombardeada de historias de amor, cuentos como Tristán e Isolda, joyas de la literatura como Romeo y Julieta o Crimen y Prejuicio, y ya en nuestras generaciones, a esto, se le suman radioemisoras dedicadas completamente al amor, horas y horas de teleseries, telenovelas, y películas, que terminan metiéndose en nuestras cabezas, y en nuestras bolsas en días como el 14 de febrero, de que el amor verdadero si existe. Pero con los avances en los campos científicos, ya se ha dejado a los artistas como consultores honoríficos, escritores de citas para terminar un ensayo, y son los psicólogos y neurocirujanos, quienes nos han desvelado un poco más sobre los secretos de esa sensación, por la que no dudo todos hemos pasado. Así, que si usted cree incondicionalmente en el amor verdadero, le sugiero que deje de leer y abandone la habitación en este momento, pues lo que a continuación se informara, podrá dejar sus creencias al respecto en alas de cucaracha.

Helen Fisher, una antropóloga estadunidense, es una de las personas que más sabe al respecto, ya que ha dedicado gran parte de sus casi 70 años a los estudios bioquímicos del amor. La Dra. Fisher ha concluido, tras años de investigación, que el amor se reduce a tres etapas generales: lujuria, romance, y apego.

La primera etapa, la lujuria, se caracteriza por un deseo sexual, y esta etapa es llevada a cabo, principalmente por las hormonas sexuales de los humanos, la testosterona y el estrógeno. Luego viene la parte del romance, o la atracción, la parte de la que estoy seguro, es la que más disfrutamos. Pues todo esto se ha podido adjudicar principalmente, a tres neurotransmisores, adrenalina, dopamina y serotonina. Durante las primeras etapas del enamoramiento nuestro organismo activa la respuesta al estrés, incrementando los niveles de adrenalina y cortisol en la sangre, causando ese efecto, de cuando nomas nos encontramos con esa persona, empezamos a sudar, se sube nuestro ritmo cardiaco y se nos seca la boca.

Por medio de resonancias electromagnéticas, científicos como Helen también lograron descubrir que al enseñar una fotografía de sus enamorados a los sujetos de los experimentos, estos liberaban grandes cantidades de dopamina, el neurotransmisor responsable del deseo y recompensa en el cerebro. La dopamina provoca energía intensa, agudiza la atención y motiva para obtener recompensas. Es por esto que los recién enamorados pueden pasar despiertos toda la noche, ver el amanecer, correr en una competencia, o tirarse en bicicleta por una pendiente, que normalmente consideraríamos demasiado alta. La dopamina tiene en nuestro organismo, los mismos efectos que la cocaína.

Finalmente, la serotonina es también importante para esta fase, pues es la responsable de que esa persona amada, aparezca a cada momento en nuestros pensamientos. Científicos han realizado experimentos en los que se comprueba, que los bajos niveles de serotonina en los pacientes obsesivos-compulsivos son idénticos a los de personas enamoradas, por lo cual se dice que el amor y las enfermedades mentales, son difíciles de diferenciar.

Desafortunadamente, numerosos estudios realizados en diversas partes del mundo, confirman que la pasión generalmente se acaba. Es acá, donde entra la tercera etapa, que aunque ya no tan emocionante, se podría decir es la de mayor importancia. A esta etapa se le conoce como el apego, y es esa parte en la que se llega a una estabilidad necesaria para llegar a criar una familia. Aquí, nuevamente, se hacen presentes un par de hormonas, la oxitocina y la vasopresina. Esta primera es una hormona que estimula sentimientos de conexión y la creación de lazos afectivos, y que se libera cuando uno abraza a un ser querido, o cuando las madres amamantan a los hijos. Experimentos, revelaron que al bloquear los receptores de oxitocina en ratas, estos animales rompen sus vínculos monógamos y buscan otras parejas. Similarmente, al inyectar oxitocina en ratas que aún no tienen crías, se pudo observar que estas adoptan los hijos de otras ratas como si fuesen los propios. A algunos les parecerá incorrecto, pero llegara un punto en que la ciencia podrá explicar inclusive, cosas como el amor de madre.

Es curioso, saber también, que hay un factor cultural involucrado en el amor, claro que este factor se ha ido perdiendo poco a poco, a medida que la sociedad se ha globalizado. Pero por raro que parezca, aún existen variaciones curiosas como el caso de la tribu fulbe del Norte de Camerún en África, donde si un hombre muestra señales de enamoramiento, como pasar mucho tiempo con sus esposas, entonces se convierten en objetos de burlas, y se les llega a considerar víctimas de un hechizo. Por otro lado, en países como la India, hay muchas personas que consideran al amor romántico peligroso, y es todavía mayoritario en esa sociedad, el pensamiento de que los matrimonios arreglados tienen mayores posibilidades de éxito.

Algo de acertado tendrán los hindúes, pues es parte de la vida llegar a poder disfrutar de los amores pasionales durante nuestra existencia, pero al momento de formar una pareja estable, para criar una familia, se debería de tomar en cuenta, factores más importantes que la pasión, pues si esta se llegase a acabar y nos encontrásemos en nuestro hogar a una pareja que nos aburre y que no tenemos nada en común, pues estaremos frente a un problema.

Sobre todo, se debe saber que este es un tema complicado. Por más que se diga que el amor eterno es un mito Hollywoodense, se cuenta de casos en los que este se ha mantenido por más de 50 años. Es difícil poder llegar a una conclusión, pero para muchos de nosotros, y más los que hemos pasado por esos sentimientos, nos cuesta trabajo imaginarnos que todo eso es ocasionado nada más por un coctel de hormonas y proteínas. La ciencia dirá si algún día podremos ir a la farmacia y comprar una inyección de amor, pero quedándonos en nuestras vidas personales, me parece difícil pensar en lo aburrido que la vida sería si este factor no estuviese en juego. Decía el famoso psicólogo Suizo Erich Fromm, que el amor es lo más cercano a un significado de la vida que jamás encontraremos. El romanticismo del amor bien podría ser solamente una decoración para que sigamos perpetuando la especie, pero nada de lo aquí dicho podría convencer a una persona enamorada, de que no hay algo más en juego, y la verdad es que ninguno de nosotros nos gustaría convencernos de tal cosa. El amor, seguirá siendo uno de los misterios de la ciencia.