Diego Ardon´s Blog

Rock n Roll Hall of Fame: Clase de 2012

2012-01-05T12:10:00.000-08:00

Estoy lejos de ser un fan del trabajo realizado por el salon de la fama del rock n roll, una organización Norteamericana que se encarga en hacer una galería de los artistas más importantes para este género musical, y para algunos que aunque no sean tan "rock n roll", han contribuido significativamente a la cultura popular. Claro que no se puede dejar contento a todo mundo con este tipo de selecciones, y yo al igual que muchos otros, no estaré contento hasta que artistas como Iron Maiden o The Smiths sean tomados en cuenta. Los artistas son eligibles para formar parte de este selecto grupo, una vez que hayan pasado 25 años de su disco debut. He aquí la lista completa de los artistas que han entrado en el salon de la fama. El año pasado, los miembros más sobresalientes fueron Alice Cooper, Neil Diamond y Tom Waits, he aquí los que made the cut este año. Lo único bueno del salon de la fama, es que me da de que hablar una vez cada año (2009, 2010).

Bueno, esta entrada me esta pareciendo un poco desordenada, pero sin más palabras de introducción, comenzaré a rant de cada artista:

1. Guns N Roses

Esta banda Californiana fue una de las más gratas aceptaciones de este año, pues la calidad de sus primeros trabajos en indudable. Fue alla en 1987, hace 25 años, que salió el debut de esta banda, Appetite for Destruction, uno de los discos debuts más vendidos y que contenía excelentes canciones que rápidamente posicionaron a la banda como los Rolling Stones de la época. Desafortunadamente, las diferencias entre los miembros de la banda, terminaron con una "separación" de la banda. Axl siguió utilizando el nombre de Gun N Roses, aunque por las filas de la banda, desfilaban incontables músicos. El resto del grupo tuvo una aventura como Velvet Revolver, banda ya fallecida. En 2008, Axl finalmente publicó Chinese Democracy, un álbum anunciado desde mucho antes, que se creía nunca vería la luz. Cabe decir que dicho disco fue una decepción. Sin embargo, se crean expectativas en saber si el line-up clásico de la banda podrá reunirse para tocar la noche de la inducción. Por ahora los dejo con una de sus mejores canciones, una canción que sé que hasta los no muy rockeros disfrutan:

Welcome to the Jungle

2. Red Hot Chili Peppers

La segunda banda californiana en llegar a la lista. Por muchos años los Chili Peppers fueron mi banda preferida, y aunque ya no creo que sean tan buenos, aún puedo cantar todo el disco de Californication. En los primeros años de la secundaria, esta era sin duda la banda de mi grupo de amigos. El año recién pasado, los Chili Peppers se presentaron en Costa Rica, lugar lejano de Tegucigalpa, pero que ya había viajado anteriormente a ver un par de conciertos (Iron Maiden y Festival Imperial en 2008). Nos mentalizamos a ir, a pesar de que pusiera en peligro nuestras responsabilidades academicas y economicas, pero después de un rato me di cuenta que no valía tanto la pena, y cuando me daban ganas nuevamente de ir, simplemente le daba play a su mediocre disco del año pasado I'm With You.

Under the Bridge

3. Beastie Boys

No, Eminem no fue el primer rapero blanco, mucho antes de The Slim Shady LP, los Beastie Boys, MCA, Mike D y Ad-Rock, llegaban al primer lugar con su disco debut License to Ill, el cual se convirtió en el primer disco de hip-hop en llegar a esa posición en las listas. Sin duda alguna que los Beastie Boys abrieron ese género a un público mucho más grande, con su mezcla de samples, rock y hip-hop. Luego, en los 90s, los Beastie Boys comenzaron a tocar sus instrumentos y crearon otro set de grandes discos. Finalmente, este pasado 2011, con The Hot Sauce Committee Part II, los Beastie Boys demostraron que pueden estar viejos, pero aún saben lo que hacen.

Sabotage

4. The Small Faces / The Faces

Es posible que The Faces sean más recordados por la mayoría, por haberle dado notoriedad tanto a Ron Wood como a Rod Stewart, sin embargo, cuando ellos dos entraron a la banda, procedente de The Jeff Beck group, The Small Faces ya habían vendido muchos discos durante los 60s y ayudado a construir el sonido del pop psicodelico. Ejemplo de esto es su canción de 1967, Itchycoo Park, cuya sinceridad y laid-back attitude siempre lográn sacarme una sonrisa:

Itchycoo Park

5. Donovan & Laura Nyro

Incluyo a Donovan y Laura Nyro en un solo paquete, pues ambos son los artistas que menos interes puede que generen en nuestra generación. Ambos, cantautores de le época del amor, los años 60s. Donovan fue la respuesta Britanica a Bob Dylan, aunque nunca tuvo la genialidad ni la consistencia de este. Laura Nyro por otro lado, tenía una gran voz y un toque para la composición, sin embargo, fueron numerosos otros artistas que consiguieron llegar a las listas con sus canciones.

Donovan - Season of the Witch

La Conexión Biológica: Especies nombradas en honor a la cultura popular

2011-12-12T15:20:00.001-08:00

"Cuando eres un taxónomo y te mencionan en Rolling Stone, sabes que has llegado" dijo Quentin Wheeler, director del Instituto Internacional para la Exploración de Nuevas Especies. Y últimamente, el nombrar especies en honor a algun elemento de la cultura popular, se ha vuelto más frecuente. Se catalogan alrededor de 15,000 nuevas especies cada año, asi que no debe de sorprender, que los científicos, a veces recurran a otros lugares como fuente de inspiración. Asi que aquí les traigo algunos casos interesantes de especies que han recibido su nombre cientifico, no en honor a quien la descubrio, sino al cantante favorito de este:

1. Spongiforma squarepantsii

Uno de los casos más sonados este año, fue el de una especie que recibió su nombre en honor a un personaje de caricaturas, el carismatico Bob Esponja (Sponge Bob Squarepants en inglés), y ya sea lo amen o lo odien, estoy seguro que la mayoría hemos visto ese programa. Lo curioso, es que en realidad Spongiforma squarepantsii no pertenece al phylum porifera, en realidad ni siquiera es parte del reino animal. Este especimen en realidad es uno de dos hongos del genero Spongiforma, encontrados en el sureeste asiatico.

2. Amaurotoma zappa, Phialella zappa, Pachygnatha zappa, Pachygnatha zappa, Zappa confluentus, , y Spygori zappania

Si algo queda claro, es que los taxónomos tienen cierta fijación con el genio de la música Frank Zappa, quien fusionase sonidos como el jazz, con un rock psicodelico y progresivo, pues son muchas las especies que han sido nombradas en honor a Zappa. El primero en hacer esto fue Leo Plas Jr., en 1967, quien nombró una especie extinta de molusco en honor al músico. Sin embargo, la historia más llamativa, es la que une a Zappa con el biologo americano Fernando Boero, quien llamó a una medusa recien descubierta Phialella zappai, con el simple proposito de conocer a Frank, objetivo que fácilmente logró:

El gran Zappa ademas cuenta con un género entero de peces gobios, una bacteria, otro fósil, y una araña cuyo bigote recordó a sus descubridores del cantante:

Y la pasión de los hombres de ciencia con el músico no termina ahí, pues los astronomos llegaron a bautizar un asteroide con el nombre 3834 Zappafrank
.
Frank Zappa - Peaches In Regalia

3. Orectochilus orbisonorum

Lo cierto es que hay infinidad de especies nombradas en honor a personas famosas, más de las que usteden se imaginarían, y están van desde George W. Bush, hasta Kate Winslet, pasando inclusive por Matt Groening, creador de los Simpson o Hugh Hefner, creador de, sé que ustedes saben. Sin embargo, me he limitado a escoger mis favoritas.

La siguiente especie fue catalogada en 2008, un escarabajo de la India nombrada en honor al gran Roy Orbison, solitario y misterioso cantante de grandes temas como Pretty Woman o Crying. Ah si, el entomologo Quentin Wheeler es también el responsable de nombrar escarabajos en honor a personajes tan diversos como George Bush, Dich Cheney, Donald Rumsfeld o Darth Vader. Bueno, tal vez no tan diversos.

Roy Orbison - Only the Lonely

4. Myrmekiaphila neilyoungi & Heteropoda davidbowie

Pues sí, debo aceptarlo, la mayoría de estas son especies en las que nos pararíamos sin siquiera darnos cuenta que de alguna forma insultamos la memoria de nuestro cantante favorito o heroe de la infancia. Sin embargo, aqui hay dos casos de los que difícilmente nos escaparíamos de no notar, pues al menos que se hable de Spiderman, casi todos estarían bien con la idea de que las arañas no existan. Sin embargo, aunque no lo crean, hay investigadores que han dedicado su vida exclusivamente al estudio de las arañas, lo cual no ha evitado que disfruten de la música de dos de los mejores artistas de la época moderna, como lo son Neil Young y David Bowie.

Este último ha sido, hasta donde me he enterado, uno de los últimos artistas en ser inmortalizados en los libros de taxonomía. Ya que se le dio su nombre a esta araña Malaya (de Malasia), primero, para ayudar a su conservación, segundo, por que uno de los mejores discos de Bowie lleva por nombre The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, y tercero, porque no se puede negar que exista un cierto parecido eh??

David Bowie - Life on Mars

Bueno, eso es todo, no los atareare con más taxonomía. Las probabilidades son de que en un par de meses yo mismo me encuentre sin querer decir una palabra más en latín, pues recién vengo adentrandome en todo este asunto. Es muy temprano todavia en mi carrera para decidir que voy a hacer de mi vida de trabajo, pero si alguna vez llego a descubrir una nueva especie de mapache, Steven Patrick Morrissey, ten por seguro que será llamado en tu honor.

Metallica y su trabajo más memorable y original en 20 años

2011-12-06T10:37:00.001-08:00

No me considero una persona mala. Hago lo posible por agradarle a los demás sin sacrificar ni un poco de quien soy en realidad, sin embargo, al igual que todos, ocasionalmente gusto de jugarle una bromita a alguno d mis amigos. Hace un par de días atras, un amigo me pidió le recomendará algo para oír. Ambos hemos crecido musicalmente casi paralelamente, pero a mi siempre me ha gustado estar "más al tanto". Es por eso que pasó pendiente de cada disco de interes que sale. Cualquiera como yo, pues sabrá que la que fue la mejor banda de Trash de los 80s (la mejor banda de trash en mi opinion), Metallica, publicó un trabajo este año, junto con la colaboración de la leyenda musical, Lou Reed. Puede que ustedes conozcan más a Metallica, pero Lou Reed tiene sus meritos propios. A su nombre se encuentran trabajos de lujo con The Velvet Underground, y un relativamente exitosa carrera como solista, que en los años 70s nos dió grandes discos como Berlin y Transformer. Sin embargo, todo aquel que ya haya escuchado Lulu, sabrá que hubiese sido mejor que Metallica hubiese dejado a Lou Reed en el museo.

Me imagino ya han de haber conectado hacia adonde iba mi broma, pero si no lo han hecho, dejenme terminar. Pues al igual que todo amante de la música, mi amigo también es fan del trabajo que hizo Metallica en los 80s y principios de los 90. Kill em' All, Ride the Lightning, Master of Puppets, ...And Justice for All, y el Black Album, un "run" de discos impecable, todos de calidad, y marcando una evolución en la banda, que pasaría de ser genios de trash progresivos, a maquinas comerciales en unos pocos años. En mi opinion, el Black Album es un gran disco, pero de ahí en adelante, la carrera de Metallica ha ido en picada. Si bien Load y Reload contenían algunas canciones memorables, como conjunto eran casi inescuchables. St. Anger de 2003 fue el muy esperado regreso de la banda tras varios años de ausencia, y en realidad ese disco es un asco, Metallica queriendo ser Linkin Park, Korn, o solo ellos sabrán que demonios. La batería suena como latas de basura y... Bueno, ocuparía un artículo entero para describir ese disco, asi que pasemos al 2008, cuando salio Death Magnetic, el disco que supuestamente traía al viejo Metallica de antaño, pero que terminò siendo otra burla, una pobre parodia, de la que repito, fue alguna vez la mejor banda en su gènero.

Lou Reed & Metallica - Iced Honey (lo más rescatable)

Así que cuando se anunció que preparaban para este año un disco con Lou Reed, pues no se sabía que podíamos esperar. Seguramente Metallica nos sorprenderìa con algo memorable y original, y debo decir que con Lulu lo han conseguido. Es seguro, no han oído nada como esto antes. Básicamente, este es un disco de Spoken Word de la poesía barata de Lou Reed, un viejo libinidoso que abuso de sustancias en su juventud, y que te hará pensar en tu abuelo en ácido. Seriamente, los versos con los que abre el disco literalmente son "me cortaría las piernas y las tetas por ver a Kinsky cantando en el lado oscuro de la luna". Seríamente, nada que empieze asì se puede disfrutar. Lo peor del caso es que este es un disco doble, y que cada canción ronda los 7 minutos, y Metallica es un chiste completo, utilizando un riff generico por canciòn y repitiendolo durante la duraciòn de la misma. Hetfield es otro chiste, cada vez que aparece a cantar algo, deseamos volver a oìr sobre las mutilaciones del tío Lou. Tanto así, que los mejores momentos del disco son dos canciones que contienen largas porciones de cuerdas.

Así que sí; este es el trabajo que más recordaremos de los últimos días de Metallica, pero que pena que lo que vayamos a recordar de esta banda en diez años, sea esto:

Pero bueno, para gustos los colores. Ahí les dejo el link bajo su propio riesgo. (Por si despues de oír Lulu necesitan recordar que estos fueron grandes artistas: Metallica Lou Reed

Lou Reed & Metallica - Lulu (2011)

DISCO

La Previa de Diciembre

2011-11-29T17:18:00.001-08:00

Bueno, como lo ven? Ya en un par de días se viene el último mes del año. El año pasado, ese mismo mes nos trajo lo que fue el trabajo discográfico favorito, no solo en mi opinión, sino que en la de la crítica en general. Por supuesto que me refiero a My Beautiful Dark Twisted Fantasy de Kanye West, un disco excelentemente producido que logró terminar como el favorito, de muchos que como yo, somos un poco ignorantes en cuanto a rap/hip-hop respecta. Asi que sí, aunque las revistas especializadas ya nos están atacando con sus listas de "lo mejor!" del año (Uncut, Q, Paste), yo le dedicaré este mes de diciembre a lo mejor de 2010, y mantendré las esperanzas vivas de que este mes aún traiga buenas cosas. Lastimosamente, investigando sobre los lanzamientos venideros, esto es lo poco que perfila interesante:

1. Amy Winehouse - Lionness

Pues sí, empezare por un disco que había cantado desde antes, Lioness, el primer trabajo póstumo de la ya fallecida Amy Winehouse. Es normal ahora, y me parece que siempre, que los vendedores de discos busquen hacer uso de la muerte de un artista para vendernos infinidad de material que nunca debió haber visto la luz. Artistas como 2Pac cuenta con más de 7 discos póstumos, y aunque no los he escuchado, no me estrañaría en lo absoluto que la mayor parte de ellos fuese de baja calidad. También se debe decir que han habido discos póstumos de calidad, In a Basement on a Hill de Elliott Smith se me viene a la cabeza (pueden chequear esta lista que hice hace un par de años), pero como dijo Mark Ronson, productor de Winehouse a cargo de este disco, "¿Que sentido tiene que ese material se quede guardado en una computadora?".

Amy Winehouse - Valerie

2. Black Keys - El Camino

Es bastante obvio que Black Keys no se esperaban recibir el Premio MTV por "Breakthrouh Video" el año pasado con su Tighten Up. Es bastante obvio también que los tipos que hacen los trofeos para la cadena de "música" son una bola de ignorantes, ya que decidieron hacer una correción a la selección del jurado, cambiando el nombre de la banda, por el de una banda que está un poco más acostumbrada a recibir este tipo de premios. Black Keys recibió adicionalmente, un Grammy por su disco del año pasado titulado Brothers. El Camino, el follow-up a Brothers ha venido acompañado con una original campaña publicitaria, que entre otras cosas, incluye la creación de esta página de internet.

Black Keys - Tighten Up

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3. The Roots -Undun

Bueno, ¿a quien quiero engañar? Lo cierto es que todos los artistas de quienes eseperaba cosas nuevas para este año, ya han sacado sus trabajos discograficos, y lo cierto es que para diciembre no me queda màs que repasar los 11 meses anteriores, o rifarmelas por escuchar algo nuevo. En los años 90 no era raro ser parte de una banda de hip-hop, sin embargo, con los años, este género se ha individualizado al extremo de ser egocentrismo puro. Adios a las bandas pioneras de este género; difìcilmente encontraremos un A Tribe Called Quest, Public Enemy o N.W.A. Probablemente la única banda popular de hip-hop que aún existe sea The Roots, que a base de buenos trabajos han conseguido una buena fanaticada.

The Roots - The Seed 2.0

4. Common - The Dreamer/The Believer

Así que dos de mis cuatro apuestas para este mes son artistas de hip-hop. Supongo que eso es producto de que sigo esperando el My Beautiful Dark Twisted Fantasy de 2011. Es probable que sería más adecuado buscar por el lado de Drake (The Throne fue un buen disco, pero ni le toca los tobillos a MBDTF). El otro día vi a Common en un programa de CNN, ayudando a la gente en Haití. Supongo que eso lo hace un rapero bastante maduro. Eso y el hecho que tiene casi 40 años.

Common - I Used to Love H.E.R.

El amor por la vida de Björk

2011-11-27T15:35:00.001-08:00

Fácilmente podría resumir el último disco de Björk, Biophilia, en dos adjetivos: aburrido y pretencioso. Podría simplemente dejarlo ahí, pues sinceramente eso es lo que se me viene a la cabeza cuando escucho Biophilia. Sin embargo, me sentiría mal de dejar una reseña de ese tamaño. Para la mayoría de personas que le han asignado reseñar Biophilia, probablemente se limiten, bueno, a oír Biophilia, pero yo, sabiendome ignorante de la discografía de esta artista islandesa, a parte de su genial Homogenic del 96, decidí ponerme a escuchar las obras más importantes de sus 20 años de carrera.

Björk - Crystalline

Fue así como por fin llegue a escuchar discos como Debut, Post, Homogenic y Vespertine, y tras haber oído de lo que es capaz, no me queda duda que es una de las artistas más geniales de las décadas recientes. Su trabajo ha sido ecléctico desde el principio, es por eso que a diferencia de artistas como Christina Aguilera, nadie se ha atrevido a señalar a Björk como una copiona de Lady Gaga. Su sonido ha ido evolucionando con los años, sonido que llegó a su culminación con Homogenic y Vespertine, sus dos mejores discos, ambos densos, pero armoniosos en todos los detalles que incorporaban. Tampoco debemos olvidar que gran parte del "sonido" de Björk recae en el gran alcance de su potente voz. Sin embargo, parece que en los últimos años, Björk ha dejado de lado un poco la calidad de composición, por irse por el camino de la experimentación. Tal fue el caso de su disco post-Vespertine, Medulla de 2004, un disco a capella, un reto que ningún otro artista "grande" en la industria se atrevería a intentar.

Luego vino Volta de 2007, pero ese disco en realidad no lo he oído, así que pasaré a lo que más nos interesa. Biophilia estuvo llenando titulares de blogs, no solo de música, sino también de electrónica, por su uso innovador de el iPad, ya que cada una de las 10 canciones del álbum cuenta con su propia aplicación para el aparato de Apple. Y bueno, no tengo queja al respecto. Eso esta bien, si alguien iba a hacerlo, quien mejor que Björk (Radiohead tal vez)?? Mi única queja es que esto hubiese sido unas 20 veces mejor, si se hubiera hecho alla por 1997 (solo imaginense la aplicación que complementará el video de All Is Full of Love). Lo que sucede con Biophilia, es que las canciones terminan no estando a la altura del concepto, con las pocas excepciones siendo los "clangs" metálicos en Crystalline y las voces corales en Cosmogony. Por lo demás, la mayor parte del disco caerá en el olvido, dejando nuestras mentes entre aburridas y "meh! hemos oído cosas mucho mejor de ella".

Björk - Cosmogony

Biophilia tenía el potencial de destronar el Let England Shake de PJ Harvey como el disco favorito de "todos" para este año, si tan solo las canciones hubieran estado a la altura del concepto. Al contrario, Biophilia termina sonando más, como el último deseo de Steve Jobs.

Björk - Biophilia (2011)

http://newalbumreleases.net/39900/bjork-biophilia-2011/

Rapid Ear Movement: Repasando la discografía de R.E.M. (2da Parte)

2011-11-25T08:56:00.001-08:00

Bueno, estas últimas semanas han sido pesadas, pues me encuentro a punto determinar mis clases, pronto tendre poco menos de 2 meses para postear cosas másconstantemente, por los momentos tendrán simplemente que conformarse con un parde artículos para este mes de noviembre. Y pues ahora me tocará terminar con lasegunda parte de nuestro viaje a traves de la carrera de R.E.M. Quedense, aúnquedan gratas sorpresas:

Losing My Religion (Out ofTime) 1991

Esa canción, y el video que la acompaño puede que les hayan traído tantafama y ganancia que la que habían conseguido los 10 años anteriores. Lacanción, como Stipe ha reiterado, no es sobre religion, es simplemente unafrase sureña que expresa descontento, "perder la cabeza". El video,inspirado por el cuento de García Marquez, "Un viejo con alas muygrandes", ganó alta rotación en MTV y les valió un premio MTV por videodel año. El disco Out of Time, sin embargo, es uno de los más lentos y meatrevo a decir aburridos de la banda, aunque vale la pena ser escuchado porcanciones como esta, Near Wild Heaven, Radio Song y Shiny Happy People.

Everybody Hurts (Automaticfor the People) 1992

No hay duda alguna para mí, de que Automatic for the People es la cumbre de la carrera de R.E.M. . Un disco donde se acumulan sentimientos de nostalgia, alegría, melancolía profunda, esperanza, y quien sabe que más mira cada quien. Lo cierto es que todo esto se narra a traves de 12 canciones de excelente calidad. Si bien es cierto que el sonido ahora era más comercial y menos lo-fi, R.E.M no sacrificó ni un gramo de su calidad al hacer esto, sino echenle una oída a Everybody Hurts, que a pesar de haber sido usada en infinidad de escenas de break-up, sigue sonando bien.

What's the Frequency, Kenneth? (Monster) 1994

Para su siguiente disco, Monster, y tras vender millones de copias de sus últimos dos trabajos, R.E.M. quizo hacer un disco más rockero. La gira de promoción de este disco marcaría el primer tour de la banda desde 1989, ya que el material tanto de Out of Time, como de Automatic resultaba muy difícil de tocar en vivo. Sin duda que esta es otra faceta más de la banda, aunque me atrevo a decir, no una de sus mejores.

Electrolite (New Adventures in Hi-Fi) 1996

New Adventures sería el último disco que R.E.M. grabaría como cuarteto, pues el baterista Bill Berry dejaría la banda luego de este disco. La separación fue amigable, con Berry insistiendo que si su partida acabaría con la banda, entonces él estaría dispuesto a continuar un par de años más. La banda aceptó el reto de trabajar como un trío, y así permanecerían la década venidera. New Adventures es otro éxito en la carrera de la banda, pues con el solo hecho de contar con canciones como E-Bow the Letter o Electrolite, una de mis favoritas de la banda, la cuál todos a excepción de Stipe pensaban que era genial, hasta que Thom Yorke de Radiohead, quien en aquel entonces teloneaba a R.E.M. les dijo que esa era la mejor canción que jamás habían hecho.

Daysleeper (Up) 1998

Up fue el primer disco de R.E.M. como trío, y a mi parecer es uno de los más underrated de la banda. Es probablemente mi disco favorito post-Automatic. Dada la ausencia de un baterista, la banda se vió involucrada en experimentar con sonidos más electronicos, para suplir el lugar de Berry. R.E.M. vendio poco más de medio millón de copias, lo cual es bastante pobre al lado de las 17 millones de copias vendidas por Out of Time, pero R.E.M. nunca lo hizo por el dinero. Daysleeper es una genial canción, un himno para todos aquellos que les toca trabajar el turno de la noche.

Imitation of Life (Reveal) 2001

Supongo que Reveal ya empieza lo que se podría llamar la decadencia de la banda, o dicho de una mejor forma, su consolidación como leyendas, pero que ya no aportaban mucho para el mundo de la música, R.E.M. era una banda ochentera que sobrevivió con creces los 90s, pero que ya no tenía gasolina para intentar seguir al frente una década más, así que decidió quedarse en una zona de comfort. Reveal es un gran disco, la banda considera que es el más "overlooked" de su catalogo. Para el "lead single", Imitation of Life, R.E.M. sacó un video excepcional, y además, cabe decir que esta es la primera canción que recuerdo haber oído de la banda, allá, hace 10 años cuando Reveal vió la luz.

Supernatural Superserious (Accelerate) 2008

Ooops! Me olvide de Around the Sun (su disco de 2004), y lo cierto es que todos lo deberíamos de hacer, ya que es un disco que la misma banda ha pedido perdón por él, pues fue más que todo por cumplir con el contrato discográfico. Aparentemente la banda dejó ese disco a medias, por ir a "tourear" un disco compilatorio de sus grandes éxitos, y que al regresar les tocó entregar un trabajo insatisfactorio. Si la banda quiso rectificar ese error con su disco de 2008, Accelerate, lamento decir que realmente no lo lograron. A pesar de que Accelerate, como su nombre indica, trato de subirle velocidad a las canciones lentas que habìan caracterizado los últimos discos de la banda, lo cierto es que solo incluye un par de canciones memorables y el resto es bastante olvidable.

Every Day Is Yours to Win (Collapse Into Now) 2011

Rumores de una separación ya cuajaban desde el 2008, sin embargo, la banda buscó terminar su carrera con broche de oro, y ahora sí que lo lográn conseguir con Collapse Into Now. Este disco salió este año e incluye una serie de canciones bastante fuertes, y que han crecido en mí, una vez que me doy cuenta que este ha sido el último disco de la banda. Y a diferencia de otras bandas, con R.E.M. se sabe que este break-up es definitivo. Genial! Otra de mis bandas favoritas que nunca pude ver en vivo . ..

Bueno, si les ha gustado lo que han escuchado acá, no puedo más que motivarlos a que descubran más de esta genial banda. Podría ser que todo lo que necesiten se encuentre en su último disco compilatorio, sacado hace un par de semanas, Part Lies, Part Hear, Part Truth, Part Garbage 1982-2011, pero dejenme decirles, que a pesar que ese es un genial set de canciones (el primero en incluir ambas etapas de la banda, tanto I.R.S. como Warner Bros.), el que no decida escuchar toda la discografía de estos tipos se estará perdiendo de mucho.

Rapid Ear Movement. Repasando la discografía de R.E.M. (1ra Parte)

2011-11-14T08:27:00.001-08:00

Como puede que se hayan enterado, el pasado mes de septiembre, la banda Norteamericana R.E.M. anunció su separación, tras más de 30 años de carrera y 15 discos de estudio. Tal anuncio parecía cantado desde la década pasada, sin embargo, durante esos 10 años, seguimos disfrutando de los nuevos trabajos de la banda Georgiana, que estaban lejos de ser de los mejores, pero que no recordaban lo buena e importante que fue esta banda. Su separación, me motivo a dedicarle todo el mes de octubre a redescubrir su discografía completa, y tras haber procesado un poco los circuitos, me veo en la necesidad de compartir con ustedes algunas de mis canciones favoritas de estos "chicos", en orden cronológico:

R.E.M. - Gardening at Night (Chronic Town EP) 1982

Es bastante famosa la historia de como Michael Stipe conoció a Peter Buck, las dos mentes principales detrás de R.E.M. Fue en el año de 1980, en un pueblo de Georgia llamado Athens, que ya contaba entre sus luminarias a la banda The B52's. Buck trabajaba en una tienda de discos, cuando se dio cuenta que uno de sus clientes le apasionaba la misma música que a él. Juntos pensaron en empezar una banda, a la que luego se uniría Mike Mills y Bill Berry. Su primer lanzamiento fue el EP Chronic Town, que aún hoy suena genial, y que con apenas 5 canciones, es uno de los lanzamientos preferidos de los fans de la banda.

R.E.M. - Radio Free Europe (Murmur) 1983

No tardo mucho para que Athens tuviera un nuevo set de heroes en la banda R.E.M. El video presentado acá, marcó lo que fue la primera aparición televisiva de la banda en el show de David Letterman. Ese año, la revista Rolling Stone lo nombró el álbum del año, sin embargo Murmur vendio apenas unas 200,000 copias. El título del disco es claramente una referencia al particular estilo de cantar de Michael Stipe. La ininteligible vocalización y la guitarra arpeggiada de Peter Buck serían los elementos más representativos del sonido de la banda. Murmur es sin duda uno de los mejores discos de la banda, el favorito de muchos de sus fans, y uno que de veras vale la pena que escuchen.

R.E.M. - So. Central Rain (I'm Sorry) (Reckoning) 1984

Una de mis canciones favorita de R.E.M.. Ésta venía incluida en el disco sophomore de la banda, Reckoning, un álbum que siguió consolidando a la banda en el mundo de la música alternativa, y principalmente a traves de las estaciones de música colegiales. Es curioso notar como la banda jugaba con los títulos de su canciones, como son los casos más notables esta y el "Wolves, Lower" del Chronic Town. También cabe hacer saber, que cuanto se grabó Reckoning, la banda se rehusaba a usar playback para la grabación de sus videos musicales, cosa que años después desistirían, pero en este video se puede notar como todo esta en vivo.

R.E.M. - Driver 8 (Fables of the Reconstruction) 1985

Para 1985, R.E.M. estaba sacando su tercer disco en 3 años, y aún seguían sin hacer uno malo. Fables es un poco pesado, y es probablemente el disco más difícil de escuchar de la primera etapa de la banda, pero incluye canciones para el deleite de cualquiera, como es el caso de Driver 8, una canción sobre trenes. ¿A quien no le gusta eso?

R.E.M. - Fall on Me (Lifes Rich Pageant) 1986

Con Lifes Rich Pageant, R.E.M. empezó a abordar temas más ambientalistas y políticos, ejemplo de esto es la canción Fall on Me, otras de mis favoritas personales de la banda. Además, en canciones como These Days, se oía a la banda subir un poco el volumen, al mismo tiempo que Stipe dejaba atrás su ininteligible forma de cantar. Lifes también marcaría el debut de R.E.M. en las listas de popularidad, en cuanto a sencillos se refiere.

R.E.M. - The One I Love (Document) 1987

Si el destino me pusiera a escoger una sola canción de R.E.M., entonces esta probablemente sería The One I Love, canción que también significó el "major breakthrough" de la banda (odio como no se puede usar ese tipo de frases en español...). Con esta canción, que muchos confundieron como una canción de amor, cuando el narrador no hace más que aceptar que esa otra persona es nada más "una simple cosa para ocupar mi tiempo", fue que la banda llego al número 9 en los Estados Unidos, al 14 en Canadá y al 16 en el Reino Unido. Oh si, este disco también contiene It's the End of the World As We Know It.

R.E.M. - Orange Crush (Green) 1988

Sip, sexto álbum en 6 años. No hay duda de que la década de los 80s fue altamente productiva para la banda. Green significó un cambio de disquera para la banda, dejando atrás la humilde I.R.S. Records, para firmar con una de las grandes, Warner Bros. R.E.M. ya había hecho hasta cosas de más por esa disquera, y es completamente comprensible que decidieran apuntar más alto. El tiempo les diría que actuaron de forma correcta.

En la próxima entrada, veremos como fue que la que una vez fue "la mejor banda que no conoces", pasó a ser una maquina vendedora de millones de discos. Además, veremos como uno de los miembros de la banda decidí partir, y el desenlace de esta historia.

Grandes artistas que nos dejaron este pasado año

2011-11-04T19:36:00.000-07:00

Pues ya el año pasado, dediqué la fecha del 2 de noviembre, Día de muertos, para recordar a todos aquellos artistas que nos dejaron en el 2010. Así que este año continuaré la tradición (aunque con algunos días de atraso), para que juntos recordemos las más grandes leyendas que nos han dejado. Cabe destacar que si bien Captain Beefheart murió en 2010, su fallecimiento ocurrió hasta diciembre, así que no lo incluí en la lista del año pasado, y un artista de esa talla merece ser recordado (o conocido por aquellos que no les es familiar). Si bien es cierto que Amy Winehouse puede no estar a la altura de otros en la lista, he decidido incluirla aunque puede que a algunos no les guste:

1. Captain Beefheart ( 15 de enero de 1941 - 17 de diciembre de 2010)

El año 2010 fue un año que me dejo satisfecho, dejandonos la genialidad inesperada de My Beautiful Dark Twisted Fantasy, cortesía de Kanye West, y otros discos de altura como el de The Tallest Man on Earth, Four Tet o el mismo Suburbs de Arcade Fire. Sin embargo, ese año también se llevó de encuentro grandes figuras, que aunque ya habían pasado su era de lujo (exceptuando tal vez a Jay Reatard y Mark Linkous AKA Sparklehorse), aún así sus fallecimientos fueron sentidos por quienes hemos disfrutado de su música. En esa lista encontramos nombres como el de Alex Chilton, líder de Big Star, una de mis bandas favoritas, y por supuesto el gran Ronnie James Dio de bandas como Rainbow y Black Sabbath. Ya en el ocaso del año pasado, el mundo musical sufrió otra baja, cuando el 17 de noviembre se dio a conocer que Don Van Vliet, mejor conocido como Captain Beefheart, había perdido la batalla contra la esclerosis multiple, semanas antes de su cumpleaños número 70.

Puede que muchos no conozcan el trabajo de Beefheart, y puede que otros pocos, como yo, siempre hallamos mantenido cierta distancia a su música, debido a que esta exije bastante del público. Beefheart grabó principalmente en los 60s, y no le pudo haber valido menos todo lo que se decía debía ser la música en aquel entonces. Su disco debut, Safe as Milk, es un disco de blues que apenas da una pizca de lo que se venía, Troutmask Replica, un disco doble publicado en 1969 que rompió todos los precedentes en cuanto a locura grabada se refiere, que me atrevo a decir, aún no hay nada que se le pueda comparar. Troutmask es un álbum dificilísimo de oír, pero que fácilmente notarán lo importante que ha sido para la música.

Captain Beefheart and his Magic Band - Frownland

Una de las anecdotas que más me gusta de este artista, es que era Beefheart nunca logró aprender a tocar instrumento alguno, así que tarareaba o silbaba sus ideas a los músicos de su banda.

2. Poly Styrene (3 de julio de 1957 - 27 de abril de 2011)

Otra pionera en la música. Marianne Joan Elliott-Said, mejor conocida como Poly Styrene fue una de esas mujeres que se dedicó de lleno a la música punk cuando pocas se atrevían. Además, con su grupo X-Ray Spex, Styrene logró algo que aún hoy suena curioso, acoplar un saxofón a la cruda música punk.

X-Ray Spex - Oh Bondage! Up Yours!

Que garra de mujer. Marianne murió en abril de este año, después de que un cancer de seno se le trasladará a otras regiones. Para las fechas de su fallecimiento, todo el mundo se encontraba más interesado por la boda real de Kate y William, lo cuál llevo al controversial músico e ídolo personal Morrissey, a exclamar en contra de la prioridad en las noticias que reportaban los medios de comunicación.

3. Gil Scott-Heron (1 de abril de 1949 - 27 de mayo de 2011)

Aquí si admito estarme metiendo un poco en territorio desconocido, pues aunque he oído mencionar el nombre de este artista, lo cierto es que antes de su muerte no había su música detenidamente, y aún hoy, confieso no haberle escuchado un disco completo. Sin embargo, estoy consciente de la importancia de este músico de soul y poeta, quien se dedicaba a cantar hip-hop cuando ese termino aún no existía. Scott-Heron también fue parte importante del movimiento de derechos civiles que se desarrollo en la década de los 60s y 70s.

Gil Scott-Heron - The Revolution Will Not Be Televised

En 2008, Scott-Heron reveló que llevaba años de ser VIH positivo, lo cual le había causado complicaciones por pulmonía anteriormente. Finalmente este año, tras volver de un viaje por Europa, Gil cayó enfermo y esta vez no se recuperó. El año anterior, Gil había regresado a la música, publicando I'm New In Here, su primer disco en 16 años.

4. Clarence Clemons (11 de enero de 1942 - 18 de junio de 2011)

Clarence Clemons, The Big Man (el gran hombre), era actor y músico por su propia cuenta, pero no hay duda que será mayormente recordado por haber tocado el saxofón con The E Street Band, la banda de Bruce Springsteen, desde 1972 hasta el día de su muerte, haciendo junto al jefe una discografía llena de excelentes álbumes, entre ellos, uno de mis discos favoritos, Born to Run, donde el mismo Clarence aparece en la icónica portada, en la que The Boss sale apoyandosé en su espalda.

Bruce Springsteen & The E Street Band - Born to Run

5. Amy Winehouse (14 de septiembre de 1983 - 23 de julio de 2011)

Supongo que algunos encontraran que Amy no tiene cabida entre los grandes que aquí aparecen, pero yo creo lo contrario. A mi parecer, en su corta carrera, Amy demostró que tenía lo necesario para sobresalir en un mercado repleto de cantantes prefabricadas. Amy salió como un chorro de agua fresca, y le abrió el espacio a artistas como Duffy y Adele. Lastimosamente, la vida privada de Amy pronto tomó protagonismo sobre su vida musical, y Back to Black de 2006 fue el último trabajo que publicó en vida.

Amy Winehouse - Back to Black

Para los que no estén muy al tanto de las noticias, recientemente se ha revelado la causa de muerte de Winehouse, que como no es de sorprenderse, se debió a un uso abusivo de alcohol. Amy tenía sus problemas, problemas que son complicados para cualquier ser humano, y que se complican exponencialmente cuando se vive en la infame "limelight". Este 5 de diciembre se publicara un disco con trabajos inéditos de la artista, bajo el nombre de Lioness: Hidden Treasures, el cual los fans esperan valga la pena y no sea nada más mercadeo.

6. Bert Jansch (3 de noviembre de 1943 - 5 de octubre de 2011)

Pues ya para terminar el artículo de hoy, nos quedaremos en el Reino Unido, más precisamente Escocia, de donde era uno de los artistas más importantes de la música folk de los años 60 y 70. Nuevamente me declaro ignorante mayormente de la música de Bert Jansch, sin embargo, fácilmente me declaro fan de los artistas que Jansch influenció, como Johnny Marr, Elton John, Bernard Butler, Nick Drake y Neil Young entre otros. Me parecerá falso llenarme la boca de palabras, hablando de un artista de quien solo conozco la superficie, así que dejaré que él hable por mí.

Bert Jansch - Needle of Death

Pues sí, es inegable que la vida es sueño. Que esta pasa volando, y que como dice una frase en latín "memento mori", "recuerda que morirás". Así es, la muerte no es más que el siguiente paso a la vida, y que nos espera a cada uno, algún día tendremos que decirle adiós a todos aquellos músicos que nos han brindado alegrías. Sus cuerpos perecerán, pero su legado musical estará vivo, mientras exista el ser humano. Además, con la muerte de cada artista, su legado es presentado a toda una nueva generación. Cuando se trata de la muerte, no todo es malo.

Viaje por la música Iberoamericana: Luis Alberto Spinetta - Spinettalandia y sus amigos

2011-10-28T20:27:00.000-07:00

Diez discos ya bien oídos y reseñados en mi bolsa. El balance ha sido altamente positivo, siendo los peores momentos poco memorables nada más (Tiempos difíciles), pero nada malo hasta ahora. Este, el disco número 11, o más bien, el disco número 240, que nos trae por tercera vez a Luis Alberto Spinetta, y tras oírlo cuidadosamente, no puedo más que preguntarme, "y es que este tipo es incapaz de realizar un mal álbum?".

Spinettalandia y sus amigos, fue originalmente conocido como Almendra (nombre del grupo original de Spinetta), dado que aunque la banda ya se había desintegrado, la disquera exigía un disco más con ese nombre estampado en la carátula. Este es en realidad el primer disco como solista de Spinetta, artista que cada vez más me prueba que es uno de los más multifaceticos y productivos de todos los tiempos, en todos los idiomas. Además, a juzgar por lo poco que he oído de su amplia discografía, este tío si que tiene mucho cuidado de que cada canción pase un riguroso control de calidad, cuidando de presentarle a sus fans, nada más que lo mejor. Ojalá y todos los artistas fuesen así.

Luis Alberto Spinetta - Vamos al bosque

Spinettalandia y sus amigos nos guía desde ya, en el camino que seguirían los proyectos de Spinetta durante la década del 70. Un sonido psicodélico-progresivo completamente maduro, cuando bandas como Pink Floyd todavía caminaban en pañales. Si no solo juzguen por la canción Estrella, una fiesta musical y espiritual en medio de la selva Amazónica; una fiesta sónica. Los discos de Spinetta tienen muchos puntos fuertes, pero para mí, sus interpretaciones instrumentales se llevan el show. El disco fluye con tanta naturalidad y sin cansar ni ser repetitivo. Me atrevo a decir que no solo este disco de Spinetta fluye con tanta naturalidad, sino que toda su carrera lo hace de la misma forma.

Luis Alberto Spinetta - Spinettalandia y sus amigos (1971)

La previa de noviembre

2011-10-24T20:25:00.000-07:00

El mes aún no ha terminado, aunque el año ya casi, pero lo cierto es que me he encontrado un poco falto de tiempo para traer ideas originales y trabajadas este mes, así que me voy por las propuestas que espero se vayan haciendo tradición. Así que sin más habladurías, he aquí los 6 discos a tomar en cuenta durante este mes de noviembre:

1. Metallica & Lou Reed - LuLu

Si Metallica no ha hecho nada bueno en 20 años, el señor Lou Reed no lo ha hecho desde Berlin en el 73, y de eso ya casi 40 años. Además, aunque es seguro que la música de Metallica debió ser influenciada por Reed y The Velvet Underground, lo cierto es que no tienen nada de parecido, y desde el principio, la combinación de estos dos artistas sonó como la combinación más aleatoria en la historia de la música, casi como si pusieramos a Kanye West a hacer un disco con Beethoven. Pero, ¿me van a decir que no oírian ese disco? Es por eso mismo que vale la pena echarle una oídita a Lulu, más por la novedad de la colaboración, que por la música, que les preveo; apesta. Guardenle memoria a su computadora y escuchenlo por la página oficial.

2. Florence + the Machine - Ceremonials

En 2009, Florence + the Machine levantó polvo con su debut Lungs. Un disco con una propuesta fresca que agrado al mercado, convirtiendo de Florence Welch una superestrella. Este año regresa con su segundo trabajo que lleva el nombre de Ceremonials, y que se espera le siga trayendo ganancias. Lungs aburría después de un rato, habrá que ver si se lográ mejorar en el segundo intento.

3. Megadeth - TH1RT3EN

Pues he aquí la segunda aparición de una de las 4 bandas conocidas como "los cuatro grandes del Trash Metal". Probablemente también, Megadeth ha sido la banda que más ha logrado mantener la continuidad y la calidad de sus productos. Para Thirteen, el disco número 13 (¿tenía que decirlo?), la banda recupera a Dave Ellefson, bajista y miembro fundador de la banda, quien no aparecía en un disco de esta desde The World Needs a Hero de 2001.

4. David Lynch - Crazy Clown Time

Para la mayoría de nosotros, David Lynch es nada más la mente enferma detrás de las películas que han pasado a formar parte de nuestras pesadillas. No contento con solo eso, este 2011 marca el año en el que Lynch, quien siempre ha compuesto música, lanze su primer disco de estudio. Crazy Clown Time es algo muy diferente al ambiente oscuro y pesado en el que deben de pensar, al relacionar a este tipo con películas como Blue Velvet o Mulholland Drive. Esto es algo diferente, pero igual de bizarro.

5. Los Campesinos! - Hello Sadness

Este ya es el cuarto disco de el conjunto Galés en a penas 4 años. A ese ritmo tendremos un disco de Los Campesinos! por año. Aunque ninguno de sus trabajos anteriores haya terminado de cuajar en mí, les sigo dando una oportunidad porque confió en que Gareth Campesinos! y compañía son capaces de mucho más que Romance Is Boring.

6. Kate Bush - 50 Words for Snow

Finalmente, termino con la previa de noviembre con el segundo disco de Kate Bush este año. Màs temprano, la artista Británica, sacó Director's Cut, una reestructuración y reedición de varias canciones que se encontraban guardadas desde finales de los 80. 50 Words for Snow es el primer trabajo con material completamente nuevo para la artista desde Aerials de 2005.

The Weeknd: Otro tipo de R&B para el fin de semana

2011-10-21T17:22:00.000-07:00

Bueno, no hay que descuidar el público. Y es por eso que el día de hoy les voy a hablar sobre uno de los artistas sensación de este 2011, del cual seguramente no han oído. Creo que para comenzar, lo más apropiado sería remontarse a 2006, cuando un artista bajo el nombre de Burial publicó el álbum Untrue, el manual del subgénero de música electrónica llamado dubstep. Un sonido minimalista, que es una fusión del sonido dub, con beats minimalistas y espacio ampliamente ambientados. En los circulos de música independiente, el dubstep se volvió una sensación, pero la naturaleza del género le prevenìa de ser del gusto de las masas. Por este motivo, se empezó a experimentar en formas de hacer el género más digerible. Es ahí cuando entra en escena James Blake, un chico londinense, con nombre de tenista, quien publicó varios EPs que levantaron polvo en 2010, y que culminaron con su disco debut este año, el eponimo James Blake. Blake vino a agregarle una voz llena de soul, a la música dubstep, caracterizada por ser principalmente instrumental.

James Blake - The Wilhelm Scream

Pero donde Blake había respetado hasta cierto punto los parametros del género, manteniendo su aporte vocal bastante minimalista, tuvo que llegar otra persona para añadirle al dubstep, lo llamativo del R&B contemporaneo de artistas como Usher o Drake. ¿Pero si Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd, volvió el dubstep tan comercial, entonces porque no han oído nada sobre él? Resulta que The Weeknd sacó su primer disco, House of Balloons, temprano este año, y sin la ayuda de una disquera. La portada del disco mostraba un cuerpo femenino desnudo, parcialmente cubierto por globos de helio, y las letras de las canciones hablaban de noches de fin de semanas, llenas de drogas y de arrepentimientos mañaneros. No el tipo de cosas que fácilmente transmitirían en MTV. Además, Abel Tesfaye fue cuidadoso de dejar su verdadera identidad fuera del conocimiento del público.

Fue gracias a la ayuda del cantante Drake, quien lo promocionó mediante su cuenta de Twitter, que The Weeknd comenzó a ganar notoriedad, llegando a recibir la etiqueta de "mejor música nueva", por parte de la página Pitchfork. House of Balloons es en realidad un disco sexy, un disco en el que la voz suave y melodiosa de Tesfaye se mezcla con los fondos instrumentales. Es evidente que una de las mejores cualidades del disco es su sensacional calidad de producción.

The Weeknd - High for This

House of Balloons es en realidad, apenas el comienzo de una trilogía de discos que sacará Tesfaye este año. La segunda parte, Thursday, también ya ha sido publicada, y aunque básicamente sigue la misma idea del primer disco, ya se siente un poco cansón y repetitivo, incluso molesto por veces. Tesfaye tendrá que trabajar bastante para que su tercer lanzamiento, Echoes of Silence, siga acaparando la atención de la forma correcta, y que The Weeknd no vaya a terminar como el "novelty artist" del año, y como algo que pudo ser.

Los discos de The Weeknd pueden ser descargados legal y gratuitamente de la página del artista, así que solamente les facilitaré la dirección: http://the-weeknd.com/#h

Música de fondo: Para volar?!

2011-10-10T19:10:00.000-07:00

Bueno, como muchos saben, la página que probablemente visito con más frecuencia, y que suelo llamar mi "página de cabecera", es rateyourmusic.com . Desde 2007 utilizo esta página como mi fuente primaria de información y recomendaciones musicales. Sin esa página no sería quien soy hoy. Lo bonito de dicho sitio es que permite al usuario calificar y compartir sus impresiones sobre discos musicales. Una de las características de la página es que mantiene en constante rotación en su portada, reseñas escogidas de sus usuarios. Pasé tres años deseando que me reconocieran, y me pusieran en la portada, y no fue hasta 2010, que mi reseña de The Wild Hunt de The Tallest Man on Earth llegara a la portada. Fui incluido dos veces en ese año, y en lo que va del 2011, he sido incluido en tres ocasiones, haciendo un total de 5. Es poco comparado con otros usuarios, pero cada vez que veo una notificación que me han incluido en la portada, eso garantiza una sonrisa en mi cara durante todo el día.

Zoé - Sombras

Pues hoy trataré de hacer una especie de traducción de la última reseña que me fue reconocida y puesta en la portada. Esta corresponde al disco Unplugged de Zoé, publicado este mismo año:

Supongo que los álbumes Unplugged poco a poco se han convertido en una tendencia en agonía.Cuando en los años 90 parecía una buena alternativa a los típicos discos en vivo, un espectáculo más íntimo con el artista, hoy en día es igual a "no mucho".Parece que la mayoría de los artistas que vale la pena que hagan un Unplugged o ya lo han hecho o ya han declinado la invitación. Esto podría explicar el por qué los últimos álbumes Unplugged en inglés fueron hechos por artistas como Korn o Katy Perry. Los Unplugged de artistas latinos nos fueron aún más importante que sus homólogos en Inglés, pues nos hacían sentir especiales, y nos hacían saber que MTV era consciente de la región como mercado. Es por eso que MTV Unplugged grabó discos de algunos de los artistas más grandes de la lengua, Los Tres, Café Tacvba, Charly García y en especial, Soda Stereo.

El último que tuvimos, fue el de Julieta Venegas en 2008, un buen esfuerzo, pero lejos de los cuatro grandes álbumes antes mencionados. Tres años después de esa grabación, MTV una vez más nos sorprendió con dos nuevos discos Unplugged. El primero de ellos, me atrevo a decir, fue una aventura muy, muy grande. El Unplugged de Los Tigres del Norte, una banda de música Norteña que nunca ha recibido rotación en dicho canal. La segunda, fue una elección muy obvia y predecible, Zoé.

Zoé han ido creciendo como artistas últimamente, y su aceptación comercial ha ido creciendo también, además, su música es lenta y chill la mayoría del tiempo, lo que hizo los hizo una opción perfecta para estos espectáculos pseudo-acústico. De hecho, he visto a Zoé en vivo, en 2008, cuando todo el mundo conocía apenas un par de canciones de ellos. En realidad son bastante buenos, me gustan, aunque sus letras con frecuencia se sienten poco naturales y forzadas por la adición de palabras y frases como anémona, membrana, lágrimas de láser, rimel de miel o revólver sexual, por nombrar algunos, sólo por el hecho de sonar interesantes.

Zoé (feat. Bunbury) - Nada

Los muchachos tienen su talento, y es fácil equivocarse, cuando rompe el coro en la pista 1, "Sombras". En ese momento se nos viene encima una explosión de sentimiento y alegría, que nos lleva a pensar que estamos a punto de oír algo grande. Por desgracia, Zoé sabe en lo que es bueno, y se niegan a salir de su zona de confort, y es exactamente eso lo que han hecho a lo largo de toda su carrera. Los invitados aportan poco a la mezcla, a excepción de Bunbury, que es bastante grande por aquí, el resto ni sé ni me importa quienes son. Música de Fondo es un buen conjunto de canciones, y una buena introducción a la banda, pero que sin embargo es muy conservadora, y segura todo el tiempo.Yo creo que son capaces de mucho más.

DISCO

I'm Never Gonna Know You Now, But I'll Love You Anyhow

2011-10-07T08:48:00.000-07:00

A pesar de que octubre fue seleccionado como el mes de R.E.M., dado que el longevo grupo americano anunció su separación el pasado mes de septiembre, he decidido también darle cabida a escuchar toda la discografía de Steven Paul Smith, mejor conocido como Elliott Smith. Pero tranquilos, sé que aún llamandolo por su nombre artístico estoy dejando a muchos en la luna. Así que en esta entry compartire con ustedes algunas de mis canciones favoritas de este gran artista, que nos dejo aún teniendo mucho que ofrecer.

Pues habrá sido hace un par de semanas, que me di cuenta por deducción, de que me encontraba sufriendo de depresión clínica, caracterizada por ánimos cambiantes, a veces contento, el día siguiente de malas, los días que andaba de malas no tenía ni la más mínima intención de ponerme a hablar con nadie. Incluso experimenté los sintomas menos convencionales, como lapsos de hacer "payasadas", y debo confesarlo, incluso llegué a llorar. Habían momentos en los que hubiera deseado hablar con alguien, pero las personas con quien me hubiese gustado hablar no se encontraban disponibles, así que terminaba compartiendo mis largas noches con nadie más que Elliott Smith. Lo cierto es que fue terapeutico, aunque puede resultar irónico, pues Elliott fue alguien quien terminó perdiendo su propia batalla contra la depresión.

Elliott Smith - Needle in the Hay

Elliott nació en Nebraska, pero creció en Texas con su mamá, abusado por su padrasto, hasta que a los 15 años se mudó a la costa Oeste con su papá en Portland, Oregon. Fue ahí donde Elliott fue introducido a lo que probablemente fueron las cosas más importantes en su vida, la música y las drogas. Elliott no era ningún tonto o fracasado, el tipo se llegó a graduar del College en Massachussetts, con un título en filosofía y ciencias políticas. Tras conseguirlo, regresó a Portland a trabajar en una panadería.

La carrera musical de este tío comenzó cuando fundó la banda Heatmiser, con quien llegó a grabar un disco, sin embargo, la música de Heatmiser era muy diferente a la que corría en la cabeza de Elliott, quien simultaneamente se dedicaba a grabar su propia música en una vieja grabadora de 4 cabezas. Fue su novia de aquel entonces, quien le convenció a que madara un demo de las 8 canciones que tenía grabadas, esperando que la disquera Cavity Search le dedicara un sencillo d 7". Para sorpresa de Elliott, la disquera estaba dispuesta a publicar todas sus canciones como un àlbum. Este primer disco, Roman Candle, ya demuestra la genialidad del tipo, sin embargo, aún no se había desarrollado completamente su identidad, y la producción lo-fi era bastante defectuosa.

Elliott Smith - Say Yes

Para su segundo disco como solista, el epónimo Elliott Smith, el cantante ya había encontrado su estilo. Su voz suave y frágil, que llegaba a sonar tan íntima, como si solo a ti te estuviera confesando las cosas por las que pasaba, esto, junto con la guitarra pellizcada pronto hicieron fácil hacer la comparación con otro grande de la música que nos dejó sin llegar a hacer un mal trabajo musical, me refiero a Nick Drake, a quien seguramente le dedicaré otro artículo igual que este. El relativo éxito alcanzado por Smith como solista terminó haciendo que Heatmiser llegara a su fin, pero la carrera de Smith apenas venia despegando.

Su siguiente disco, Either/Or del 97, es probablemente su trabajo mejor logrado. Ya con arreglos más densos y complejos, Smith no dejaba espacio para compartir con nosotros su depresión y su adicción a las drogas. La salud y estado físico-mental de Smith ya se deterioraban, cuando el director Gus Van Sandt se le acercó para que le ayudara con su película, Good Will Hunting, un drama sobre un chico genio, protagonizado por Matt Damon, quien a pesar de sus virtudes, ocupaba mejorar su inteligencia emocional, ayudado por sus amigos y principalmente por un psicologo, protagonizado por Robbin Williams. La música de Elliott fue un complemento perfecto para la película, que a veces pecaba de melodrámatica, y que nos hizo ver que Smith no era muy diferente de Will Hunting. La canción que compuso especialmente para la película, Miss Misery, le valió una nominación al Oscar, donde incluso llegó a presentarse en la gala de la entrega de premios, aunque terminó perdiendo ante la odiosa My Heart Will Go On de Celline Dion.

Elliott Smith - Waltz #2

El período después de los 15 minutos de mayor fama que tuvo Smith fue uno de los más oscuros de su vida. Caracterizado por su creciente depresión, que lo llevaba a comentar con frecuencia a sus amigos, el deseo de acabar con su vida, y también de vez en cuando cometiendo intentos fallidos de morir. Su disco del 98, XO, es igualmente el más oscuro de su catalogo, un disco difícil de digerir, pero que vale mucho la pena para entender este gran personaje. Para el año 2000, año que Smith publicara su último álbum en vida, el tipo parecía ya rehabilitado. Se presento con más frecuencia en espectaculos y en la televisión, y su trabajo Figure 8, contenía la música y letras más alegres que se le hubieran escuchado a este artista. Todos hubiesen pensado que ya todo había terminado, y que Elliott había logrado vencer a sus demonios, sin embargo, entró en una recaída, donde Elliott empezó a sufrir de paranoia, y llegó a frustrar varias de las sesiones para la grabación de un nuevo disco, pues se molestaba y se recluía cuando alguien le recalcaba su situación, y el hecho de que necesitaba ayuda.

Smith tendría un último alegrón en 2003, cuando realizo la mayoría de lo que sería From a Basement on a Hill, su disco póstumo, incluso hablando con su productor sobre lo emocionado que estaba con el nuevo material que estaba grabando y que esperaba que este le fuera a ayudar con los aspectos técnicos de la grabación. Pero el 21 de octubre de ese mismo año, mientras en casa con su novia Jennifer Chiba, ambos tuvieron un argumento. Jennifer se encerró en el baño, y fue en ese momento en que ella escuchó un grito, y salió para encontrar a Elliott con un cuchillo en el pecho. Inicialmente el incidente fue catalogado como un suicidio, sin embargo varias cosas permanecen misteriosas e inciertas sobre el incidente, por lo cual la policía finalmente dejó abierta la opción del homicidio, pues es curioso que Smith tenía no una, sino dos puñaladas, y además, su cuerpo carecía de las típicas "heridas de vacilación", normalmente encontradas en quienes comenten suicidio de esta forma.

Elliott Smith - Pretty (Ugly Before)

Lo cierto es que la muerte de Smith fue triste y prematura, ya que como demuestra su trabajo póstumo, From a Basement on a Hill, y el posterior lanzamiento de New Moon, dos discos con grabaciones inéditas, Smith aún tenía mucho que dar. Sin embargo nos dejó bastante de que disfrutar, y día a día su música sigue ayudando a las personas, para que no cometan el mismo error de Elliott.

Tributo a Smith afuera de Solutions, escena de la portada de Figure 8.

La previa de octubre

2011-10-04T18:06:00.000-07:00

Es un poco de lástima que no mucha gente le haya puesto atención a la previa de septiembre, pues considero que es de los artículos más útiles que he escrito. De cualquier manera, disfrute de hacerla, y es por eso que vuelvo a enlistar los discos que hay que poner atención durante este mes de octubre; ya casi se acaba el año.

1. Feist - Metals

Ya les he hablado anteriormente sobre Feist, una cantante canadiense que tiene una de las voces más dulces y melodiosas del mercado actual. Feist empezó siendo parte del conjunto Broken Social Scene, pero decidió llevarse las cosas por su propia cuenta, y ha tenido éxito, incluso apareciendo en Plaza Sesamo, gracias claro, a su canción 1234. Puede que valga la pena darle una escuchadita a este disco que Pitchfork ya ha calificado con un 7.7.

2. Ryan Adams - Ashes and Fire

No se confundan, este no es el artista de canciones como Summer of '69 o Everything I Do (I Do It For You), ese es Bryan Adams. Tienen nombres parecidos, pero estoy seguro que Ryan no se cambio el suyo a proposito. Su música poco tiene que ver con la de su homologo canadiense, Ryan es más como un Bob Dylan moderno, al menos por lo que he oído en su disco Heartbreaker de 2003. El tipo vale la pena, si no me creen, peguenle una oídita a esta canción, no cualquier hace algo que te pegue así de instantaneamente.

3. M83 - Hurry Up, We're Dreaming

La escena francesa estará caliente este mes de octubre, y para ser más especifico, la escena electronica francesa. M83 es el nombre bajo el cual se da a conocer Anthony Gonzales, y que ya lleva años regalando discos de una mezcla de shoegaze, con dream pop y bastante beats electronicos. Este año, inspirado por discos como Mellon Collie and the Infinite Sadness, M83 nos trae un disco doble, algo que no es fácil de hacer bien, pero esperemos que él lo logré.

4. Coldplay - Mylo Xyloto

Coldplay es sin duda una de mis bandas favoritas, y Mylo Xyloto es uno de mis discos más esperados del año, sin embargo, me resulta difícil contradecir a alguien que me diga que esta banda no es tan buena. Creo que tienen razón, carece la profundidad e innovación de grandes artistas como Radiohead o R.E.M., pero lo que hacen, lo hacen bien. Y aún así, con su último disco, Viva la Vida, or Death and All Its Friends, Coldplay se separó un poco de su formula comercial y experimento un poco, junto con la ayuda del grandísimo Brian Eno, y aún así lograron conseguir un super hit con la title track (Viva la Vida). Solo nos queda esperar unas semanas para poder oír más de Mylo Xyloto.

5. Justice - Audio, Video, Disco

Mi comentario sobre la temperatura de la escena electrónica francesa no fue escrito solo por M83, sino que también, y podría decir, más importantemente, por el trabajo sophomore de Justice, la banda que de a poco nos ha hecho olvidarnos que Daft Punk no saca un disco con material nuevo desde 2001. Su primer disco, †, era una obra electrónica y oscura, y que aparte nos dejo esta joya de video musical:

6. Tom Waits - Bad As Me

Bueno, ya para terminar el mes de abril, también podremos oír el primer disco con material completamente nuevo de Tom Waits desde 2004. Tom Waits fue metido este año en el salón de la fama, sin embargo, su música es bastante difícil de digerir, "an acquired taste" me gusta decir, más que todo por lo garrasposa de su voz, que solo ha conseguido hacerse más ininteligible con los años. Hay que estar pendientes, la mente de este señor ya nos ha dado mucho buenos discos.

10 Covers de los Beatles que hay que oír

2011-10-03T16:25:00.000-07:00

Como puede que se hallan dado cuenta (o no), el mes de septiembre lo dedique a escuchar toda la discografía de Los Beatles, y además algunos trabajos de sus integrantes por separado, como el excelente All Things Must Pass de Harrisson, el Band on the Run de Paul McCartney y Wings y el Imagine y Plastic Ono Band de Lennon, todos muy buenos discos y que ahora veo fácilmente podría dedicarles un artículo. Pero en esta ocasión me he tomado la molestia de escuchar un sinfín de covers de canciones de Los Beatles, y escoger 10 que pienso deben de escuchar en caso que desconozcan. Así que empecemos:

10. The Langley School Music Project - The Long and Winding Road

Este cover está a cargo de un coro de niños de una escuela de Inglaterra, y que fue grabado allá por los años 70, y no fue hasta hace poco, en el 2001, que las grabaciones fueron desenterradas y republicadas para el aclamo general. Notese que las voces son frágiles y un poco desafinadas, peor he ahí la gracia de estas versiones. Si fuera mi hijo quien cantase, seguramente me haría derramar un par de lágrimas.

9. Rufus Wainwright - Across the Universe

Lo cierto es que Across the Universe es una canción tan perfecta que yo podría hacer un cover, incluirlo en esta lista y nadie diría nada. Hay dos versiones interesantes aparte de ésta, una a cargo de Fiona Apple y otra por el gran David Bowie, pero me quedo con la versión de Rufus, que aparte tiene un buen video musical.

8. Elliott Smith - Because

Muy pronto estaré compartiendo con ustedes un artículo dedicado a uno de mis cantantes/compositores (singer/songwriter) favoritos. Su nombre es Elliott Smith y puede que lo conozcan por haber decorado con su música la película Good Will Hunting. Su cover de esta canción de Abbey Road puede ser escuchada en la película American Beauty. Elliott acostumbraba darle estos arreglos sinfonicos a su voz, por lo cual Because le quedo como anillo al dedo.

7. Wilson Pickett - Hey Jude

Encontraran innumerables interpretaciones de canciones de los Beatles por cantantes de soul (como Al Green con I Want to Hold Your Hand o Ike & Tina Turner con She Came In Through the Bathroom Window), pero a mi parecer, la versión mejor lograda es esta de Hey Jude a cargo de Wilson Pickett, acompañado por la música de uno de los mejores guitarristas que quiza no conozcas, Duane Allman.

6. Allison Krauss - I Will

Allison Krauss es una cantante popular de country que logró saltar las barreras de ese género tan poco popular fuera de los estados del sur, con su colaboración de 2007 con Robert Plant, Raising Sand, la cual les hizo llegar a ganar un Grammy. Está canción parece ser de muchos antes, donde Krauss le da vida a una canción del White Album que muchos como yo, puede que hallan pasado por alto.

5. Jeff Beck - A Day in the Life

Jeff Beck es uno de esos "guitar heroes" por excelencia, y en esta rendición instrumental de una de las canciones más icónicas de los 4 de Liverpool, deja en claro su maestría, y también que tal vez no eran las letras lo que hacen tan grande esta canción.

4. Aretha Franklin - Eleanor Rigby

Para este cover de dos de los personajes más famosos de las canciones de los Beatles, la Reina del Soul se convierte en Eleanor Rigby y cambia la perspectiva de la canción a primera persona. Alguien así ocupaba Father Mackenzie para que la congregación oyese su sermón.

3. Sonic Youth - Within You, Without You

Supondré que todos ustedes están familiarizados con la influencia que tuvo el Maharishi Yogi en la carrera de los Beatles. Uno de los más afectados por el gurú hindú sin duda que fue George Harrisson, quien en dos canciones, principalmente, trajo toda la influencia de la India a los discos de la banda. Tanto Love You To, como Within You Without You son canciones que o las odias, o las amas. Yo no soy muy partidario de estas, pero en las manos correctas, suenan realmente geniales, sino preguntenle al genio de la música noise, Thurston Moore.

2. Joe Cocker - With a Little Help from my Friends

Ringo Starr es normalmente visto de menos cuando se habla de los Beatles, y hay que afrontarlo, era sin duda el menos talentoso de los cuatro. De las contadas canciones a las que prestó su voz, una de las que más sobresale es esta de Sgt. Peppers, que quedo grabada en el inconsciente coelctivo en esta versión de Joe Cocker, tocada en el mítico concierto de Woodstock.

1. Stevie Wonder - We Can Work It Out

Es díficil poder contradecir a alguien que me diga que este es el mejor cover de una canción de los Beatles. Definitvamente, We Can Work It Out no era una de las mejores de su catálogo, incluso llegaba a parecerme cursi y boba, pero voz y el groove de Stevie Wonder suena bastante convincente. Mejor que la original.

- Finalmente, como curiosidad, me gustaría agregar que Del Shannon hizo el primer cover americano de una canción de los Beatles, con From Me To You, la cual llego a las listas de popularidad antes que la versión original. No estoy seguro de quien habrá hecho el primer cover de Los Beatles, aunque recuerdo haber leído el dato en el libro de Bob Spitz.

- La canción Yesterday, hecha completamente por Paul McCartney, aunque bajo el nombre de la banda, contiene el record mundial de ser no solo la canción de los Beatles con más versiones editadas, sino de ser la canción con más versiones editadas.

- Existen un sinnumero de discos tributo a los Beatles. Desde los beatles para bebes, hasta los Beatles Bossa Nova, pero uno de los mejores y de mayor interes para nosotros, es este Tributo Tropical a Los Beatles, que incluye interpretaciones de Celia Cruz y Tito Puente.

Lleva esta playlist en tu iPod!

Viaje por la música Iberoamericana: Invisible - El jardín de los presentes

2011-09-25T17:47:00.000-07:00

Puntuación: 4.5/5
Es fácil entrever que la persona que elaboró la lista de los 250 Iberoamericanos es argentina, y también que es fan de Luis Alberto Spinetta. ¿Será preferitismo del autor, o será que en realidad este artista merece ser frecuentado numerosas veces en esta lista? Ya me había introducido a su música con Peluson of Milk, disco que hizo ya entrados los años de su carrera musical. Pelusón era un buen álbum, pero nada para obligar a mis conocidos a escuchar, por otro lado, El Jardín de los presentes, el tercer disco publicado por Spinetta bajo el nombre de Invisible, si que esta a otro nivel.

Invisible - Alarma entre los ángeles

Invisible fue formada alla por 1973, luego de que Spinetta descontinuara su trabajo con Pescado Rabioso. Publicado en tres años tras la formación de la banda, El jardín de los presentes fue el último trabajo realizado por el conjunto, Spinetta sintiendose obligado de cambiar de piel cada cierto número de años. No he escuchado los primeros discos (cosa que tengo planeado hacer), pero este es considerado el mejor, y es fácil ver porque. En la línea de los discos progresivos de los 70s, Invisible lleva el sello de Yes, con la voz chillante de Spinetta, guitarrazos también chillantes (vease Alarma entre los ángeles), y letras triviales, El jardín consigue ser uno de los mejores discos de rock progresivo que he escuchado, independientemente del idioma. Cosa a notar es que el álbum evita caer en los tan famosos excesos del género y aún suena como un disco muy actual.

Puede que me equivoque en cuanto a la historia, pero me parece que esta trata del Capitán Beto, quien se ha aventurado en su nave espacial hacia un lugar desconocido, el cual no puedo evitar pensar que es "el cielo", y que este viaje en sí, es la muerte misma. La historia puede parecernos un tanto tontona, pero al dejar correr el disco, entraremos de lleno en lo que nos pinta la banda, tanto así, que sentiremos haber encontrado la paz una vez que en la última canción se nos avise que hemos llegado. Bienvenidos al jardín de los presentes.

Invisible - El jardín de los presentes (1976)

DISCO

Mis 10 canciones favoritas de Los Beatles (2da Parte)

2011-09-24T18:44:00.000-07:00

Sin más pormenores, sigamos:

5) I Am the Walrus (Encuentrala en Magical Mystery Tour)

Existe una notable diferencia entre la molesta loquera que es el avant-garde de Revolution #9 y posteriores albumes de Lennon/Ono, con la loquera hiper fumada e hiper sabrosa que es I Am the Walrus, una de las mejores canciones de los Beatles, que sin embargo no tiene ningun significado. Este es nada más un viaje psicodelico, que incorpora muchas vivas e inexplicables imagenes como "sitting on a cornflake" o "pornographic priestess".

4) Across the Universe (Let it Be)

He de haber oído esta canción unas 20 o 30 veces en lo que va de este mes (además es mi ringtone actual). Notesé que la película del mismo nombre no es de mi total agrado, pero seriamente, esta canción es el highlight de Let it Be, el último disco de los Beatles en ser publicado (Abbey Road se grabó después de este), y es por eso que Across the Universe se encuentra como la joya final en una corona de grandes canciones. Queda evidente que se encontraban inspirados al escribir esta canción, pues las palabras en los versos fluyen con tanta naturalidad para culminar con el mantra del coro. "Jai Guru Deva Om", Majestual.

3) In My Life (Rubber Soul)

¿Acaso hay algo más profundo que detenerse a pensar en lo rápida e insignificante que es la vida? Y eso es justamente el tema que tocan los Beatles en esta canción. Donde en discos anteriores, estos chicos nada más preguntaban "Do You Want to Know a Secret?", ahora se detenían a preguntarse sobre las personas y situaciones por las que pasa uno y que lo dejan marcado. Nadie sabe la respuesta a las interrogantes de la vida, pero parece haber una pista en el mellotron cerca del final. Deben de oír la version de Johnny Cash en los años previos a su muerte, la canción cobra un nuevo significado.

2) And Your Bird Can Sing (Revolver)

Esta lista ha sido meditada lo suficiente, y creo que el primer lugar ha quedado bien asignado, pero lo cierto es que en algún momento, cuando prefería ignorar el momento de mi vida que me relaciona al primer lugar, solía decir que And Your Bird Can Sing era mi canción favorita de los Beatles. Esta retrata un concepto psicológico de defensa humana cuando a uno le han roto el corazón, otros simplemente lo llamarán "consuelo de tonto". En esta ocasión, según entiendo, el ser querido del narrador ha escogido a alguien más sobre él; esa persona parece estar contenta y siente que lo tiene todo, si todo, menos a él, el narrador. Según él, ella es quien ha salido perdiendo.... Pobre tonto, está bueno que lo crea así.

1) For No One (Revolver)

For No One es la décima canción de Revolver, probablemente el mejor trabajo discográfico de la banda. Pero ¿por que es mi favorita? Principalmente porque me recuerda a un momento de mi vida, casi que se podría decir que a una persona. Recuerdo que la oí por primera vez camino a la escuela; sentí que Paul McCartney me hablaba directamente a mí. Lo oí tan claro y me afectó tanto, que al la logré escuchar otras dos veces antes de llegar a la escuela. La particularidad de For No One es que está escrita en segunda persona, contraponiendo tu día de sufrimiento, con el de ella, quien ya ni siquiera te le cruzas por la mente. No me extrañaría que otros como yo, hallan tenido un "love that should have lasted years".

¿Sorprendido? ¿Opción poco convencional? Puede ser, pero no lo hago por parecer interesante, es esa en realidad mi canción favorita de los Beatles, y al mismo tiempo es una invitación para que se metan de lleno al catalogo de esta banda, pues canciones como Hey Jude, Yesterday o Let it Be son solamente la punta del iceberg.

Por si alguien quiere llevarse mi playlist a su iPod.

Mis 10 canciones favoritas de Los Beatles (1ra Parte)

2011-09-23T07:19:00.000-07:00

Cabe decir que he decidido escoger un artista por mes, y visitar su discografía y cosas relacionadas. El primer mes de prueba no podía ir para otra banda, que Los Beatles. Considerados por muchos como la mejor banda de la historia de la música, puede que esto sea algo subjetivo para analizar, pero aunque tu banda favorita sea RBD, has de tener que aceptar que el talento de estos 4 "chicos" es innegable. Así que he preparado dos posts para ir con el tema, este no tan interesante, y otro que creo les puede gustar más. Pues por ahora, los dejo con la lista de mis 10 canciones favoritas de los Beatles:

10) A Day in the Life (encuentrala en Sgt. Peppers)

En cuestión de sonidos, siempre he considerado A Day in the Life como la canción mejor lograda de lso Beatles. Notese que esta lista corresponde a mis canciones FAVORITAS de los Beatles y no a las mejores, pues un catalago tan grande y diverso requeriria de muchas discusiones para concluir en sus 10 mejores. La locura de piano sobre piano sobre piano que suena entre versos le garantiza a esta canción un lugar en la lista, pero toda la canción es 5 estrellas. Lennon hizo la primera parte que habla sobre un accidente automovilístico mientras McCartney nos cuenta sobre los 100,000 hoyos en Lancashire, así convirtiendo dos de las noticias más irrelevantes (que llenan los periodicos a diario), en clasicos de la música pop.

9) All My Loving (With the Beatles)

Si bien es cierto que la etapa más elaborada y musicalmente importante de los Beatles comienza con Rubber Soul, solamente alguien desalmado podría no disfrutar de las canciones que dieron a conocer al mundo a los 4 de Liverpool y que dieron inicio a la Beatlemania. El catalogo comienza con "Please Please Me" y continua con canciones llenas de ricas melodías, compuestas por los mismos interpretes, algo inedito para aquel entonces. De todas esas dulces canciones que siempre me traen alegría, mi favorita es "All My Loving", que toca un tema presente anteriormente en otras canciones de la bnada (P.S. I Love You), en el cual se narra una despedida y se hace una promesa de escribir todos los días. Debería de ser triste, pero de alguna forma, estos chicos consiguieron todo lo contrario.

8) I Should've Known Better (A Hard Day's Night)

Han de saber que el catalogo de Los Beatles no incluye solamente música, pues también incluye varias películas, desde las muy fumadas Help! y Yellow Submarine, hasta su primera y más convencional película, A Hard Day's Night, la cual era un documental semi-ficticio de la vida de los Beatles. Puede que conozcan la canción que da el título a la película, el soundtrack de esta es el álbum mejor logrado de la primera etapa de la banda, pero I Should Have Known Better es mi favorita de este. Sus letras son pura felicidad y azúcar, cosas que casi nunca ocurre en el "amor", pero que tan fácilmente somos engañados por canciones como esta.

7) Happiness Is a Warm Gun (The White Album)

Algo que resulta increíble de Happiness Is a Warm Gun es cuantas partes tiene. Esto resulta increíble por el hecho de que dura menos de 3 minutos, y aún así, ninguna transición resulta forzada. "She's not a girl, who misses much" comienza magistral y pegajosamente, y a esto le sigue un estribillo chillante y psicodelico, y el "Mothe Superior, John the Gun", con "Shoo, shoo" y todo. No se si realmente tendrá algún significado, pero el título parece hacer referencia a lo vago y engañoso que es el concepto de "felicidad".

6) Hey Jude (Past Masters)

En clase de filosofía, el maestro no hace más que burlarse de los nombres raros o extranjeros de mis compañeros. Nos cuenta del año en que todas sus alumnas se llamaban Yessenia, pues 20 años antes ese había sido el nombre de una "popular telenovela". Menciono esto, porque por alguna razón, ya ha pasado que me he detenido a pensar en los nombres de mis hijos, y lo cierto es que se me ocurren las mismas payasadas. El que encabeza la lista para varón es Jude, y el motivo, está canción.

Bueno, con esto termino la primera parte, esperen en lo que queda de este fin de semana como concluye está lista.

Una casa en la playa

2011-09-16T09:12:00.000-07:00

Bueno, puede que lo hayan notado, pero el final de este 2011 ya se acerca. ¿Que rápido no? Ya pronto será diciembre, y entonces, tendré que dedicarme a ver hacia atrás con respecto a este año, y escoger cuales han sido mis lanzamientos y canciones favoritas. Para finales de 2010, no tenía mi blog activo, por lo cuál les he quedado debiendo mis favoritos de esos 12 meses (Si me tienen como amigo de FB, ese año publique mis discos favoritos como un album de fotos). Esperen leer todo eso para el mes de noviembre. Lo cierto es que 2010 fue un año en el que tuve la oportunidad de poder oír bastante música con tranquilidad, y de los años recientes, siento que es el que puedo catalogar con mayor categoría. Pero en este 2011, he tenido la oportunidad de poder seguir escuchando algunas cosas que se me escaparon y de revisitar algunas que no les di mucha atención. Es en esta categoría precisamente, en la que encaja la banda de las que les hablaré el día de hoy.

Beach House - Zebra

Beach House es un dueto americano, que se ha dedicado a crear música por el gusto de hacerlo desde principios de la década pasada. Fue en 2006 cuando salió a la luz su primer disco, el cuál pasó mayormente desapercibido, pero desde entonces, cada dos años, Beach House ha publicado un nuevo material, recibiendo cada vez mayor atención y éxito comercial, al mismo tiempo que han definido su particular sonido. Al principio, Beach House se inclinaba más por la estetica lo-fi, de bandas como Pavement o Guided by Voices, que tan popular se ha vuelto en la música indie de los últimos años, sin embargo, para lo que ha sido su último disco, Teen Dream de 2010, el dueto se ha enfocado en la parte "dream pop" de la ecuación, haciendonos recordar a grandes bandas de los años 80s como Cocteau Twins o The Jesus & Mary Chain. En una entrevista para Pitchfork, tanto Victoria Legrand como Alex Scally, llamaron a este cambio, una evolución natural en su estetica, aunque también puede que haya tenido algo que ver, el hecho de que Beach House haya firmado previo a este disco, con una disquera más grande, Sub Pop, la cuál les dio mayor facilidad economica y creativa.

Beach House - Lover of Mine

En Teen Dream encontramos una serie de 10 canciones, todas con potencial de ser sencillos, y que fluyen tan naturalmente una despues de la otra. Es difícil poder sobresaltar una en particular, pues todas son parte de un mismo mundo, un mundo que muchos han definido, como el momento en que estás entre medio despierto y medio dormido. Yo me he atrevido a definir a Beach House, como la forma en la que el dream pop deberia de ser, relajante, pero sin ponerte a dormir. Todo funciona muy bien en este disco, por ejemplo, en la primera canción, Zebra, es muy difícil no imaginarse a un grupo de estos animales corriendo y levantando polvo en una savana africana. Un elemento muy particular del sonido de Beach House, es la voz de su vocalista Victoria Legrand, la cuál tiene un toque androgino que no te hace fácil ubicar si es un hombre, una mujer o un ser de otra galaxia quien está frente al microfono. Tiene un toque etereo que o te encantara, o simplemente lo odiaras, así que estoy seguro que Beach House no pasara facilmente desapercibido en los años venideros.

Beach House - Teen Dream (2010)

DISCO

La Conexión Biológica: La Tortuga Golfina (Lepidochelys olivacea)

2011-09-11T16:53:00.000-07:00

Puede que por ahí hallan los que se han de preguntar que me hice el fin de semana pasado. La respuesta es que sin planearlo, terminé faltando a dos clases el viernes para poder irme en una excursión, junto con otros compañeros de la carrera de biología a la costa Pacífica de Honduras, la cual no es muy extensa, pero para ser más exacto, diré que fuimos a Punta Ratón. Punta Ratón se localiza a unas 4 horas de la capital, y la razón por la cual íbamos a ese lugar, era para poder observar la "arribada" de las tortugas golfinas a la playa, para poner sus huevos. Se conoce como arribada, a la llegada en grupos de tortugas a la costa, con el fin de depositar sus huevos en la arena. Como es sabienda popular, las tortugas regresan a la playa que los vio nacer, para contribuir al crecimiento de su especie.

Lo cierto es que este es un blog de música, pero no pretendo abrir otro solo para vertir mis pensamientos que nada tienen que ver con compases, así que haré la conexión entre biología y música, compartiendo algunas canciones que hablan sobre, bueno, en este caso, tortugas. No pretendo ser un biólogo todavía, pero espero algún día poder dar información al respecto de estas fabulosas especies, con la autoridad con que hablo sobre bandas musicales. Hasta entonces, deben de conformarse con lo que ofrezco. Esta primera es de Sting, quien fue el líder y vocalista de The Police, junto con quíen cosechó bastantes éxitos. Al desintegrarse la banda, Sting permaneció en el mapa, consigueindo varios éxitos como solista. The Dream of Blue Turtles fue su debut como solista, y es considerado por muchos, como su mejor trabajo. La "title track" es un break instrumental bastante alegre:
Sting - The Dream of Blue Turtles

Pues me fui al Sur, la zona más árida y caliente del país, esperando hacer nada más que convivir con mis colegas, pero llegó la noche, y tras haber caminado no más de 100 metros, logramos divisar una tortuga golfina. Ya con esa sola tortuga, mis expectativas quedaron superadas. La tortuga golfina o Lepidochelys olivacea mide unos 70 cm, más grande de lo que esperaba. Es en realidad un animal majestuoso, lo ves y te da tranquilidad, sin embargo, tranquilidad era lo que menos había esa noche, pues minutos antes había empezado una terrible tormenta, la cual mojó toda la tierra e hizo que la marea subiera más de lo esperado. Fueron varios los factores, por los que finalmente, la tortuga decidió no poner los huevos en ese momento y regresó al mar.

Siendo de noche, y con tormenta, me fue imposible fotografiar a la tortuga, así que he tenido que recurrir a Google Images.

Por lo que nos contaron los pobladores de la región, quienes participan recolectando los huevos para su conservación, la tortuga necesita que la arena este seca para poder hacer su nido en ella, y con la marea alta les era difícil. Aún así, caminamos un poco más y nos encontramos con un nido de tortugas, de donde se extrajeron 111 huevos. En honor a esa marea, compartiré esta canción con ustedes. Es muy probable que hayan escuchado la version que hizo Blondie en los 80s, pero esta es la versión original de los 60s a cargo de Los Paragons:
The Paragons - The Tide Is High

Lo cierto es que no volvi a ver una tortuga durante el resto de ese día y la noche siguiente, y también que aún estando entre amigos, es muy difícil hacer que pase un día entero bajo ese insolente clima. Aunque los lugareños les diran lo contrario, lo cierto es que la playa de Punta Ratón es relativamente insignificante, cuando se compara con otros lugares de anidamiento de la región, como los son las playas de Nancite y Ostional en Costa Rica, Chacocente y La Flor en Nicaragua y Playa Escobilla en Oaxaca, México, lugares donde las tortugas llegan en millones.

Se dice que la carne de esta tortuga no es nada apetitosa, y que la razón por la que les interesa a los humanos, es más por el comercio de sus huevos. Esto es bastante interesante, más por como se ha manejado en varios países que buscan regular o parar el comercio de estos. A primera vista podría parecer que el solo hecho de comerse un huevo de este animal es un acto de crueldad, sin embargo, la mayoría de huevos de tortugas no llegan a eclosionar, debido a que las playas resultan insuficientes, y que algunas tortugas buscan cavar en el mismo lugar que alguna de sus compañeras, destruyendo así parte del nido de estas. Los huevos putrefactos fácilmente pueden arruinar el resto del nido, por lo cual, en algunos países, se le permite a los pescadores que recojan los huevos durante las primeras horas después de la veda. Sin embargo, esto se hace bajo control, y se mantiene el precio de este "alimento", a precios bastantes bajos.

En el caso de Punta Ratón, los huevos son recolectados y llevados a un centro de protección, donde se cavan nidos especiales. Tras unos 45 días, las crías finalmente comenzaran a nacer, e iran a las aguas poco profundas, a unos 100 kms de la costa, donde permanecen la mayor parte de sus vidas.Para aprender un poco más de este maravilloso animal, les recomiendo leer esta página. Yo por ahora me despido, dejandolos con una canción de Caifanes, en la cual el cantante Saúl Hernández, le pregunta a una tortuga de porque regresa a la playa, de porque no mejor se queda allá en el mar, donde no hay humanos:
Caifanes - Tortuga

Viaje por la música Iberoamericana: Miranda! - Sin Restricciones

2011-09-06T07:19:00.000-07:00

Según el orden de la lista, en realidad, el disco que me tocaba escuchar era El jardin de los presentes de Invisible, sin embargo, decidí reseñar a Miranda!, aprovechando para hablar un poco sobre un tema que ha estado causando revuelo últimamente. A decir verdad, me he tardado un poco, pues de haber escrito esto hace un par de semanas, seguramente hubiese recibido más visitas.

Si cualquiera de mis amigos varones se enterase de que he estado oyendo Miranda!, muy seguramente reaccionarían con una frase-pregunta que cuestione mi sexualidad. No es solo el hecho de que los 4 miembros de la banda argentina sean abiertamente homosexuales, sino que en si, el sonido de la banda, caracterizado por los sintetizadores plásticos y la voz de Alejandro Sergi, hacen que la banda en si suene gay. Pero debemos recordar que la palabra "gay" también significa alegre en inglés, y es esta la mayor cualidad de Sin Restricciones, un disco alegre, divertido, bastante superficial y muchas veces cursi, pero muy, muy pegajoso. En resumen, Sin Restricciones es un disco de pop y me atrevo a decir que el mejor de su tipo en su idioma.

Miranda! - Quiero

Me gustaría hablar más sobre la banda, pero primero prefiero aprovechar la coyuntura para enlazar este post con un tema de actualidad. Mis lectores hondureños sabrán ya hacia donde quiero llegar, pero resulta que la mayoría de mis lectores no comparten mi nacionalidad, así que tendré que dar una breve explicación. Hace ya un mes que una ONG española, en conjunto con la Universidad Nacional, decidieron instalar en los predios del centro de estudio, dos posters de considerable tamaño, uno de estos hablaba en contra del racismo, y el otro, contra la homofobia. Cabe decir que más de la mitad de la población estudiantil no se ha tomado la molestia de pararse a leer el primer rótulo, pero el segundo, ese si que ha causado conmoción. No tardó mucho para que los sectores más retrógradas y conservadores se pronunciaran en su contra, a tal punto que incluso algunos catedráticos aparecieron comentando reverendas estupideces en contra del rótulo. El papel de los medios de comunicación no fue diferente, a tal punto que algunos diarios trataban el asunto como "el rótulo gay", siendo claramente despectivos hacia ese grupo de personas. El origen de toda esta homofobia está en el papel que han tomado las iglesias. Es condenable que desde estas se promuevan pensamientos antisociales y antihumanos. Llegó a tal punto la homofobia, que un día como cualquier otro, la universidad amaneció, pero el rótulo ya no estaba. Durante la noche, unos tipos que decían ser de la ONG española, entraron y bajaron el banner sin que la seguridad de la institución les pidiese identificación alguna. Cabe decir que los dos guardias de turno fueron despedidos, pero ya han pasado semanas y aún no se ha vuelto a poner el rótulo.

El polémico rótulo.

Ya he condenado el papel de la iglesia en todo esto, pero lo repito, pues es fácil ver que una vez que se quita lo religioso, no hay nada que se pueda decir en contra de los homosexuales. Lamentablemente, la sociedad en que vivimos está desinformada y es machista, y es por esto que mucha gente falló a entender el mensaje del cartel. Les resulta difícil a mucha gente ver que el afiche NO ESTA PROMOVIENDO LA HOMOSEXUALIDAD, SINO MÁS BIEN LA TOLERANCIA!!! En ningún dice ahí que ser gay está de moda o algo por el estilo, simplemente no invita a aceptar que existen más cosas que solo blanco y negro.

Miranda! - Don

Para terminar, regresaré a Miranda! para decir que no siento ningún tipo de pena en decir que la banda es de mi agrado, que disfruto de oír Sin Restricciones, y que además, aprovecho para recomendar el disco a todos mis lectores, en especial a aquellos que solían cantar Don a escondidas. Repito que Sihttp://www.blogger.com/img/blank.gifn Restricciones es un disco de pop, curso, con buenas canciones de amor, que puede que sean "gay", pero si lo notarán bien, se darían cuenta de que el amor gay no tiene mucho de diferente.

DISCO

La Previa de Septiembre

2011-09-01T15:47:00.000-07:00

Así que hoy es primero de septiembre, Día de la bandera en Honduras, aunque creo que al menos que estés aún en la escuela, lo más probable es que no te acordases. El año ha pasado rápidamente, y a decir verdad siento que este año ha producido poca música de calidad, en especial al compararlo con el relativamente rico y diverso 2010. El más recién pasado más notablemente nos dejó el último disco de los Red Hot Chili Peppers, quienes pronto estarán en suelo centroamericano; los amigos ticos deben de rezar para que no les de por tocar solo canciones de I'm With You, un álbum bastante flojo, y que nos hace extrañar a John Frusciante, pues esta es ya la segunda vez que deja la banda y este fue el primer disco sin él, desde el One Hot Minute del 94.

Pero suficiente de agosto y de los Peppers; veré sin en algún momento toco más a fondo el tema. Por ahora solo me encontraba interesado en mostrarles que nos depara el noveno mes del año. Así que pongan atención, pues aquí van las cosas que me parecen más valen la pena:

1. The Rapture - In the Grace of Your Love

Cuando The Rapture recién apareció, era muy fácil imaginarselos como el futuro de la música. Su propuesta era fresca y divertida, sin embargo fueron desapareciendo de la escena paulatinamente. In the Grace of Your Love será su primer disco desde 2006, así que será interesante poder ver como han hecho evolucionar su sonido.

2. Girls - Father, Son, & Holy Ghost

Cuando Girls sacaron su disco debut en 2009, inclusive llegaron a aparecer en CNN, pues el compositor principal de la banda tiene una historia peculiar, si mal no recuerdo, su hermano murió debido a la negligencia provocada por la secta a la que pertenecían sus padres. Quedandonos en lo musical, Lust for Life fue una de mis canciones favoritas de ese año, y ya le he dado una oída al sophomore de Girls y debo decir que me agrada bastante.

3. Bjork - Biophilia

Si se piensan quedar en casa esperando un solo disco, lo que más les conviene es que este sea el nuevo de Bjork, que lleva como nombre Biophilia, y que también es el primer trabajo de la artista Islandesa desde el Volta de 2006. Creo que Biophilia promete quitar a PJ Harvey del favorito de los críticos para este 2011.

4. Dum Dum Girls - Only In Dreams

No se dejen engañar por el atuendo rockero de Dum Dum Girls, ellas son realidad una banda de fino pop. Fue otra de las bandas de 2009 que me trajo una sonrisa, en aquel entonces, cuando estaba en la fría Finlandia, con mis dos mejores amigos, Pitchfork y SPinner Free Listening Party.

5. Blink 182 - Neighbourhoods

De todos estos lanzamientos, este es probablemente el único que causaría hacer saltar a mis amigos, la mayoría de los que he listado los he conocido por medio del internet, y es poco probable que de otra manera hubiese llegado a interesarme por ellos. Pero bueno, BLink regresa después de varios años, en los que sus integrantes provaron diversas cosas, desde Angels and Airwaves hasta reality shows, pasando por +44. Lo cierto es que Blink tiene su fanaticada, y yo debo de admitir ser fan de varias de sus canciones.

6. Wilco - The Whole Love

Y para redondear el mes, Septiembre cierra con el lanzamiento del nuevo disco de Wilco, el primero desde 2009. Wilco es una banda de country alternativo, probablemente decir eso sea venderlos mal, pero aunque estoy un poco atrasado con su discografía, debo decir que el disco Yankee Hotel Foxtrot es uno de mis favoritos de todos los tiempos. Adicionalmente, si pueden encontrar la película "I'm Just Trying to Break your Heart", les recomendaría que la viesen. Es precisamente de ese filme de donde sale este video:

Curiosas portadas controversiales

2011-08-28T12:25:00.000-07:00

Bueno, creo que a todos les gusta la controversia, no es así? Sino, entonces Lady Gaga debería de seguir siendo una cantante más en los bares neoyorquinos. Probablemente, nadie mejor que la misma Gaga sabría decirnos que tan difícil es levantar controversia hoy en día, en que muchas cosas son aceptadas. Sin embargo, esto no siempre fue así, y allá por los años 60s, todavía habían cosas que sorprendían al mundo, que hoy nos pueden parecer muy normales, sin embargo, hay otras, que aún sacadas hoy en día conseguirían levantar las cejas de uno que otro. Y lo cierto es que las historias son muchas, y de tener éxito está entrada, continuaré posteando otras parecidas. Así que compartiré ahora un trío de ellas:

1. Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland (1968)

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Electric Ladyland fue el tercer y último disco que Jimi Hendrix publicara en vida. También fue la primera vez que Hendrix estuviera al control de la producción, lo cual provoco que la alineación de la Experience, que normalmente era de tres, se expandiese para incluir una mayor cantidad de músicos. Ladyland fue sacado como disco doble, y en este se incluía una gran variedad musical que le valió al músico de Seattle el número uno en las listas de ventas.

Pero aquí venimos a hablar de Electric Ladyland por su portada, que como muchos pueden ver, incluye 19 mujeres desnudas en un fondo negro, algunas con discos de Hendrix en sus manos. Tanta carne era algo completamente inaceptable en aquellos tiempos, confió en que aún ahora serían pocos los artistas grandes que se atreviesen a sacar algo parecido. Sin embargo habrá que desmentir algo, está no fue la portada original del disco. Se supone que Jimi originalmente quería que se usara una foto de la banda con unos niños frente a una estatua de Alicia en el País de las Maravillas que se encuentra en Nueva York, sin embargo, la disquera optó por publicar esta:

La portada de las modelos desnudas, no aparecería hasta poco después, cuando la disquera Track Records publicara la versión internacional del disco. Para reimpresiones más recientes, se ha optado por utilizar la de la cara de Jimi, pues él mismo, demostró su disgusto con la portada de las chicas.

2. Blind Faith - Blind Faith (1969)

	Blind Faith - Can't Find My Way Home .mp3

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Probablemente, una de las portadas más controversial aún en nuestros días. Si ya en aquellos días ha de haber parecido pasado el poner una mujer desnuda en la portada de un disco, no se diga lo que hizo el supergrupo Blind Faith (con Eric Clapton en su alineación) en 1969, cuando puso no solo una mujer, sino una niña, y para rematar, una niña desnuda con una aeronave que claramente tiene forma de falo. Obviamente, la disquera se vió obligada a sacar una portada alternativa para un cierto mercado, y pues estos no se complicaron la vida y optaron por la opción más fácil, el nombre y una foto de la banda:

A mediados de los 90s, el fotógrafo de esa portada se encontraba vendiendo copias litográficas de estas, y para acaparar publicidad, finalmente reveló lo que esa foto significaba. Decía Bob Seidemann que la aeronave representaba el conocimiento humano, la tecnología y como se estaba llegando a nuevas fronteras,pero que para dar este paso, el ser humano necesitaría la inocencia, que el quiso representar con una mujer que no es ni niña ni mujer. Ahora le hayan sentido? Si, así pensé.

De cualquier manera, portadas como estas seguirán causando controversia y creando mitos. En aquellos tiempos, se rumoreaba que la niña de la portada era hija de Ginger Baker, e incluso hasta que esta era una groupie que la banda mantenía encerrada como esclava.

3. The Mama's and the Papa's - If You Can Believe Your Eyes and Ears (1966)

	Mamas & the Papas - California Dreamin' .mp3

	Found at bee mp3 search engine

Si bien es cierto que la historia de The Mama's and the Papa's es un tanto confusa y enredada, y hasta un poco sucia, lo cierto es que en nuestros días, la razón por la cual fue censurada la portada del disco debut de la banda no puede ser llamada de otra forma más que "ridícula". La razón por la que se censuró no fue por la idea de tener una familia dentro de una bañera, no, sino más bien porque la disquera consideró de indecencia, el hecho de que hubiera un inodoro en la portada .. . Si, así es, fue por esto que se retiraron las copias de las tiendas, y se le pegó un sticker encima del inodoro que decía "incluye California Dreamin'", convirtiendo en las pocas copias con servicios, objetos de colección.

Versiones posteriores incluirían un close-up de esa misma foto, que eliminaban cualquier rastro de que la foto hubiese sido tomada en un baño:

Bueno, eso es todo por ahora, espero y les halla gustado. Por favor comenten, pues lo cierto es que hay muchisimas historias que compartir, no solo sobre portadas, sino también con respecto a canciones y video clips controversiales.

Viaje por la música Iberoamericana: Artefakto - Interruptor

2011-08-22T18:13:00.000-07:00

La palabra "artefacto", normalmente se utiliza en la arqueología, para definir un objeto antiguo encontrado en una excavación. Es por tal motivo que puede que al principio parezca paradójico, que ese sea el nombre de una banda de música electrónica mexicana. Esto puede tener un poco más de sentido, cuando nos percatamos de que Artefakto es una de las bandas pioneras de este tipo de música, me atrevo a decir, no solo en México, sino a nivel Latinoamericano.

Siempre he querido meterme más a fondo en los sonidos de todos los subgeneros de música electrónica, desde los más bailables (techno, house), hasta los más "inteligentes" (IDM, Glitch, Breakcore, etc.), ya que hay ciertos discos que me han llamado la atención, siendo el There Is Love in You de Four Tet el que más me ha gustado. Sin embargo, a mi parecer, el disco Interruptor es más que todo una pieza de arqueología, es un álbum que resulta cansón y dinosáurico para tener nada más 15 años. Si bien es cierto que la música electrónica es un género en que las canciones envejecen rápido, esta no es excusa, pues obras de Kraftwerk en la época de los 70s aún mantienen todo su brillo.

Artefakto - Overcome

Si bien como lo pinto, Interruptor no es un disco que resulte gratificante de oír, sus bajos son muy prominentes y las voces escondidas en el reverb, pero de todas formas, las voces suenan horrible así que no lo mejor hubiese sido ni siquiera incluirlas. Como lo mencioné antes, no soy ninguna institución en cuanto a música electrónica respecta, pero si ustedes tampoco lo son, no les recomiendo que oigan este disco. Aún así me parece que el álbum debería de despertar más el interés general, sino por lo musical, al menos como un pedazo de historia.

Artefakto - Interruptor (1997)

DISCO

Dos canciones post break-up

2011-08-21T17:42:00.000-07:00

Pues sí, resulta que la semana pasada recuperé finalmente mi libro de The Pitchfork 500, un libro que realizo la página de música del mismo nombre, y que pretende recolectar las 500 canciones más importantes de 1977 (the year punk broke), hasta el 2006, año de la publicación del libro. Compré dicho libro en un Barnes & Nobles la última vez que fui a Miami, y debo aceptar que fui influenciado por el hecho de que visito esa página bastante seguido. Muchas personas opinan que los escritores de Pitchfork son pretenciosos y prejuiciados, y a que a veces se pasan con las palabras rimbonbantes. Será difícil contradecir tales declaraciones, pero lo cierto es que nunca me han dado una mala recomendación.

The Pitchfork 500 es uno de esos libros que no se leen de un solo porque da lástima terminar, pero ya han pasado varios años desde que lo tengo, así que conseguí las 500 canciones ahí incluidas, y espero terminarlo en poco tiempo. Las canciones están seleccionadas en orden cronológico, pero uno puede sentirse libre de leer entradas aleatorias. Poniendo mi iPod en shuffle, llegué a un par de canciones que me gustaría compartir con ustedes:

Bright Eyes - The Calendar Hung Himself

Bright Eyes es memorable no solo por haber hecho el que es uno de mis discos favoritos de este año (The People's Key), sino porque en general son una banda interesante, con un sonido muy al gusto de mi oído. Bright Eyes ha sido principalmente una banda de folk pop, liderada por Connor Oberst, un hombre con una voz frágil y sencilla (me recuerda a la mía), pero que con su música y letras termina regalándonos canciones muy expresivas. Una de estas es la canción The Calendar Hung Himself, la cual parece relatar a un hombre a quien se le acaba de cambiar por otro, y este no puede hacer más que preguntarle a la chica (preguntarse a sí mismo), si este tipo sabe tocarla donde le gusta o si le besa los ojos en la mañana. Luego parece haber un relato de como el tipo se embarca en un viaje para olvidar y como algunos amigos lo rescatan. Al menos eso es lo que he entendido; lo cierto es que es una canción caótica, y que la voz de Oberst no llega a donde este pretende que llegue, pero he ahí el atractivo de la canción.

Shellac - Prayer to God

Shellac es un banda de post-hardcore (sí, ese es un género), que es liderada por Steve Albini, quien es más famoso por haber trabajado con artistas de la talla de Manic Street Preachers, PJ Harvey o los Pixies. Albini ya estaba algo crecidito cuando sacó esta canción, por lo cual hay que suponer que no la escribió asincerandose (o quien sabe la verdad). Lo que es cierto es que esta probablemente sea la canción de break up más directa que exista, no se puede ser más claro que en este mensaje que Albini le manda al Dios todopoderoso. No se nada de break-ups, pero dejenme decirles que si se sienten identificados con esta canción, lo más recomendable es que busquen ayuda profesional.

Y por si quedaron decepcionados de que mis dos selecciones no fuesen lo que esperaban, pues he aquí una lista con canciones más ortodoxas para esa ocasión.

Was that It?? A 10 años del debut de The Strokes

2011-08-19T20:30:00.000-07:00

Ya en el pasado he hablado poco bien de bandas como The Strokes o Arctic Monkeys y me he salido con la mía. En el caso de la última banda mencionada, no recuerdo que se me haya felicitado más veces por un artículo. Lo cierto es que ambas bandas han sacado discos poco memorables y hasta mediocres este 2011. El Angles de The Strokes, su cuarto disco, no solamente contaba con una horrible portada que se ira a los penales con Born This Way, como las peores del año, sino que además era un disco en que la banda sonaba cansada, tratando de innovar con un sonido más electrónico, sin lograr obtener muy buenos resultados. Sin embargo, Angles no es tan malo como para hacernos olvidar que ya en el pasado, los chicos de The Strokes han sabido hacer las cosas bien.

The Strokes - Last Nite

Y es precisamente en conmemoracíon a eso que he creado este post. Al igual que Nevermind, Is This It? se encuentra de aniversario este 2011. Este 30 de julio hace 10 años, que vió la luz el disco debut de la banda estadunidense. Desde antes de que el disco saliera a la venta, la banda ya había acaparado atención con la publicación su EP The Modern Age, y más que todo por la canción Last Nite, lo cual mantuvo a las disqueras peleando por firmarlos, y finalmente fue RCA quienes los consiguieron. Fue entonces cuando grabaron su primer disco, el cual capturó perfectamente el estilo y la viveza juvenil de la banda, un estilo que fue catalogado como garage, pues recordaba dicho estilo de los años 60s.

El que no haya oído Is This It? esta invitado hacerlo ahora en su aniversario, y el que ya sea fan de la banda, puede divertirse oyendo un disco tributo que realizó la página Stereogum, con la colaboración de artistas como los suecos Peter Bjorn & John y Owen Pallett. No es nada bueno, pero sirve como curiosidad. Regresando al álbum original, dejenme dcirles que Is This It? es un disco sin canciones de relleno, cualquiera de sus 11 canciones se puede para sola, y en conjunto sirven como un catalogo de riffs y melodías pegajosas. Is This It? es un disco que mezcla buenos guitarrazos co nla voz de Julian Casablancas, la cual es una mezcla de pereza y emoción.

The Strokes - Hard to Explain

No quisiera resaltar ninguna canción en particular, pues al igual que Nevermind, todas son dignas de escuchar, sin embargo es curioso hacer notar que la versión Americana del disco no incluyó la canción New York CIty COps, pues recién acababa de ocurrir los ataques del 11 de septiembre y dicha canción contiene la línea: "New York City cops, they ain't that smart". Otro elemento que se obvio de la versión norteamericana fue la portada original, una de mis favoritas. Esta consiste de una fotogradía en blanco y negro de un cuerpo femenino desnudo, con una mano enguantada en su parte trasera; es sexy y no es ofensiva. Sin embargo, los censores estadunidenses no pensaron igual que yo, y en dicho país se cambió la portada por ésta, una aburrida colisión de electrones.

Puntuación: 5/5
The Strokes - Is This It (2001)

DISCO

Viaje por la música Iberoamericana: Kraken - Kraken II

2011-08-18T15:16:00.000-07:00

Creo que les parezca un poco inexcusable de que ya vayamos a mitad de agosto y apenas haya posteado dos que tres cosas, incluyendo una última reseña en inglés que la metí para que supieran que estaba vivo. Es más inexcusable la situación, por el hecho de que resulta que he estado de vacaciones, aunque lo cierto es que he estado sufriendo de una leve conjuntivitis, lo cual no me motivaba a usar la computadora por mucho tiempo. Tengo ideas de varios articulos en mi cabeza, y creo que terminaran con las 8 entradas que he estado ofreciendo por mes. Pero que mejor manera de volver a bloggear que siguiendo con uno de los proyectos que más me ha motivado, mi viaje por la música Iberoamericana.

Han de saber, que mi intención inicial era llevar esta lista de la mano de otro proyecto, oír una lista recopilada por el mismo Taringuero que reunió estos 250 discos, esa otra lista era de 1000 discos de metal,y pues, si algún llegase a terminar con este proyecto, pues le daría rienda suelta a ese otro. Más temprano, en mi infancia tardía, solía escuchar más metal que ahora, rara vez lo hago en estos días. Pero en aquel entonces tendía a inclinarme más por canciones que por álbumes. Hace poco, entre cosas viejas, encontré unos discos mix de esa época y pase la tarde viajando en el tiempo con esas recopilaciones. En algún momento dejé de concentrarme en el metal, pase por una etapa de rock progresivo, y ahora tengo un gusto variado que incluye todos esos géneros y más, pero por momentos siento que he dejado el metal un poco de lado, así que me sentí contento al saber que estaría matando dos pájaros con un solo tiro, pues el disco a seguir en mi viaje corre a cargo de la banda colombiana conocida como Kraken. Algunas fuentes nos dirán que Kraken es una banda popular en América Latina, pero no me sorprendería que sea poca la gente afuera de Colombia que haya oído de esta banda.

Kraken - Vestido de cristal

Kraken es una banda de heavy metal, muy apegada al patrón de la banda ochentera de metal en inglés. Como la mayoría de estas bandas, Kraken nada más tuvo un éxito bajo la canción Vestido de cristal, pero que con sus discos logró consolidar una buena fanaticada que los ha mantenido con vida hasta nuestros días, claro, con una alineación siempre cambiante. Creo que no es solo el caso de Colombia, a mi entender, existe un Kraken en cada país, no solo de Centroamérica, pues sé de que países como Hungría o Suiza los tienen; su equivalente en mi país sería la banda Delirium.

Pero la pregunta es, ¿Tiene Kraken algo que ofrecer para la audiencia no colombiana, que no haya crecido junto a ellos? A mi parecer, no lo es así. Kraken II no es un mal disco, pero poco me motiva a seguir escuchando está banda, o mucho menos a volver el metal mi prioridad. Como empecé a decir anteriormente, Kraken cae en los estereotipos y cliches de las bandas metaleras de aquellos años. Además, los músicos no son muy sobresalientes, al terminar el disco no recuerdo una sola melodía, y además la banda tiende a depender mucho de su líder y vocalista Elkin Ramirez, quien no puedo evitar decir tiene una excelente voz, a la altura de las mejores bandas españolas del género (Angeles, Baron Rojo), sin embargo, me parece que su personalidad le impide dejar que los demás miembros le opaquen, y son pocos, casi inexistentes, los momentos en que los otros miembros de la banda se hacen notar.

Lo único que realmente me emociona de este disco, es cuando empieza la segunda canción, pues normalmente, ya me encuentro distraído para ese entonces, y lo primero que pienso es que estoy a punto de escuchar la canción "Al otro lado del silencio", pero no es así. . .

Puntuación: 3/5
Kraken - Kraken II (1988)

DISCO

Feist! Feist! Feist!

2011-08-09T08:56:00.000-07:00

Okay, bueno, ya que llevo 5 días sin postear nada, voy a tomarme la libertad de postear algo que está en inglés y que escribí para otra página, pero espero la mayoría puedan disfrutar. No se preocupen, seguiré escribiendo en español, está solo es para que no se aburran y me abandonen. Hehehe.

Puntuacion: 3/5

Feist - Mushaboom

A friend once asked whether or not I had albums by the Canadian artis Feist I could share with him. I told him I had a couple of songs, but that I'd never dared give a listen to a full album by her. Actually, I believe, those few songs I had were how my friend first had contact with Feist. It's actually not hard to imagine someone wanting to hear more Feist. Take her most well-known tracks, "I Feel It All", "1234" or "Mushaboom", all are sweet pop songs which can easily be pictured as being the soundtrack of HP printers' adds. Feist's voice is very loungy and relaxing, and the musical arrangements are downbeat abd quite minimalistic, but it wasn't until I started this "listening to music made by girls" project, that I decided to give Feist a listen. Had I been missing much?

As I said before, Feist's music is basically indie pop, but very loungy indie pop, a sound which I can picture being popular back in the 50's and which only resurfaced in recent years with the breakthrough of artists like Adele or Amy Winehouse. Still, the truth is that Feist is cut from a whole different tree. As soon as you push play on this record, you will understand what I mean. THe album has a strong start, with its best song coming second in. Mood and tempo don't change much, and although it's never annoying (how could it possibly be?), the album looses itself in boredom halfway through. Fortunately, things get better towards the end of the album, finishing with the other two highlight songs, Inside and Out, where Feist sings she is "the girl who loves you inside out", and you can't help but feel a little bit in love with that singing voice. Finally, Now at Last is a good closer, a very downtempo song which I can't help say it sounds like a Audrey Hepburn impersonation, a good one, but an impersonation nevertheless. I sometimes get lost thinking it's Moon River what I'm listening to.

Feist - Inside and Out

Well, I guess people like my friend, who recently got a copy of this album, will surely enjoy most of it. He doesn't take time to rate and review albums, so he's probably just gonna say he enjoys it. On the other hand, I can say that most people are not missing much by not listening to this album, you can very well stick to most-well known tracks for a taste.

Feist - Let It Die (2004)

DISCO

Viaje por la música Iberoamericana: Los Brincos - Los Brincos II

2011-08-04T10:25:00.000-07:00

Calificación: 3.5/5

Cuando nomás escuche a Los Brincos por primera vez, los relacioné instantaneamente una de las bandas favoritas de mi mamá, Los Iracundos de Uruguay. Ibamos en el carro y puse a Los Brincos, iba a preguntarle si los conocía, pero antes de que tuviera tiempo, ya se había puesto a cantar y se había emocionado, pues hace muchos, muchos años que no oía a Los Brincos, sorprendentemente, aún recordaba las letras de las canciones.

Los Brincos - Mejor

No es casualidad ni sorpresa que Los Brincos les recuerden mucho a los Beatles, se unificó a la banda con esa idea en mente. El debut de los Brincos fue en 1964, pero para su segundo disco, ya habían pasado tres años del principio de la Beatlemania y los de Liverpool ya habían pasado de esa etapa; en este mismo año saldrá a la venta Revolver. El mérito de la creación de Los Brincos se le da a Luis Sartorius, quien se encargó de reclutar a los miembros de la banda. Sartorious ha de haber sido un tipo inteligente, pues se dió cuenta del potencial del sonido beat, y la posibilidad de darles a los españoles, y a los hispanoparlantes en general, la dicha de tener a unos Beatles que cantaran y compusieran en nuestro idioma.

Yo siempre he pensado que una comparación con Los Beatles no es para nada una demeritación del trabajo de una banda, casi que se podría tomar como un cumplido. Además, lo cierto es que Los Brincos no son simplemente una vil imitación española de Los Beatles, para eso veasé Los Mustang. Sin embargo, la idea es la misma, cuatro chicos bien parecidos, que tocan sus instrumentos y que sus discos están repletos de melodías pegajosas. No hay mejor ejemplo de esto que la primera canción, "Mejor" y mi favorita, "Tú me dijiste adiós", haciendo notar que me recuerda mucho a Please, Please Me. Al igual que los Beatles pre-Rubber Soul, Los Brincos incluyen en este disco, canciones un poquito más upbeat, más bailables y "pesadas", y también incluyen baladas más lentas, como "Yo" o la cantada en italiano "Piccole cose". Además, hacen de este un disco trilingue, pues también cuentan con dos temas en inglés, entre ellos, "Walking Alone", donde dejan ver su horrible acento.

Los Brincos - Té me dijiste adiós

Los Brincos fue un experimento que se debe decir, dió buenos resultados. Por ahí, años después, correría el rumor que Los Brincos, al igual que The Monkees, no eran quienes tocaban sus instrumentos. Nunca se supo la verdad, puede que sea cierto, o bien puede que sea uno de los rumores que siempre se forman alrededor de los artistas exitosos.

Los Brincos - Los Brincos (1966)

DISCO

Mazzy Star, un sedante musical

2011-08-02T21:11:00.000-07:00

Puntuación: 3.5/5

Mazzy Star es una banda que básicamente está compuesta de dos integrantes, Hope Sandoval y David Roback, la primera escribe las letras y canta, el chico hace los arreglos musicales y toca los instrumentos. Este tipo Roback en realidad tiene buenos antecedentes, pues antes de formar Mazzy fue miembro de dos bandas de culto, ambas con discos en el top 5000 de esta página (Emergency Third Rail Power Trip y Happy Nightmare Baby). Sin embargo, la compañera de Roback en Opal, lo abandonó y este le halló reemplazo en Hope.

Mazzy Star - Five String Serenade

Puede que al igual que la mayoría de las casi 2,000 personas que han calificado este disco, yo también llegué a aventurarme a escuchar So Tonight That Might See, por el excelente señuelo que es Fade Into You, el único éxito de la banda a ambos lados del Atlántico. Una exquisita y tranquilizadora canción, de las mejores de su década. La razón por la que Fade Into You es una gran canción, es por que la voz de Hope Sandoval, que no es particularmente asombrosa, ni muy expresiva, va tan bien con ese sentimiento que es difícil de describir (¿pereza?). El que haya sido atraído por dicha canción, seguro esperaba encontrar más de lo mismo en el correr de este disco. La música de Mazzy Star es psicodelia, con mucho dream pop, guitarras distorsionadas y con algo de reverb. Por ratos suena a las pesadillas desquiciadas de The Doors, por otras suena algo más cómodo y relajante, pero si hay algo que te haga sentir este disco durante toda su duración, es sentirse drogado; con pereza, hipnotizado se podría decir para los de mente no tan abierta. Habrá quienes disfruten de sentirse así, pero a mí, en lo personal, So Tonight That I Might See, termina pareciendome un poco excesivo.

Mazzy Star - Fade Into You

Five String Serenade es la segunda mejor canción y no está ni por cerca de la excelencia de Fade Into You. No sorprenderá a nadie que en la canción 7, Unreflected, Sandoval cante "No tenemos mucho que decir", en realidad así parece, STTIMS nos dice poco, y aunque es un sedante sin comparación en mi colección, no es algo que estaré oyendo muy seguido.

Mazzy Star - So Tonight That I Might See (1993)

DISCO

Newermind, 20 años de uno de los discos más importantes de los últimos años

2011-07-29T17:58:00.000-07:00

Este próximo 7 de agosto estaré cumpliendo los que espero sean los primeros 20 años de mi vida. Una tarde de 1991 vine al mundo, y con casi dos meses de diferencia, soy más viejo que el disco del que hablaré hoy. No se si ustedes estarán disfrutando de mi viaje a traves de los 250 discos de la música Iberoamericana, yo por mi parte si lo estoy haciendo. Ayer que postié el Tiempos difíciles de Juan Carlos Baglietto, llegué a la marca de los 5 discos reseñados, y por esta razón es que he decidido darme/darles un pequeño break. Aún no me sorprende haber llegado hasta ahí, cuando llegue a los 15 discos reseñados habré batido mis expectativas.

Volviendo al tema del que quiero hablarles hoy, nos remontaremos al 23 de septiembre de 1991, día en que salió a la venta el disco Nevermind, de una oscura banda de Seattle que el sello Geffen acababa de contratar. En aquel entonces, el que conocía a Nirvana, era por su trabajo debut, Bleach, y seguramente se sorprendería al oír Nevermind, pues los que no hayan oído BLeach, lo cierto es que no se han perdido de mucho, ese es un disco ruidoso y desordenado, pero que dejó ver la grandeza de la banda, particularmente en una de sus canciones, About a Girl.

Nirvana - About a Girl

Nirvana dejaría el sello independiente Sub Pop, para firmar con el sello de David Geffen, discografica que tenía entre sus bandas a Guns N' Roses, la banda más grande en la esfera musical, claro, antes de Nirvana. Geffen no planeaba que Nevermind se vendiera como pan caliente, pero el primer sencillo, Smells Like Teen Spirit, seguía ganando mucho momentum. Con esta canción se abre el disco, Smells es una canción que estoy seguro la mayoría, sino todos de mis lectores han oído. Esta es una poderosa canción, creada en la base de tres sencillas cuerdas, y letras sin mayor significado. Se podría decir sin embargo, que en nuestros días, la canción ha sido prostituida hasta el cansancio, de tal forma, que ya no nos emociona el oírla en la radio.

Pero Smells Like Teen Spirit es solamente la primera canción de una colección de 12 poderosas canciones (13 si se quiere contar la canción secreta). Una vez que Nevermind empieza, ya no para. In Bloom, Come as You Are, Lithium, Drain You, Breed, etc. no hay una sola canción que no sea de alto nivel. Por ahí se encuentran canciones como Polly, una de las más oscuras canciones de la banda, y una de las más horribles canciones jamás escritas; no es que sea una mala canción, pero pongale oído a las letras, a lo que parece ser un secuestrador hablando sobre su victima. Drain You no es solamente mi canción favorita, sino que también la del mísmo Cobain. Y por supuesto, la última canción del disco, Something in the Way, una de las más "embrujadoras" (esa fue la traducción que encontré de "haunting"), en el catalogo de la banda. Nirvana llevo las cosas de regreso a lo básico, como dije anteriormente, los músicos no eran grandes prodigios de sus instrumentos, las letras generalmente carecen de un sentido claro, y sin embargo, hay algo en las canciones de Nirvana que nos incita a subir el volumen y querer patear todo lo que tengamos cerca. TTodo termina siendo sobre eso, el sentimiento denominado en inglés, "teen angst"; Nirvana lo encarnaba perfectamente.

Nirvana - Drain You

Sin embargo, nadie esperaba que el éxito se les viniera tan encima de la noche a la mañana, mucho menos el vocalista y líder de la banda, el señor Kurt Cobain. Nirvana pasaron de ser la apuesta de Geffen, a desbancar a Michael Jackson del número uno de ventas, llegando a vender 400,000 copias de su disco a la semana. Cobain era una persona psicologica y emocionalmente inestable. La respuesta de la banda al éxito alcanzado por Nevermind, fue sacar un disco completamente anticomercial, el último disco de Nirvana, In Utero, fue una bofetada a todo lo esperado, In Utero bien podría ser la contraparte de Nevermind, un disco más denso y profundo, y que el mismo Cobain consideró su obra maestra. Al final, todos sabemos como termina esta historia, termina con un electricista descubriendo el cadaver de Cobain de más de tres días en su casa en Seattle, Kurt se había quitado la vida, pegandosé un escopetazo en la cabeza. Creo que estarán de acuerdo cuando diga que Cobain es el último icono que la música ha tenido. Nos queda pensar que habría sido de él y de Nirvana, si no hubiese tomado la decisión que tomó...

Algunos piensan que la muerte de Cobain fue lo que terminó de consagrar a Nirvana, que Nirvana no es tan buena banda, que está severamente sobrevalorada y sobrereproducida, que si Kurt no se hubiera quitado la vida, ya serían muchos los que se habrían olvidado de la banda. Dejenme decirles algo, no pueden estar más equivocados. Nirvana fue una banda con potencial, una banda que nos habla de lo que significa hacer música, una banda sincera y sin pretenciones. Para el que no me crea, ahi está Nevermind para probar lo contrario. Y ustedes ¿cuando fue la última vez que lo oyeron?

Telekinesis - On a Plain

Pero al final, esta entry no se tratá de llorar a Cobain, se trata más bien de celebrar lo que nos dejó. Eso mismo está haciendo la revista Spin, quien se ha encargado de reunir una seria de músicos para grabar nuevas versiones de cada una de las 13 canciones de Nevermind. Entre estos artistas destacan dos de los consentidos de Cobain, los Meat Puppets y los Vaselines (ambos recibieron tributo de Cobain en el excelente disco que es el Unplugged in New York), y artistas más modernos como Titus Andronicus o Surfer Blood. Como todo disco tributo, terminaran preguntandose porque oyen eso en vez de oír "the real thing", pero hay un par de cosas interesantes que valen darle un par de escuchas. Pueden descargar ese disco de aca.

Puntuación: 5/5
Nirvana - Nevermind (1991)

DISCO

Viaje por la música Iberoamericana: Juan Carlos Baglietto - Tiempos difíciles

2011-07-28T18:10:00.000-07:00

Puntuación: 3/5

Casi sin qerer, me he estado tomando la libertad de comparar a los artistas que componen esta lista, con sus contrapartes en inglés. He comparado a Alaska y Dinarama con Blondie, el Odio Fonky con un Pink Flag y a Luis Alberto Spinetta con Lou Reed. Si me pidiesen la contraparte de Juan Carlos Baglietto, probablemente diría que es Todd Rundgren, pero una comparación más precisa sería con un cantaautor cubano, Silvio Rodríguez. La comparación es más que todo vocal, y hasta cierto punto en los arreglos musicales.

Cabe decir que Paul McCartney se refirió a él como:

"Técnicamente no es ninguna maravilla, pero su voz es extremadamente interesante. Maneja un amplio espectro de tonalidades [...] Hay algo en su voz que traduce melancolía."

Juan Carlos Baglietto - Mirta, de regreso

Éste, su disco debut, cuenta con la presencia de Fito Páez en los teclados, y además tiene el hito de ser el primer disco de música argentina en obtener un disco de oro en ese país. Tiempos difíciles es un disco de rock suace, muy al estilo de Something / Anything? de Rundgen; canciones suaces para sonar en la radio y talvez oírlas, acompañada de una copa de vino y una conversación pretenciosa. Sin embargo, sería injusto llamarlo rock inofensivo, pues los arreglos son competentes, y Baglietto cuenta con una fina voz; en la canción "Era en abril", debo aceptar que el artista llega a tocarme. Es acertado decir que parte de la fuerza de la canción radica en que en esta pista Baglietto hace dueto con Silvina Garre.

Juan Carlos Baglietto - Era en abril

Podría concluír que mi apreciación de Tiempos difíciles es que este es un disco más relevante por su historia que por su contenido. Tiempos difíciles es un disco consistente pero de baja intensidad, con poca variedad en las canciones, y que cuando intenta algo diferente en "La música del Río de la Plata", la idea no termina de cuajar en el contexto. Tiempos difíciles es un disco bueno, sino bien, no uno esencial, ni siquiera cuando se limita la lista a 250 discos de Iberoamérica.

Juan Carlos Baglietto - Tiempos difíciles (1982)

DISCO

Viaje por la música Iberoamericana: Jaime López y Jose Manuel Aguilera - Odio Funky: Tomás de Buró

2011-07-25T17:31:00.000-07:00

Jaime López es uno de los músicos más importantes e influyentes de la música mexicana. Ese es un hecho, pero no me extrañaría que se preguntasen que si es tan influyente, entonces ¿por qué nadie sabe de él? El hecho es simple, Jaime no es más famoso, simplemente porque él así lo desea. Si tu nombre es Jaime López, más vale que se te ocurra otra cosa si quieres triunfar en el espectáculo, sin embargo, Jaime nunca pensó en ponerse un nombre artístico que sonara más cool. He aquí un músico que se preocupa por dar un producto, que se siente complacido con que él esté contento con el trabajo realizado; que les guste a los demás, eso es secundario. Sin embargo, es evidente que cuando tienes como tus fans más asiduos a los chicos de Café Tacvba, entonces algo debes estar haciendo bien.

Jaime López y Jose Manuel Aguilera - Chilanga banda

Es a través de estos, que López ha estado más cerca del estrellato, pues los Tacubos hicieron una rendición de una canción presente en este álbum para su disco del 96, Avalancha de éxitos. La canción se llama Chilanga Banda, y es sin duda la composición más famosa de López, una medio canción de taberna y medio canción de rap, que utiliza el estilo de Nueva York, con un slang completamente neto de la ciudad de México. Algunas de las palabras han emigrado tan al sur que han llegado a nuestro país, sin embargo, no puedo decir que tengo idea de que habla la canción, pero es probable que un residente del D.F. sí la tenga. Chilanga banda es un excelente ejemplo del trabajo de López, quien para este disco se unió con el guitarrista de nombre José Manuel Aguilera, quien tocó con la banda La Barranca. No espero que conozcan nada al respecto de estos artistas, pero es posible que el oír este disco les despierte su curiosidad, pues a juzgar por lo presentado acá, Aguilera es un guitarrista bastante competente.

Jaime López y Jose Manuel Aguilera - Nadie da nada por su corazón

Odio Fonky es en esencia, un disco con buenas ideas. López y Aguilera componen buenas melodías, y cuentan con canciones interesantes, que sin embargo no tendrían cabida en ninguna radio estación. Con canciones como “Nuestro amor es ese gato negro, muerto en el baldío” o “Cara de memorándum o cutis de curriculum”, López y Aguilera demuestran tener un buen sentido del humor y del arte. Pero la verdad es que lo no-mainstream de Odio Fonky no se queda solamente en los títulos de las canciones, sino que es también de hacerles notar a mis seguidores, antes de que oigan este disco, que la voz de López es completamente horrorosa. Por largos ratos pareciese que no es nada más que un borracho cantando, aunque a menudo podremos disfrutar de un borracho cantando con sentimiento, nunca es esto más evidente que en la que considero es la mejor canción del disco, “Nadie da nada por su corazón”, con otro cantante, esa canción hubiese sido un éxito, aunque a mi parecer, perdería mucho de su grandeza. A menudo también se presentan fragmentos de diálogos, pistas enteras en las que oímos una telenovelesca voz femenina decir un par de versos interesantes en “Indian Summer” y “El suicida”. Si les sirhttp://www.blogger.com/img/blank.gifve para darse una idea, este disco bien pudo haber sido hecho por bandas como anglo como Wire o Gang of Four; así de bueno es.

Jaime López y Jose Manuel Aguilera - Odio Funky: Tomás de Buró (1993)

DISCO

Viaje por la música Iberoamericana: Makiza - Aerolíneas Makiza

2011-07-21T18:45:00.000-07:00

Tengo aun presente el día ne que mi amigo Brian llegó a la escuela, emocionado tras ver un programa de MTV latino, que poco tiempo estuvo al aire, sobre hip-hop latino. Brian solía llegar con ideas locas, pero ese día será recordado por haber dado la idea más "estupida". "Mara, deberíamos de hacer una banda de hip-hop urbano". Ese día se ganó un coscorrón y la burla de todos nosotros, sin embargo, en estos días que he estado oyendo el disco de Aerolíneas, me he dado cuenta de que Honduras bien podría necesitar de un Makiza. El hip-hop es un género prácticamente sin explorar en nuestro país; los que lo han intentado han terminado cambiandose al más popular y vacío género del reggaeton, y los artistas más populares que no son de este género, son hombres con más coraje que talento, y que con un par de buenas ideas, y dada la ausencia de competencia, han encontrado un lugar en los gustos de una audiencia que busca identidad. Las desigualdades sociales en Honduras son iguales, sino peores que el resto de América Latina, así que, Makiza hondureños ¿donde están?

Makiza - La Rosa de los vientos

Pero basta de hablar de una banda inexistente, y concentremonos en lo que ya está hecho. Makiza son básicamente cuatro jovenes "chilenos", que se unieron bajo este nombre, que viene del francés "maquissard", quienes eran unos rebeldes franceses durante la segunda guerra mundial, que se escondían entre los matorrales. Makiza está compuesto por Anita Tijoux y SeO2 en las rimas y el flow, Squat como dj, y Cenzi en la música. Al igual que sus contrapartes americanas, Aerolineas presenta artistas invitados en varias de sus 20 canciones. Ya que toqué el detalle, bien podría empezar por hablar de los defectos del disco, y es precisamente ese solo, su duración. Con 20 canciones, y más de una hora, éste terina haciendonos sentir que con las 15 mejores canciones hubiese bastado. Los chicos quisieron decirlo todo, y de veras que así pensaron, pues a pesar del éxito alcanzado, estos se ausentaron del mapa musical durante toda la década siguiente.

Pero hasta ahí; no hay mucho más que criticar a la banda, el trabajo de Squat y Cenzi en los beats está libre de toda crítica, la mayor parte de las canciones tienen excelentes ganchos, y mucho más excelentes son las rimas y las letras. Historias de imigración, gobiernos abusivos, padres abandonadores y mujeres luchadoras son mucho más fáciles de relacionarse cuando se cantan en tu idioma.

Makiza - In loco parentis

No oigo hip-hop con gran frecuencia, así que no es mucho decir que éste es uno de mis discos favoritos del género. A lo mejor preferiría que no lo oyeran. para que cuando aparezca el Makiza hondureño, a ustedes les parezca original ¿Que decís Brian?

Makiza - Aerolíneas Makiza (1999)

DISCO

Viaje por la música Iberoamericana: Alaska y Dinarama - No es pecado

2011-07-18T16:05:00.000-07:00

Que suerte que "No es pecado", el disco número 249 de la lista, no estaba más abajo, pues si hubiese visto esa portada antes de empezar el viaje, es probable que lo hubiese pensado dos veces. Lo cierto es que sin este proyecto, eventualmente hubiese llegado por mi cuenta hasta Spinetta, sin embargo, estoy seguro que de ninguna otra manera hubiese llegado a oír "No es pecado".

Puede que muchos no conozcan a Alaska y Dinarama, pero es bastante probable que conozcan algunas de sus canciones, interpreteadas por otros artista, como el "Ni tú ni nadie", popularizado más recientemente por Moenia, o una canción que salió originalmente en este album, "A quien le importa" interpretada más recientemente por Thalía. Alaska y Dinarama gue un conjunto español que durante la década de los 80s gozó de varios éxitos. Sin embargo, deben de saber que los años 80s se caracterizaron por ser relativamente pobres en lo musical; fue una época marcada por los excesos, muchas veces producto del uso y abuso de los sintetizadores que recién entraban en escena y que provocan que hoy en día. canciones de esa época nos suenen tan prehistóricas.

Alaska y Dinarama - A quien le importa

Nomás denle play a este disco y podrán notar como aparece un horrible sintetizador, seguido de unos sonidos guturales que seguro les haran querer expresar un "WTF?!?". Y a decir verdad no es solo en ese momento, sino que esos mismos excesos ochenteros están presentes a lo largo de todo el disco, haciendolo sonar viejo. Si bien los sintetizadores y algunas melodías suenan de antaño, hay algo que no envejece, y eso es la personalidad de la lideresa Olvido Jara, mejor conocida como Alaska. Cualquier banda de varones hubiese deseado tenerla, pues se debe decir que poseé un gran talento, se echa el disco encima, y es por ella que este disco se gana 3 estrellas de 5. Bien se podría decir que Alaska es el equivalente en español de Deborah Harry, lastimosamente, a No es pecado le falta para ser un Parallel Lines.

A pesar de que por ratos suenen viejas, ninguna canción presente en este disco molesta al oído, y si hay una que opaque a las demás, pues esa tiene que ser A quien le importa, seguramente una de las mejores canciones para la música en español de esa década y de la carrera de Alaska y Dinarama. La otra canción que me gustaría resaltar es precisamente "La funcionaria asesina", un canción que estoy seguro no hay que tomar en serio, y que me causa bastante risa, ya que incluye versos como: "Mi marido era un déspota feroz / lo quité de en medio, qué remedio. / Mi vocación se rebeló, me fascinó la sangre, / maté al siguiente con un alambre." o si no "Y los disuelvo con lejía, / los mato a sangre fría, / y los entierro enseguida". No cualquiera puede hacer sonar bien esos versos.

Alaska Y Dinarama - La funcionaría asesina

Alaska y Dinarama - No es pecado (1986)

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Viaje por la música Iberoamericana: Spinetta - Pelusón of Milk

2011-07-16T19:38:00.000-07:00

Si les diera curiosidad por saber sobre mis artistas o mis discos favoritos, notaran que estas listas están casi exclusivamente compuestas por artistas que componen en inglés, a excepción de Cafe Tacvba que está metido en ambas listas. Esto sería altamente comprensible, si yo hubiese crecido en Estados Unidos, Canada, Inglaterra o cualquier otro país anglosajón, sin embargo, lo cierto es que a excepción de un año que pasé en Finlandia, toda la película de mi vida se ha desarrollado casi exclusivamente en el area geografica-social conocida como América Latina, el nuevo mundo. Latinoamerica es un mundo mágico, y el que no me crea, que lea Eduardo Galeano, o por lo menos que le dé una oídita a la canción Latinoamerica de Calle 13.

Antes de empezar con este proyecto de por lo menos escuchar y calificar, y preferiblemente reseñar, los 250 discos de la música Iberoamericana, son pocos los artistas latinos que escucho a menudo, Caifanes, Cafeta y Soda Stereo, y el número de sus reproducciones son casi nulas al lado de sus contrapartes en inglés, The Smiths, Radiohead o los Beatles. También pienso que es poca la música en español que valga la pena, que nunca le he encontrado mayor gracia a Heroes del Silencio, y que constantemente me enojo porque en Much Music, como que es obligatorio que pasen una boludez argentina después de cada video en inglés.

Luis Alberto Spinetta - Seguir viviendo sin tu amor

Y que mejor lugar para empezar a rodar este proyecto, que con un disco de uno de los más grandes de la música en español; por supuesto que me refiero a Luis Alberto Spinetta. Si bien es cierto que jamás había oído una tan sola canción de él, y mucho menos un disco, conozco su nombre, y leyendo un poco más al respecto me he dado cuenta que ha sido un artista productivo y relevante de la música argentina desde finales de los 60s! Esté disco es de 1991, el año en que nací, y más de 20 años dentro de la carrera musical de Spinetta, y aún así consigue colarse en la lista de los mejores discos de la música Iberoamericana. La importancia de Spinetta para la música en español, solo puede ser comparada con la de un hombre de la talla de David Bowie o de Lou Reed. Sin embargo, es de lamentar, que la música de Spinetta no alcance a subir desde las pampas argentinas hasta las frecuencias radiales centroamericanas. El que conozca de Spinetta por estos lares, es porque en realidad le gusta la música, de otra forma, este tipo nunca llenaría una sala de cine matiné en países como el mío.

Repito que Pelusón of Milk ha sido el disco apropiado para empezar a acabar con mi prejuicio contra la música en español. Spinetta es mejor de lo que esperaba, pues creía que iba a toparme con un montón de basura pretenciosa, y me doy cuenta que Spinetta cuenta con una voz particular, cargada de misterio y amor a su profesión. También me he dado cuenta que tiene un gran don para la melodía, y que canciones como Seguir viviendo sin tu amor, Ganges o Cielo de ti, no tienen nada que desearle a los mejores singer/songwriters en habla inglesa. De igual manera, yo no parezco perceptir las replicas de la "etapa sintetizador" que Spinetta, al igual que muchos artistas, sufrieron durante los 80s. Los sintetizadores utilizados en este disco son bastante sutiles, es de notar el sentido de paranoia alcanzado en la canción "Domo tu", probablemente mi favorita, además de la pista que abre el disco.

Luis Alberto Spinetta - Domo tú

Si este fuese considerado el mejor disco de la carrera de Spinetta, estaría convencido, sin embargo, este viaje apenas comienza, y hay todavía muchos más discos de Spinetta en el camino; muchos más discos en general.

Luis Alberto Spinetta - Pelusón of Milk (1991)

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El hombre más alto del mundo es sueco

2011-07-12T21:08:00.000-07:00

Hace un par de semanas atrás, alguien me ofreció comprarme el bajo, instrumento musical que adquirí en el noveno grado, y que se lo compré a Juan Sebastián Laínez, maestro de inglés y además miembro de la banda de metal hondureña, Delirium. El bajo tiene historia, lo pueden observar incluso en el documental Honduras Rock. La verdad es que me gustaba el instrumento, sin embargo, me he dado cuenta que nunca logré cumplir mi sueño de tener una banda. Hubo un breve lapso de mi vida en la que la tuve, pero fue tan solo un par de ensayos, y la batuta creativa no corría a mi cargo como me hubiese gustado. Es ahora que estoy llegando al segundo decenio de mi vida, que me doy cuenta que no pude hacerlo cuando más tiempo y facilidades tenía, será muy difícil que pueda hacerlo ahora. Tocar un instrumento es sano, es recreativo y además, la música es mi pasión, por lo cual no pienso en alejarme de la música; en diciembre recibí una linda guitarra electroacustica negra, y me dí cuenta que con ella podía hacer cosas que no podía con el bajo. Tratén de sacar un bajo en una noche de fogata y entretener a la multitud. Suerte, puede que la ocupen.

Hablo de todo esto, simplemente porque es impresionante cuanto puede hacer una guitarra y un artista inspirado que siente el amor por la música. A veces la técnica queda como algo secundario, cuando se puede escuchar el "soul" en la voz garrasposa de un artista. No es por nada que un hombre llamado Robert Zimmerman sea el unico músico que ha sido nominado al premio Nobel de Literatura. Sin embargo, lo más probable es que ustedes conozcan a Bobby por su nombre artistico, Bob Dylan. Allá en los años 60s, las canciones de Bob vinieron a revolucionar la música, ya no se ocupaba que tu canción durase 3 minutos para sonar en la radio, los músicos podían salir con sus composiciones originales, y en estas, podían lanzar un grito contra el sistema. Recordemos que aquella era una sociedad que se encontraba viviendo la atrocidad de la Guerra de Vietnam, una sociedad de jovenes más conscientes que buscaban una voz y que se confundieron, creyendo haberla hallado en la voz de Bob Dylan. El mismo Dylan vio para donde iba la cosa y prefirió hacerse a un lado, sin embargo, canciones como The Times They Are A'Changin' o Blowin¡ in the Wind, nos dicen que no era pura imaginación de todos aquellos que vieron un lider en Bob Dylan.

The Tallest Man on Earth - The Wild Hunt

Los años han pasado, y muchas cosas han sucedido en el firmamento de la música. Las maquinas hoy en día toman gran parte del proceso de hacer música, atrocidades vanales como el reggaeton o el pop prefabricado invaden las radios, y entre tanta basura, no solo en el ambito musical, ¿no será que ocupamos otro Bob Dylan?

Fue en el año 2008 que The Tallest Man on Earth se dio a conocer por primera vez. TTMOE es un chico sueco de 28 años que responde al nombre de Kristian Matsson. Basta oirlo un par de veces para saber que su talento y su técnica musical es comparable a la del gran Dylan, pero en mi humilde opinion, http://www.blogger.com/img/blank.gifno es a Dylan a quien más se asemeja este cantante, sino más bien al idolo de todo irlandés. Y no, no me refiero a Bono de U2, la personas de quien hablo es Van Morrison, cantante que durante los años 60s creo en otras cosas, un maravilloso disco que corre bajo el nombre de Astral Weeks. Astral Weeks es el equivalente musical deleer un libro de proverbios chinos. A lo mejor no tanto asñi, pues las letras de sus canciones son trivales, pero hay algo en sus canciones, que hacen que un ateo como yo, diga que su música es espiritual.

The Tallest Man on Earth - King of Spainhttp://www.blogger.com/img/blank.gif

El sonido de The Tallest Man on Earth es simple, solo un hombre y su guitarra. Y saben que? Si esté tipo se pusiese a tocar en una fogata, yo podría quedarme oyendolo hasta que los leños se consuman.

The Tallest Man on Earth - The Wild Hunt (2010)

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Un elefante de rayas blancas

2011-07-09T21:02:00.000-07:00

Hace apenas un par de semanas atras que Jack White anunció su divorcio de la modelo Karen Elson. ¿Y como lo hizo? Pues haciendo una fiesta para celebrarlo juntos. Se casaron felices y supongo que es razonable que se separasen felizmente. Unos meses antes, Jack y Meg White anunciaban el fin de The White Stripes, tras casi 4 años de un parentesis, y tras un disco en vivo, que parecia estar calentando motores para un nuevo lanzamiento. Con eso se dió el fin de la banda que la mayoría de los no tan dedicados a la música, posiblemente solo los recordaran por ser aquel duo que pretendían ser hermanos y que luego se descubrío que en realidad estuvieron casados por varios años. Que se les recuerde solo por eso, sería una pena, pues el mísmo Jack White declaró que la unica razón que tuvo para decir que Meg era su hermana, era que la prensa no se fijara en su relación y se concentrase en la música que estos hacían.

White Stripes - I Just Don't Know What to Do With Myself

A lo mejor la mayoría aún lo recuerden, pues no fue hace mucho cuando The White Stripes surgió con su tercer disco, para liderar el movimiento que se denominó Garage Rock Revival. Jack se encargó de sacar el blues del ático del abuelo para volver a jugar con sus infinitas posibilidades. Jack claramente tiene dentro de sí, el alma de un músico negro de principios del siglo pasado. Su voz es agría y delicada, y sus dedos pueden jugar muy bien con las cuerdas de una guitarra, ya sea un finger picking acustico como en You've Got Her in Your Pocket, o en un desquiciado solo electrico como en Ball and Biscuit. En Elephant, Jack prueva también tener un don para la melodía, transformando la canción I Just Don't Know What to Do With Myself, y de paso creando dos de los estribillos más memorables de la década de los 2000s, con The Hardest Button to Button y por supuesto Seven Nation Army, sin duda, una de las mejores canciones de la década pasada.

The White Stripes - Seven Nation Army

Si bien es cierto que Jack White es nada más la mitad de The White Stripes, es indiscutible que él es el más talentoso de la ex-pareja.http://www.blogger.com/img/blank.gif Meg White está ahí, tratando de mantener todo unido y en orden, pero no es sorpresa que dadas sus limitaciones, Jack haya optado por ventilar su creatividad por otros medios como The Raconteurs o The Dead Weather. Sin embargo, hay que darle algo de mérito a Meg, que algo tendrá ella, pues lo es como The White Stripes que Jack ha hecho sus mejores albumes, y el mejor de ellos, definitivamente es Elephant.

The White Stripes - Elephant (2003)

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Mis Baladas Rock Favoritas #18

2011-07-02T12:10:00.000-07:00

A traves de estos 20 posts, estaré contandoles un poco más a fondo sobre la historia de las baladas, y ssobre el concepto de estas, pues me puedo imaginar que la mayoria de nosotros oímos una canción en la radio y automaticamente la calificamos de balada, sin embargo no sabemos quee es exactamente lo que hace tal. Es acaso el ritmo lento y triste? o son las letras que hablan de amor?

A decir verdad, las baladas existen desde hace mucho tiempo, y es recien ahora en la epoca moderna que el concepto de amor se ha apegado tan fuertemente al género de las baladas. Y asi es, en la actualidad, la mayoria de las baladas hablan ya sea de amor, o como es en el caso de la cancion del puesto número 18, estas hablan de desamor. A decir verdad, toda la carrera de The Smiths y de Morrissey como solista se ha basado en ese complejo sentimiento. En su último disco de 2009, Years of Refusal, encontramos a Morrissey hablando de lo mismo que hablaba en los años 80 con The Smiths, aún así, nunca nos aburre. El que haya hablado conmigo alguna vez sobre música, sabra entonces que The Smiths es mi banda favorita, y que no podia hacer falta en esta lista. En esta ocasion, he decidido compartir la que puede que sea la más bleak de su discografia tan llena de este tipo de canciones deprimentes. "Se que termino, aunque en realidad nunca empezó, pero en mi corazón fue tan real . . .", dice I Know It's Over, de la obra maestra de The Smiths, The Queen Is Dead.

The Smiths - I Know It's Over

Oh Morrissey, el tipo necesita un abrazo. Algunos diran que estas canciones son muy deprimentes, pero a mí en lo personal siempre me hizo sentir bien, el saber que no era el único que se sentía así, y que muchas personas a traves de los años y por todo el mapa mundial se identifican y se seguiran identificando con estas canciones. Muy acertadamente dice Moz en otra de sus canciones:

"Pero no te olvides de las canciones que te hicieron llorar

y de las canciones que salvaron tu vida.

Sí. Ya eres mayor y eres un cerdo astuto

pero ellas fueron las únicas que siempre estuvieron a tu lado."

Mis Baladas Rock Favoritas #19

2011-06-30T16:18:00.000-07:00

Chicago, otra de las bandas inmortales de la radio, y no me extrañaría que estuviese entre los 10 artistas que más rotación reciben. El hecho es qye las canciones de Chigago fueron hechas para la radio, y no me sorprendería que los mismos músicos que las compusieron, las hayan escrito pensando en que seguirían sonando por las decadas venideras. El amor es universal, y lo encontramos en todas las epocas y siglos, ya sea en obras como Romeo y Julieta, o en las películas o los poemas de Neruda, y aún así, por más bombardeados que estemos de este concepto, nadie esta seguro si en realidad existe o no.

Sin embargo, hay algo que todos relacionamos con el concepto de amor, y no sé si será algo personal, pero siempre he sentido que las canciones de Chicago destilan ese sentimiento. Recuerdo mi maestro de historia en secundaria, cuando en los ias finales del año lectivo, cuando ya habíamos cubierto todo el contenido del año, él traía una grabadora y compartía con nosotros sus canciones favoritas. Una de ellas, Chicago, If You Leave Me Now; nos contó como la ponían cuando acompañaba a su hermana a los bailes, cerraba los ojos, y cantaba con más pasión que técnica y se perdía recordando quien sabe que antro setentero.

Chicago - You're the Inspiration

Así es, las canciones nos marcan los acontecimientos de nuestras vidas, y estas estarán unidas a memorias, que puede que con el tiempo se nos olviden, pero que reviven cada vez que suena esa canción en la radio. Yo mismo entré hace un par de meses en una mini-obsesion con la banda, sinoe me creen, preguntele a mi amigo Noel. No fue en realidad que estuviera enamorado, sino que simplemente, canciones como If You Leave Me Now, You're the Inspiration, Hard for Me to Say I'm Sorry o el Glory de Peter Cetera como solista, producen en mí un efecto en mí, como si en realidad lo estuviera.

Mis Baladas Rock Favoritas #20

2011-06-29T19:41:00.000-07:00

Creo que es difícil poder vivir sin que existan las buenas baladas. Notesé, dije baladas y no baleadas, aunque también se me hace difícil un mundo sin tortillas de harina con frijoles fritos, pero este no es un blog gastronomico, asi que la palabra a la que hacía mención es "balada". Para este día como pueden ver, he decidido hacer algo un poco diferente. He dejado los articulos de discos y artistas de lado, pues me toma algo de tiempo ponerme a oirlos y leer al respecto de ellos, antes de escribir el artículo, y esta vez estoy recayendo en cliches para agilizar un poco el posteo.

Pues decidí empezar haciendo una lista de mis baladas rock favoritas, porque son algo que siempre me encuentro dispuesto a escuchar. Si bien es cierto que hay días y momentos más apropiados para ponerse a oír Wicked World o Suspicious Minds, la verdad es que aceptaría oír esas canciones culaquier día de la semana. Es cierto, puede que despues de unas dos horas se vuelva muy azucarado y haya que diluir un poco las cosas con más agua (o alcohol). Hubo un momento en que los artistas comenzaron a abusar de este estilo, las bandas que una vez eran conocidas por su pesadez y rebeldía, de repente "desnudaban su alma" y aparecían con canciones sentimentales, que terminaban convirtiendose en sus mayores exitos comerciales, siendo el caso más evidente Home Sweet Home de Motley Crue y Nothing Else Matters de Metallica. Habrán puristas que prefieren sus primeros trabajos, pero la verdad es que esas dos canciones son muy buenas.

Bueno, originalmente pensaba hacer uso de esta lista ya existente, una excelente página, y pensaba usar las diez que aparecen ahí, pero me di cuenta que no tenia mucho chiste y preferí hacer mi lista propia, con mis baladas favoritas, y expandir el número a 20 (creanme, aún no sé donde meter algunas que quedaron fuera). Es bastante probable que se me haya olvidado alguna, aparte solo puse una por artista, y es probable que no todos esten de acuerdo con mis selecciones, pero los comentarios son bienvenidos, y espero descubran alguna nueva cancion que les acompañe en esas noches largas.

20. Extreme - More Than Words

Habrá que aceptarlo, pero tristemente, la verdad es que muchas grandes canciones han sido prostituidas hasta el cansancio por la radio, Hotel California y Stairway to Heaven siguen siendo maravillosas canciones, pero molesta un poco el hecho que esten siempre en la radio, al menos a mí. More Than Words ha estado al borde de convertirse en una de esas, supongo que la mayoria en esta lista son victimas de Super 100, pero que se le va a hacer, las canciones siguen siendo las mismas, y siguen siendo geniales, y talvez deba de escuchar menos la radio, y talvez deba de dejar de quejarme tanto y contarles un poco sobre Extreme.

Extreme era una banda que se caracterizaba por un sonido pesado, un tipo de funk metal parecido al Red Hot Chili Peppers y Faith No More de los 90s. A decir verdad, yo personalmente pienso que su mejor disco, "Pornograffitti", es una atrocidad. Un tipo eslovaco que hospedé un día, me dijo que esta era su banda favorita, pero a decir verdad, la mayoria de personas recuerda a Extreme nada más por ser la banda que nos trajo More Than Words, que presto a su vocalista Gary Cherone, para la catastrofe que fue Van Halen III y por tener ese buen guitarrista portugues. Me refiero a Nuno Bettencourt, quien fue quien compuso la cancion. Era 1991 cuando salió esta canción, y aún no existia el chat y los mensajes de texto, pero Cherone y Bettencourt escribieron esta canción en protesta de como se estaba perdiendo el significado de la frase "I love you". Si jovenes, a veces se ocupa más que solamente decir esas palabras. Ah si, también se supone que esta era la canción favorita de Selena.

Tengan! Para el verano

2011-06-26T08:37:00.000-07:00

Vivimos en un país carente de estaciones de clima, al menos en el sentido tradicional de la palabra. Todos los que crecimos viendo series y caricaturas Americanas sabemos distinguir entre la hermosa primavera, cuando el amor está en el aire, el verano que es sol, playa y diversion, el reflexivo otoño cuando las hojas caen y por supuesto, el crudo invierno, que sin embargo a los que vivimos en estas latitudes, no podemos evitar pensar que la nieve es toda diversion, por experiencia sé que no lo es. Sin embargo, lo cierto es que en nuestro país nada más existen dos temporadas, la seca y la lluviosa, y con el enloquecimiento del clima en los últimos años, es muy difícil poder diferenciar entre las dos. Sin embargo, vivimos altamente influenciados por la cultua americana, y aunque no sea cierto, nos gusta pensar que en estos momentos estamos en verano.

Cults - Abducted

El calendario marca el 21 de junio como el primer día del verano, así que aún seguimos en la primera semana de verano. Supongo que nadie está al tanto de esa fecha y prefiere llamar verano cuando empiezan las vacaciones. Sé que mis amigos ya piensan en irse un fin de semana a la costa Atlantica, aunque dudo poder acompañarlos. Lo cierto es que cada verano viene con su canción veraniega, una canción que marca la estación. En América Latina se podrían incluir "el Meneadito" o "pasame la botella", pero he aqui una lista de las canciones de verano de cada año para los estadunidenses, como podrán ver, muchas de esas se podrían filtrar en nuestras propias listas. Sin embargo, en este blog preferimos alejarnos de las convencionalidades que suenan en la radio todos los días, y otros amantes de la música indie como yo, han organizado una lista de las canciones indies del verano desde que el internet es el nuevo televisor:

2001: The Strokes – “Last Nite”
2002: The White Stripes – “Fell In Love With A Girl”
2003: Yeah Yeah Yeahs – “Date With The Night”
2004: The Killers – “Somebody Told Me”
2005: LCD Soundsystem – “Daft Punk Is Playing At My House”
2006: Gnarls Barkley – “Crazy”
2007: Justice – “D.A.N.C.E.”
2008: MGMT – “Electric Feel”
2009: Phoenix – “Lisztomania”
2010: LCD Soundsystem – “Drunk Girls”

Pues ya solo falta la seleccion para el 2011, y la apuestas, incluyendo la mía van con esta nueva banda de Nueva York, que se conoce bajo el nombre de Cults. Cults son nuevos, así que hay poco que decir de su historia, a penas empiezan. La banda es en realidad un dueto compuesto por Brian Oblivion y Madelline Follin, y su musica es el mejor pop azucarado, por lo menos desde Best Coast el año pasado. No miento al decir que este es el tipo de música de la que más disfruto, pop bien hecho, sin caer en las vanalidades de artistas como Ke$ha o Katy Perry, y sin necesitar de gran número de metaforas y alusiones literarias como Bob Dylan, para expresar lo que todos sentimos, llamase amor, diversión o la alegría de ser jovenes. El sonido de la banda esta claramente influenciado por los grupos de chicas de los años sesenta, como las ROnnettes, las Shangri-Las o Diana Ross & The Supremes, por momentos pensaran que es una de esas bandas la que están escuchando. Todo se reduce a la simplicidad y a la melodía de las canciones, la voz de Madelline es tan dulce, que me hace sentirme enamorado de ella, a pesar de que en todas sus fotos aparece con el pelo en la cara (a lo mejor no es tan bonita como la imagino).

Cults - Go Outside

Pues sí, ahí arriba les dejé la que sé será mi canción del verano y que espero la escuchen y a lo mejor coincidamos. Si les gusta Go Outside, no duden en conseguir el disco entero, que está repleto de canciones de igual calidad.

Cults - Cults (2011)

DISCO

So What Cha What Cha What Cha Want???

2011-06-24T19:28:00.000-07:00

Espero y hayan disfrutado de los Beastie Boys en la entrada de hace un mes. En aquella ocasion hablaba sobre su último disco, el Hot Sauce Committee Part 2. En esta ocasion les contaré un poco sobre Check Your Head, lo que fue su tercer disco, sin embargo, pido disculpas por no poder proporcionarles un link de descarga, pues por experiencias pasadas, creo que los Beastie Boys o sus managers están muy al tanto de mi blog.

Beastie Boys - So What Cha Want

No creo que necesite contarles nuevamente sobre la historia de la banda, a decir verdad, hago esta entrada, pues este fue el disco que se me asigno en la página de internet de Rateyourmusic para reseñar. Los Beastie Boys encontraron gran éxito cuando recién salieron, vendieron muchos discos, sin embargo, su segundo disco, considerado su obra maestra, fue un fracaso. Paul's Boutique formaría lo que sería la base de todo el hip-hop por venir, ya que hacia un uso, casi abusivo, de oscuros samples, sobre los cuales los B-Boys formaban sus canciones. No solo se quedaron con cajas llenas de copias de Paul's Boutique, sino que también se les demando por el uso de algunos samples. Es seguro que muchas otras bandas hubiesen tomado el famoso sophomore slump (fracaso del segundo disco), como una señal de regresar a flippear hamburguesas, pero a los Beastie poco les importó, pues en 1992 regresan con este gran disco. CHeck Your Head es notablemente un cambio de su ppredecesor. Muy pocos samples se encuentran acá, y la música es mayormente producto de los chicos tocando sus instrumentos. Este disco es bastante unico, y además muy variado. Aquí encontramos las potentes canciones de hip-hop, las pesadas canciones del pasado hardcore de la banda, y por supuesto que no pueden faltar las geniales canciones instrumentales. El estilo de los Beastie Boys se hace notar hasta en las canciones que carecen de interpretaciones vocales. La mejor cualidad del disco es que es bastante consistente, la unica canción que sobresale es So Whatcha Want?, una de las mejores de la banda. Si buscan un solo disco de los B-Boys, debe de ser este.

Beastie Boys - Check Your Head (1992)

Puede que hallen aca el disco, o puede que los Beastie ya lo hayan bajado.

Don't you step on my blue SUEDE shoes.

2011-06-20T19:49:00.000-07:00

Para entender bien a Suede, hay que conocer el contorno en el que aparecieron. Son los principios de la década de 1990, y el ambiente musical está principalmente dominado por un género que puede que ustedes conozcan. Salido de los suburbios de Seattle, en el estado de Washington,una serie de bandas lideradas por el Nirvana de Kurt Cobain se presentaban bajo el nombre de "grunge". El grunge se volvió tan importante, pues sacó al vacío género del Hair Metal de la escena y volvió lo alternativo parte del mainstream. De repente, no solo estas bandas, sino sus idolos aun no reconocidos como R.E.M. o Pixies se abrían a tener una audiencia más grande. Pero cabe decir que todo esto ocurría solamente en los Estados Unidos. Al otro lado del Atlantico está Gran Bretaña, donde siempre hay buena música.

En la isla de Britannia, los dos géneros que dominaban precio a la entrada de Suede, eran dos géneros que tuvieron poca vida, el sonido de Madchester, obviamente de la ciudad de Manchester, que mezclaba guitarras psicodelicas con beats electronicos, y cuyos principales exponentes fueron los Happy Mondays y los Stone Roses. Por el otro lado tambièn existia un género lleno de reverb y pedales de efectos; hablamos del shoegaze, dominado por My Bloody Valentine, Slowdive y Ride. Como dije anteriormente, estos géneros ya venían en decadencia y la audiencia ya se encontraba a la expectativa de la próxima cosa más grande. Es por esto que no sorprende que Suede no había sacado aún ni un solo sencillo, cuando ya aparecian en la portada de Melody Maker como los nuevos heroes de Inglaterra.

Suede - Animal Nitrate

Por más androgino y homosexual que se pueda entender al lider y vocalista de la banda, Brett Anderson, la verdad es que éste estuvo en una relación con Justine Frischmann, la chica que canta en Elastica, con quien empezó la banda, pero esta lo abandonó para irse con Damon Albarn, vocalista de la banda Blur. Sin saberlo aún, este grupo de chicos se encontraban engendrando un nuevo sonido. El nacimiento del género conocido como Britpop está fechado en el día en que se publicó la revista Select, con Brett Anderson en la portada, y con páginas dedicadas a bandas como Pulp y St. Etienne. Este género dominaría todo lo que fue la primera mitad de la década, siendo la banda comercialmente más exitosa, el Oasis de los hermanos Gallagher.

El nucleo de Suede era el vocalista Brett Anderson y el guitarrista Beernard Butler, dueto responsable de componer todas las canciones en los primeros años de la banda. Si bien Suede no pretendía formar una nueva escena, el sonido de su disco eponimo debut de 1993, fue usado para definir el género. Suede es el disco que presenta el sonido de la banda, siendo la voz particular de Anderson el elemento que más los dfine. Con un poco de otro mundo de David Bowie, y otro poco de "Britishness" de Morrissey y The Smiths, la banda tenía un sonido cargado de erotismo, frecuentemente homosexual, que estaba presente en las melodías y en las letras. Animal Nitrate, la canción más sobresaliente del disco es también es una de las más horribles jamás escritas. Esta nos habla, a mi entender, de la muerte de un padre que abusaba de su hijo, y como este ahora comprende que llego a disfrutar de ese acto . . .

Suede - Stay Together

Como es de pensar, Anderson y Butler no disfrutaban de ser encasillados bajo el termino Britpop, y por esto fueron evolucionando su sonido, a uno más denso y oscuro que culmina en la que sería su obra maestra, Dog Man Star de 1994, un disco más acabado y más maduro y que en canciones como The Asphalt World no temía en perderse en largos pasajes instrumentales. Sin embargo, desde que la banda salió de gira para promocionar el debut, se empezaron a presentar problemas de corte extra-musical. En los Estados Unidos, recibieron una demanda de derechos de autor, por parte de una oscura cantante de Cabaret, que clamaba ser dueña del nombre Suede, obligando a la banda a presentarse como The London Suede, cosa que no gusto a nadie. El guitarrista Bernard Butler empezó a presentar diferencias con los otros miembros de la banda, a tal punto que llegaba a ausentarse de conciertos, y a viajar por sus propios medios. Cuando Dog Man Star salió en 1994, Butler ya no era parte de la banda.

La ausencia de Butler disminuyó notablemente la calidad de la banda, sin embargo, el tercer disco, Coming Up, tenía un sonido más amigable y se convirtió en el de mayor exito comercial de su carrera. El siguiente lanzamiento, Head Music, dividió a los fans en opiniones de las nuevas direcciones que adoptaban y tanto para este, como para su ultimo disco, Suede incluyo teclados en su alineacion. A New Morning quizo dar un cambio radical a la banda, y este disco significó su mayor fracaso comercial. La banda continuo trabajando en un nuevo disco, pero para 2003 ya se habían desunido.

Suede - The Wild Ones

Durante este tiempo, los una vez peleados Anderson y Butler se reconciliaron, e incluso sacaron un disco bajo el nombre de The Tears. En 2010, los fans de la banda se alegraron al enterarse de la reunión de la banda, si bien, siempre con la ausencia de Butler, para una serie de conciertos. En ese mismo año la banda publicó The Best of Suede, una compilación de sus mejroes canciones, y siguiendo con la tradición de las bandas que se reunen, Suede siguió este año reeditando todos sus discos en formato deluxe, remasterizados, con demos y b-sides e incluso un DVD documental de cada uno. De igual manera, la banda no descarta sacar un material con música inedita, pero dice que si este no es de calidad, que prefieren no publicarlo. Así debería de ser siempre.

DISCO

Los monos del artico quieren que lo chupes

2011-06-15T16:51:00.001-07:00

Llevaré cerca de dos seamnas escuchando a Arctic Monkeys, sus cuatro discos y creo que puedo decir con certeza que son una banda bastante promedio. Si bien en su catalogo se encuentran canciones de alta calidad, clásicos de la música moderna como I Bet That You Look Good on the Dancefloor o Fluorescent Adolescent, la banda no llega a ser tan constante a lo largo de un disco de longitud. Los monos son una banda que en serio desearìa poder disfrutar más. Un amigo los ama, otra chica que conozco piensa que son geniales, yo en lo personal, procuro callarme cuando hablan al respecto.

Arctic Monkeys - I Bet That You Look Good on the Dancefloor (2005)

Arctic Monkeys se formaron en Sheffield, una de las más grandes ciudades de Inglaterra, que sin embargo, no tiene nada de especial. Soprenderá a muchos que Liverpool, Newcastle, Shrewsbury y Sheffield sean los unicos 4 lugares que este servido conoce de Inglaterra. SIn embargo, es probable que algo haya en el agua que ahí beben, pues esa ciudad ha producido artistas como Human League, Def Leppard, Joe Cocker y principalmente, la banda de Britpop de los años 90, Pulp. A esto se le suma que de ahi viene la muy influyente disquera Warp. Los Arctic Monkeys empezaron a tocar ahí, crearon bulla, y de la noche a la mañana eran los nuevos queridos de la revista National Music Express, mejor conocido como NME. Esta alianza, y gracias a los nuevos medios (su página de MySpace recibía miles de visitas diarias, sin que la banda supiese de su existencia), ayudarin a que sacaran una serie de EPs que culminarían con el disco Whatever People Say I Am, That's What I'm Not de 2006. Él que es considerado por sus fans y críticos como el mejor trabajo de estos. Claramente los monos se burlaban de la prensa y de las expectativas que podían crear, de la misma forma que The Strokes lo había hecho en 2001 con su Is This It? A decir verdad, estos dos discos son bastantes parecidos, ambas bandas sacaron su debut con 5 años de diferencia, pero en un momento en que el medio ocupaba de más guitarras. WPSIATWIN es exactamente eso, un disco de guitarras, rápido, con pocos espacios para respirar, con buenos riffs, sin exagerar las técnicas de producción y con una presencia notable del bajo y la batería. A esto se le agregaba los títulos largos de las canciones, tan de moda en aquellos años, y letras perspicaces y cómicas de Alex Turner, esto último separo a la banda de todos los demás. WPSIATWIN se podía oír como un disco semi-conceptual, un disco sobre una noche de locura adolescente, un American Graffitti o Dazed and COnfused de la década pasada.

Arctic Monkeys - Cornerstone (2009)

Luego vino Favourite Worst Nightmare en 2007, un disco poderoso, un poco más pesado, pero para variar, Alex Turner dejaba de gritar y de hecho cantaba en un par de canciones. Sin embargo, para su disco de 2009, la banda casi decidió reinventarse, y si no fue así, pues de igual forma lo consiguieron con la ayuda de Josh Homme de Queens of the Stone Age como productor, quien inyectó en la banda bastante del sonido Stoner Rock por el que se le conoce. En aquel momento probablemente por la decepción que sentí de sus primeros dos trabajos discograficos, o por la sugestión de haber leído un artículo sobre la banda que preparó la revista Mojo, pero me atreví a calificar a Humbug, como el mejor disco de la banda, ya que este funcionaba como álbum y que no dependía tanto de los one liners de Turner.

Ahora que he revisitado la discografía compleata antes de escribir este artículo, pues me he dado cuenta de que Humbug es difícil de digerir, difícil de escuchar, draggea bastante y que es poco memorable, y que probablemente necesitaba más de lo que hizo saltar a mis amigos en los primeros dos discos. En Humbug escuchamos una banda completamente diferente, más QOTSA que Arctic Monkeys. Para su más reciente disco, los monos sacaron a Homme de la silla de productor (aunque este aparece proveyendo vocales de fondo en una pista), y regresaron a trabajar con el productor de su segundo disco, James Ford. Si bien puede que los Arctic Monkeys no vayan a recuperar el éxito comercial alcanzado con su debut (WPSIATWIN es aún el disco debut más vendido en el Reino Unido, un gran logro en esta era de piratería), este hecho no parece importarles mucho. Ellos han evolucionado, y no se le puede criticar a una banda por innovar y jugar con su sonido en formas nuevas. Suck It and See incluso ha sido censurado en los Estados Unidos, por su potencialmente ofensivo título, que en realidad es slang inglés para decir "chequealo y decime", lo cual prueba que el estrellato nunca ha sido lo que Alex Turner y compañía han ansiado.

Arctic Monkeys - Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair

Por supuesto que Suck It and See es más parecido a Humbug que a los primeros dos discos, lo cual muestra que la banda ha apreciado el sonido que crearon en su disco anterior, y han seguido en esa dirección. Sin duda que Suck It es hasta ahora, el mejor disco de Arctic Monkeys, aunque este debe verse como la suma de todas sus partes. Tal como su antecesor, aquí el sonido de la banda es más sludgy, y hasta momentos que podrían sonar como los primeros álbumes son completamente distintos cuando se le agrega una densa atmosfera. Los standouts son el opener She's Thunderstorms, The Hellcat Spangled Shalalala y That's Where You're Wrong, sin embargo, es evidente que ninguna de estas canciones pasará a estar entre las mejores de la década, y lo más seguro es que los que disfrutaron de los dos primeros discos, no vayan a estar de acuerdo conmigo que este es su mejor trabajo, pero hay que afrontarlo, a pesar de que la banda nada más lleve 5-6 años de carrera, han sacado 4 álbumes y han crecido evidentemente. Es seguro que Arctic Monkeys seguiran dando de que hablar en lo que queda de esta joven década.

DISCO

Un sistema de sonido de cristal líquido

2011-06-08T12:29:00.000-07:00

El día de hoy les voy a hablar de un artista/banda, que al igual que los White Stripes, dijo adiós este año al mundo de la música. Si bien hemos visto en los años recientes, que hasta los bandas que han realizado los más legendarios "últimos conciertos", se han decidido por ganar un poco de dinero extra por re-explorar las glorias de su pasado. Poderes comerciales como The Police, Soda Stereo, Heroes del Silencio, bandas de culto como Blur, Pavement o Rage Against the Machine, e incluso bandas que prostituyen nombres como The Doors o Queen, están reuniendose a la orden del día. Pero volviendo a James Murphy y LCD Soundsystem, el sí parece estar hablando en serio.

Murphy desde un principio se caracterizó por ser la imagen de un sonido indie astuto e inteligente. Yo escuché su música por primera vez a través del videojuego FIFA 2006, ahí se incluía la canción Daft Punk Is Playing at My House. Desde ese entonces comenzó a crear hype en los Estados Unidos y el Reino Unido. Si bien es probable que por aquí nunca lleguemos a oír a James Murphy en la radio, yo me enteré de su trabajo cuando su segundo disco, Sound of Silver de 2007, fue escogido por la página Pitchfork, como uno de los mejores discos de ese año. Canciones incluidas en ese disco, como Someone Great y All My Friends, terminaron justamente entre las mejores canciones de la década recién pasada. LCD tenía un sonido que te provocaba bailar, pero si nos deteníamos a oír canciones como las mencionadas anteriormente, nos daríamos cuenta de que el tipo también sabía escribir buenas letras. Yo aún escucho All My Friends cuando me siento solo en una noche del sábado, y agradezco que aún no me haya tocado escuchar Someone Great, pero sé que será una de las canciones en mi playlist cuando pierda a un ser querido.

LCD Soundsystem - Drunk Girls

Puede que muchos se hubiesen sentido intimidados por hacer una continuación a un disco tan amado por la crítica, pero es obvio que a Murphy no le importó mucho. Lo que si puede que le haya creado algún grado de presión fue el hecho de que Murphy sabía que este sería su último disco. Hay que saber apreciar a Murphy por tener tan bien controlada su vida, sabiendo cuando retirarse, dando por terminada su aventura en el mundo de la música, y una aventura que ha sido no solo productiva para él, sino para todos aquellos que disfrutamos de sus canciones. Hay que tomar This Is Happening con calma, este es un disco que crece, y para oírlo detenidamente. Cuando lo oí por primera vez, el año pasado que salió, no me pareció nada sorprendente, pero con las recientes escuchas, ya lo he posicionado entre mis 4 favoritos del año pasado (pronto vendrá una lista de mis favoritos del 2010).

This Is Happening está compuesto por 9 canciones, todas con más de 5 minutos de duración, a excepcion de Drunk Girls, que al principio podría parecer algo fuera de lugar, pero la verdad es que aunque sea un poco boba, funciona de la misma forma que Bicycle Race funciona para Queen. La canción es en realidad una buena observación de como los adultos piensan empezar relaciones mientras están ebrios. El resto de las canciones son tan "largas", porque Murphy es un maestro de la construcción. Las canciones comienzan simples y calladas, y a medida que corren, crecen no solo en talante, sino también sube la emoción. Canciones como All I Want, I Can Change o Home, seguramente pueden situarse al lado de sus dos más grandes (All My Friends/Someone Great). Es en estas canciones que Murphy se muestra más vulnerable y abierto. "Puedo cambiar, puedo cambiar, si eso haría que te enamores" canta Murphy en su más abierta canción de amor en tres discos de carrera. Finalmente, Murphy se despide con clase, con la canción Home, una creíble confesión sobre el hogar. El hogar es donde te sientas cómodo parece querer decirnos Murphy. "Mira a tu alrededor/ Estas rodeado/ No se pondrá mejor que eso/ Asi que disfrutalo".

LCD Soundsystem - I Can Change

Es difícil pensar que ya no oiremos nada nuevo de LCD Soundsystem, al menos por unos años, pero hay que saber apreciar a las bandas que saben cuando retirarse, antes de causar a sus carreras las atrocidades que trae consigo el hacerse viejo. Además, Murphy nos deja bastante que escuchar y descubrir, pues es seguro que seguiremos encontrando cosas nuevas en sus discos con cada escucha.

LCD Soundsystem - This Is Happening (2010)

Disco

Un poco de Air Francés

2011-06-06T17:30:00.001-07:00

La semana anterior nada más logré postear una entrada. El motivo de mi inproductividad solamente fue el hecho de que me encontraba siendo anfitrión de una Couchsurfer alemana durante tres días. Mi ética de Couchsurfer me indica que debo dedicarle cierto tiempo a la visita, y es por esto que hasta hoy me encuentro escribiendo sobre una banda en la que ya llevo días queriendo compartir con ustedes. Se trata de la banda francesa AIR, y más concretamente de su disco debut Moon Safari, ya que éste ha sido uno de los últimos discos de los que me he enamorado.

AIR - La Femme D'Argent

La banda francesa se formó a mediados de la década de los 90s, tomando la palabra air (aire), como acronimo de Amour, Imagination, Rêve (amor, imaginacion, sueños). Inicialmente esta estaba constituida unicamente por Nicholas Godin, luego se le uniria Jean-Benoit Dunckel. Juntos empezaron a jugar con el sonido electronico, downtempo/ambient pop que los caracterizaría. Existe un disco titulado Premiers Symptômes (Primeros sintomas), el cual recopila los primeros sencillos, cuando la banda aún experimentaba con su sonido. No sería hasta 1998 que la banda se presentaría al mundo con su disco debut, Moon Safari.

AIR - All I Need

NOTA: La pareja ya cortó. So much for true love.

Moon Safari es un delicioso disco electronico, con una cadencia suave y relajante, que sin embargo, nunca llega a causarte sueño. Canciones como La Femme D'Argent (La mujere de plata) o Talisman, son deliciosos paseos a traves de diferentes texturas electronicas, que bien podrian ser paseos submarinos, o viajes espaciales. Mayormente compositores y geeks detras de computadoras, el sonido de AIR es notablemente más rico gracias a la participación de cantantes invitados, como es acá el caso de Beth Hirsch en You Make It Easy y All I Need, probablemente siendo la última, la mejor canción del disco, aunque este título es difícil de dar a una sola pista, pues otras como Sexy Boy o Kelly Watch the Stars se lo disputan. También hay que recalcar el efecto que tuvieron los buenos videos musicales de cada uno de los sencillos. Más importante aún, es saber que las 10 canciones juntas funcionan muy bien, creando una de las más perfectas "Sunday morning listens". Pero si hay algo que recalcar de este trabajo discografico, es que tras más de 10 años de haber salido, Moon Safari sigue sin envejecer ni un poquito; un problema que tienen muchos de los discos electronicos al cumplir esta edad.

El trabajo de AIR en Moon Safari sería reconocido. La banda francesa pronto estaría trabajando en las bandas sonoras de varias películas, siendo la más notable, la banda sonora de Las virgenes suicidas de Sophia Coppola.

AIR - Kelly Watch the Stars

Si bien me enamoré de AIR al darle una primera escucha, no me he dedicado a adentrarme mucho más en el resto de su discografía, pues he oído y temo que sea cierto, que sus posteriores trabajos carecen de la calidad de este primero. Bueno, espero y les guste, pues pienso en poca o ninguna razón para no poder disfrutar de Moon Safari.

Disco

Bon Iver - Bon Iver, Bon Iver (2011)

2011-05-31T11:14:00.000-07:00

Para los que como yo, lleven algunos años al tanto de la escena indie, puede que les resulte familiar el nombre de Bon Iver. Este es un proyecto a cargo del artista estadunidense Justin Vernon, quien allá por el 2006, tras sufrir una enfermedad conocida como mononucleosis y haber terminado una relación, decidió ir a aislarse a una cabaña en un frío bosque de Wisconsin. Vernon no tenía intención de salir de ahí con uno de los trabajos discográficos más alabados por la crítica en la segunda mitad de la década pasada, él simplemente quería recuperarse. Pero da la casualidad de que Vernon venía de ayudar a unos amigos a grabar, y se llevó el viejo equipo de grabación y algunos instrumentos consigo a la cabaña. Fue así como nació For Emma, Forever Ago, un disco genial, que mezcla la intimidad de estar con Vernon en esa cabaña; se oye cuando se mueve el micrófono, y el chillido de los dedos moviéndose sobre las cuerdas. También hay momentos de una armonía casi sinfónica, que uno no puede evitar preguntarse cómo lo logró bajo esas condiciones. Vernon pretendía mandar esas grabaciones como demos a varias disqueras, pero tras enseñárselas a unos cuantos amigos, estos le convencieron que el mundo debí oír esas grabaciones cuanto antes. Es así como Justin tomó el nombre de Bon Iver, a partir de la frase en francés para “buen invierno” (bon hiver) y sacó el disco por su propia cuenta. Las disqueras independientes no tardaron en percatarse del ruido que Bon Iver creaba en la blogosfera, y pronto en 2008, se reeditó su disco para un mercado más amplio.

Bon Iver - Skinny Love

Desde entonces, Bon Iver se amplió hasta ser ahora una banda, con sus miembros intercalando el tiempo entre varios proyectos. Bon Iver inclusive tuvo dos apariciones en el genial disco de Kanye West del año pasado, My Beautiful Dark Twisted Fantasy. También, la artista británica Birdy, ha conseguido un hit top 20 en la isla de Britania con un cover de la canción Skinny Love de For Emma, Forever Ago. Pero el trabajo que sus fans se encontraban esperando era este, su segundo disco, el cual iTunes por error puso a la venta un mes antes de su estreno. Se dieron cuenta del error, y aunque removieron el disco, ya era muy tarde, pues algunos clientes lo habían alcanzado a comprar y pronto lo regaron por la red.

Bon Iver, Bon Iver mejora en algunas cosas que algunos criticaron del disco debut. Precisamente estoy hablando de la producción, la cual, técnicamente mejora, pero estoy seguro que muchos estarán de acuerdo conmigo, pensando que las limitaciones de For Emma, Forever Ago fueron parte de lo que hicieron ese disco tan especial. Como es de esperarse, el tener una banda completa crea un sonido más amplio, y marca una evolución en el sonido. En el campo de las letras, como podrán notar, cada canción lleva el nombre de un lugar, y eso es lo que representan. Traté de darle una leída a las letras pero parecen tener tanto sentido como una canción de Beck Hansen, solo que al ser estas más armoniosas y orgánicas, pareciesen tener mayor significado.

Bon Iver - Flume

Como resumen, Bon Iver, Bon Iver es un buen disco, de lo mejor que nos ha ofrecido este año. Si bien este marca una evolución obvia para el proyecto, esto contrasta con el sonido primitivo del primer disco, el cual ya sabíamos que sería muy difícil de superar.

(NOTA: ambos videos de Youtube son de canciones de For Emma, Forever Ago. Las del segundo disco aun no están disponibles)

Bon Iver - Bon Iver, Bon Iver (2011)

Disco

Los Tigres del Norte & Friends: MTV Unplugged

2011-05-27T14:51:00.000-07:00

Cuando vi hace un par de meses atrás, que MTV le dedicaría un disco de su serie Unplugged a los Tigres del Norte, pensé que de veras se les habían acabado los artistas decentes para presentar de esta forma (aunque bien pude haber pensado esto cuando se le hizo un Unplugged a Diego Torres o a Katy Perry). Los Tigres del Norte son probablemente la banda más exitosa y más conocida del género grupero/norteña, y estoy seguro que son pocos los que nunca han escuchado canciones como La banda del carro rojo o La puerta negra. Los Tigres del Norte emigraron desde muy jóvenes de su Sinaloa, México, hacia San José, California, allá por los finales de los 60s. Compuesto ahora por tres hermanos y un primo, los Tigres tuvieron su primer gran éxito en el 74, con Contrabando y traición, uno de los tantos controversiales narcocorridos, que ya se encuentran prohibidos en varias localidades. Los tigres defienden canciones como estas diciendo que ellos no hacen nada más que cantar sobre la verdad. Luego, los Tigres también han escrito sobre amores y desamores, y las dificultades de ser un migrante ilegal en los Estados Unidos, y a lo largo de su larga carrera han vendido más de 34 millones de discos, llenado las arenas más grandes de los Estados Unidos, ganando 4 premios Grammy, y ahora se les premió, dándoles este Unplugged.

Los productores de este disco han sido muy inteligentes al llenar las presentaciones con artistas invitados, de la talla comercial y musical de Paulina Rubio (quien diría que algún día ella y los Tigres formarían parte de mi colección), Diego Torres, Juanes, Andres Calamaro, Rene de Calle 13 y el mismísimo Zack de la Rocha, exlíder de Rage Against the Machine. Seguramente que esta inyección de artistas hacen de este disco, algo más accesible para la mayoría. Pero hay que recordar que las canciones son de los Tigres, y ellos son los verdaderas estrellas de este Unplugged. Mezclando éxitos de su larga carrera, los tigres terminan el disco con un set de finas canciones de protesta. Somos más Americanos, La jaula de oro y América son tres cantos al orgullo de ser latinos, y la injusticia que sufren los migrantes por parte de un pueblo de migrantes e invasores.

Los Tigres del Norte & Paulina Rubio - Golpes en el corazón

El disco completo es una fiesta, y si bien es probable que este sea un género poco usual para muchos, la verdad es que esta es la oportunidad para conocerlo, las canciones son pegajosas y bien logradas. Reto al que escuche todo el disco y no termine cantando alguna de las canciones cuando ya haya acabado. Los Tigres son conscientes de su impacto y su papel en una creciente comunidad hispana en los Estados Unidos, y después de cada concierto, los Tigres se toman su tiempo para conversar con sus fanáticos, y a decir verdad, muchos de los temas de sus canciones provienen de las historias que estos les cuentan.

Y para los que crean que esta entrada va dedicada a Manuel Zelaya, a quien los Tigres han aceptado en una entrevista a Diario El Tiempo, estar de acuerdo en hacer una canción sobre él, pues aunque inicialmente no lo pensé así, pues está bien ¡Que viva el jefe de jefes! Y más que todo ¡Que viva la resistencia!

Los Tigres del Norte & Andres Calamaro - La mesa del rincón

Tigres del Norte & Friends: MTV Unplugged (2011)

Disco

Los Campesinos! - Romance Is Boring

2011-05-26T11:13:00.000-07:00

La banda conocida como Los Campesinos! se formó en 2006 en Cardiff, Gales, a pesar que ninguno de sus ocho integrantes son de ese país. Sí, leyeron bien, ocho integrantes componen esta banda que por falta de una etiqueta adecuada se le asocia a la escena indie. Dado su número de integrantes, se puede adivinar que Los Campesinos! tienen un sonido original, que no puede ser fácilmente igualado por las tradicionales bandas de 4 miembros. Los chicos empezaron teniendo éxito en la escena local, y un par de EPs les dieron relevancia a nivel internauta. Yo mismo los oí allá por 2007 cuando venían empezando, y me gustó mucho su original propuesta. Sin embargo, cuando su disco debut, Hold On! Now Youngster salió en 2008, la banda probó ser solamente una banda de novedad, y ese disco fue una de las mayores decepciones del año. Una vez que oías un par de canciones, el resto parecían un trabajo escucharlas. Menos de un año había pasado, y la banda ya se encontraba sacando al mercado su segundo disco, We Are Beautiful, We Are Young. Ya no les hice caso.

Los Campesinos! - The Sea Is a Good Place to Think About the Future

Cuando en 2010 la banda sacó su tercer disco en tres años, este recibió buenas críticas de páginas de internet como Pitchfork, y ya que en aquel entonces me encontraba en una de esas manías de conseguir música, decidí darles otra oportunidad. Tras una o dos oídas, nuevamente quede insatisfecho. Ahora me he puesto a oírlo nuevamente, como parte de un juego de mi página de cabecera Rateyourmusic, en el que se me asigno reseñar este disco. Ya oído con más cuidado, Romance Is Boring sigue siendo un disco que no vale mucho la pena. Si bien reconozco que la banda tiene potencial, pues por eso le hice caso en un principio, y también reconozco que ha habido cierta evolución desde su debut, lo cierto es que a esta banda aún le falta mucho trabajo para llegar a ese sonido que están buscando. Como lo dije antes, en Romance Is Boring se acercan un poco más, dejando atrás el producir dulces canciones de música pop, y buscando más el concepto de un álbum, con sus momentos de crecimiento, su clímax y sus puntos de descanso. Si bien a veces recaen en su fórmula pasada (lo cual no está mal), otras veces se ponen pesaditos como en Plan A, pero generalmente, el disco está repleto de desorden, da la sensación de que la banda ha perdido el control. Puede que esto se deba a la velocidad con que la banda está sacando sus discos, de trabajar más en las canciones, puede que estas hubiesen llegado a sonar como The Sea Is a Good Place to Think About the Future, el único gran triunfo de este disco, si bien hay otras canciones decentes, me parece que The Sea… es la canción que capta la dirección hacia donde la banda apunta, tiene tensión, atractivo comercial y letras intrigantes. Sí bien se atreven a darle una oída a este disco, recomiendo que lo hagan con las letras (lyrics) en mano, pues Gareth Campesinos parece escribir lo que se le viene a la cabeza, y de vez en cuando aparece con cosas interesantes. Yo mismo probé escribir de esta forma ayer en la noche, y creo que pude haber escrito algún par de líneas que la banda pudiese usar para su siguiente disco.

Los Campesinos! - Romance Is Boring (2010)

Disco

Your mom busted in and said "WHAT'S THAT NOISE!?" Aww, mom you're just jealous, it's the Beastie Boys!

2011-05-23T17:44:00.001-07:00

Por lo que he averiguado de las investigaciones que realizo antes de escribir cada entrada, la banda conocida como Beastie Boys formaban una buena parte de lo que significaba crecer a finales de los 80s y durante la primera mitad de los 90s, la época de oro de este trío de Brooklyn, y es de esta época de cuando datan sus mejores materiales discográficos, Paul’s Boutique de 1986, Check Your Head del 92 y Ill Communication del 94. Los miles de fans que fueron seducidos por la original propuesta de la banda parecieron perder interés después de este último disco, que por casualidad, coincidía con la entrada de la fanaticada a la edad adulta.

Yo crecí durante la etapa post-Ill Communication de los B-boys, y a pesar de haber oído Body Movin’ en alguna película o anuncio de Nickelodeon, los Beastie Boys no formaron parte en lo absoluto de lo que significó crecer para mí, puesto que si perteneció a bandas de notable menor talento, como Linkin Park o Limp Bizkit. Así que sin temor a equivocarme, puedo decir que no fueron las preocupaciones de ser adulto las que alejaron a los fans de la banda, sino más bien, esto se debió a que sus posteriores trabajos eran de menor calidad.

Beastie Boys - (You Gotta) Fight for Your Right (To Party)

Los Beastie Boys se formaron hace ya varios años, allá por el 83, como una banda de hardcore de 5 miembros. En algún momento por esos años, los chicos se encontraron con un joven productor de nombre Rick Rubin, junto a quien decidieron darle un giro completo a lo que era su propuesta musical, pasando a ser un conjunto de hip hop, compuesto por tres raperos blancos, MCA, Mike D y Ad-Rock (No, Eminem no fue el primer rapero blanco). Con el éxito alcanzado por su debut License to Ill, impulsado por éxitos como You’ve Gotta Fight, For Your Right (To Party), fue que la banda empezó a acaparar seguidores. Luego vino su época de oro, y después del 94, siguieron hallando éxito comercial en discos como Hello Nasty, pero los fans ya no sentían lo mismo hacia la banda.

Con To The 5 Burroughs de 2004, encontramos a la banda hacienda un disco post 9/11, dedicado a los neoyorquinos y tratando de dispersar un mensaje de paz. Puede que les haya salido del corazón, y que los Beastie Boys verdaderamente necesitaban dar a escuchar su mensaje, pero aun así, a muchos les pareció forzado. Luego, en 2007, los boys, ya con una gran fanaticada, solventes de dinero (se calcula que han vendido más de 40 millones de discos), y tal vez un poco cansados de rappear, decidieron sacar al mercado The Mix-Up, un disco completamente instrumental que les valió el Grammy a Mejor Disco de Pop Instrumental. Una movida que tenía sentido, pues los interludios intrumentales era gran parte de lo que hicieron que Ill Communication fuese el último gran disco de la banda; al menos hasta 2011.

Beastie Boys - Make Some Noise

Originalmente intencionado para salir en 2009 como The Hot Sauce Committee Part 1, el disco tuvo que ser pospuesto cuando se dio a conocer que Adam Yauch alias MCA, sufría de una variación de cáncer en la garganta. Aunque las mismas canciones que hubiesen salido en la primera parte, fueron retomadas, la banda optó por sacar el disco este año, bajo el nombre de The Hot Sauce Committee Part 2, dejando la primera entrega sin fecha definida de salida.

Aunque podrían ser estigmatizado y puestos al lado de bandas como AC/DC o Nickelback, bandas que han creado un sonido propio, y se han dedicado a defenderlo por años, el que diga que la música de los Beastie Boys es igual, bien podría aventurarse de una vez a decir que toda la música hip hop es igual. Los B-Boys crearon un estilo propio desde su primer lanzamiento, un estilo que nadie puede intentar sin ser instantáneamente etiquetado como una vil imitación. La banda comenzó recayendo en gran cantidad de samples, pero desde hace un rato que tocan sus propios instrumentos, y con buena certeza se les puede llamar grandes músicos.

Con Hot Sauce Committee, el trio de Brooklyn revive todo lo que nos gustó de la banda en sus mejores días. Grandes interpretaciones a verso cambiado de los tres integrantes, guest spots de dos buenos artistas como Nas y Santigold, buenos grooves instrumentales como Multilateral Nuclear Disamament, y en Lee Majors Come Again, encontramos su mejor visita por sus viejos días de hardcore. Si bien Hot Sauce no consigue romper nuevas fronteras, este disco nos demuestra que los chicos aún saben lo que hacen. En estos últimos días me he topado en un par de ocasiones con Make Some Noise sonando en las radios, y no puedo evitar ponerme a pensar que hay chicos oyendo, chicos buscando poder crecer también junto a los Beastie Boys.

Beastie Boys - Hot Sauce Committee Part 2 ****

Aparentemente los Beastie Boys no quieren que nadie los oiga. Pero no importa, yo no lo puedo poner aqui, pero seguro que encuentran su disco en otra parte. Que les encanta llorar a esos tipos. Para que sepan, voy ir a romper mi copia de Ill Communication. (en realidad no).

Poderes Extraños: Stephin Merritt y los Magnetic Fields

2011-05-21T09:17:00.000-07:00

Los 90s fueron una época de cosas raras. Muchas cosas cambiaron, y de varias formas, los 90s parecían ser una reinvención de los 60s. Me hubiera gustado vivir conscientemente cualquiera de estas dos décadas, en las que parecía que la juventud y la sociedad en sí, se salían de sus patrones. Musicalmente, el ambiente era algo parecido, pero dado a un mayor acceso y mayor tecnología, hizo que los 90s fuesen fuente de mayor diversidad. En los clubes de Detroit, rebombaban los parlantes con los bajos del techno y el house. En las calles del Bronx, la vida formaba decenas de artistas de hip hop, inspirados por las enseñanzas de Public Enemy y Grandmaster Flash en los 80s. En la costa opuesta se engendraba una de las escenas más importantes de la década. El grunge, liderado por Nirvana venía a sacar el hair metal de las estaciones de radio y hacer lo alternativo, mainstream. Al otro lado del Atlantico, las guitarras chillaban con el reverb del shoegaze de My Bloody Valentine, los beats inteligentes de Madchester y la dulce melodía del Britpop de Oasis y Blur. Otros como Radiohead, Beck o Bjork, flotaban en su propia esfera. Y todo esto, nada más en la primera mitad de esa importante década.

Ya para el año 99 sonaban los rumores del fin del mundo moderno, del Y2K, la fiebre de Pokemon y el revival del pop azucarado. Fue por esa época que alguien se ha de haber preguntado a qué horas vendría el disco que cerraría esos 10 años, el que daría el toque final a la década, resumiendo de todo lo que se había tratado. Claramente ese no era trabajo fácil. Pues aunque no estoy seguro, si el disco clave de los 90s fuese la intención de Stephin Merritt, pero se puede tomar el hecho de llenar 3 discos (poco menos de tres horas), con puras canciones de amor, como una señal de gran ambición.

The Magnetic Fields - I Don't Believe in the Sun

Stephin Merritt creció en Nueva York, y a través de sus supuestos 45 años, ha escrito bajo diferentes pseudónimos, y con diferentes bandas. Ha hecho varias bandas sonoras para películas y también ha trabajado en el teatro, pero seguramente, por lo que pasara a la posteridad es su trabajo de fin de siglo, 69 Love Songs. Obviamente una referencia a la posición sexual del 69, Merritt se inspiró viendo una obra de teatro, y al principio pensó en irse por 100 canciones, pero se conformó con las casi 70 que componen esta colosal obra.

Si bien a mi parecer, Merritt sale exitoso de esta difícil tarea, es de saber para todos aquellos que desean atrever a oír este disco, que no se recomienda darle oída a las 69 canciones seguidas. Si bien Merritt logra gran variedad con las canciones, recayendo en 5 vocalistas, el uso de diversos instrumentos como el banjo, ukelele, acordión, cello, mandolina o xilófono, y la visita por la mayoría de los géneros musicales (en ocasiones de formas bastante obvias), siempre dándole el toque certificado de los Magnetic Fields, que a pesar de cantar sobre el amor, la mayoría de estas resultan ser letras pesimistas (“You said you were in love with me, Both of us know that that's imposible”), agravadas por la voz barítono de Merrit, quien es quien canta en la mayoría de las canciones, y de Dudley Klute, cuya voz es bastante parecida.

The Magnetic Fields - Acoustic Guitar

Si bien es cierto que no todas las 69 canciones son buenas o memorables, algunas ni llegan a canciones y se quedan nada más en sketches o ideas. Pero creo que cualquier disco que contenga más de dos docenas de canciones verdaderamente brillantes, merece ser escuchado, Ejemplos del poder creativo de Merritt, tanto en melodía, como en letra, pueden ser encontrados en canciones como I Don’t Believe in the Sun, Chicken With Its Head Cut Off, o The Luckiest Guy on the Lower East, todos himnos al pesimismo. Otras como Sweet Lovin’ Man, Acoustic Guitar o If You Don’t Cry, cantadas por voces femeninas, vienen a darle oxígeno al disco, y en Papa Was a Rodeo, una de las más sobresalientes de las sobresalientes, Merritt realiza un dueto con Shirley Simms. Ademas, también en el disco se incluyen canciones experimentales como World Love, Love Is Like Jazz o Experimental Love Song, las cuales resultan ser más como los skits de los albums de rap.

The Magnetic Fields - Papa Was a Rodeo

Pues todos los que hemos vivido un poco, hemos de saber que el amor vienen de muchas formas. Amor correspondido, amor no correspondido, amor platónico, amor de madre, Merritt incluso le escribe una canción a un perro, Fido. La verdad es que es difícil nombrar unas pocas canciones, cuando se habla de un total de 69, y la verdad es que lo mejor es que ustedes las escuchen pro su propia cuenta, y no sería de sorprenderse que sus favoritas fuesen diferentes a las mías. Sin embargo, como el mismo Merritt advierte, “este disco no es sobre amor, sino más bien sobre las canciones de amor, que la verdad, poco tienen que ver con el amor real”.

Disco Uno
Disco Dos
Disco Tres

El Regreso de Gaga

2011-05-19T18:23:00.000-07:00

Rating: 2.5/5

Pues ya que he decidido ponerme mas serio con esto de bloggear, al menos por mientras dure mis vacaciones, pues creo que debo de aumentar la frecuencia en la que oigo y reseño los discos nuevos. Como puede que muchos sepan, desde el dia de ayer se puso a disposición de los fans el muy esperado segundo disco de Lady Gaga, que lleva por nombre Born This Way. Esta vez lo hizo a través de metro.co.uk, el cual es un periódico que circula gratuitamente en varias ciudades de Europa. Sin embargo, este stream estará disponible solo por 5 dias, podrá ser oído 3 veces por computadora, y como cosa rara, no esta disponible en nuestro país. Pues es asi como los fanáticos de Gaga hemos tenido que buscar oir el disco por otros medios. Lo leyeron bien, dije algo como “nosotros los fanáticos”, pues yo me incluyo entre aquellos que piensan que ella ha venido a refrescar la escena mainstream, y de los que espera con anticipación cada uno de sus videos musicales, pues parece ser de los pocos artistas que aún les importa tal cosa, siempre teniéndonos a la expectativa, sin saber que esperar.
Gaga apareció casi de la nada. Un día cantaba en bares de Nueva York, y al día siguiente ya llenaba arenas y llamaba la atención de radicales y conservadores por igual. Ya sea que piensen que la tipa es una genio, o que la odien por su tendencia de “mirenme! Tengo un vestido de carne!”, lo cierto es que pocos de los que vivimos actualmente estamos a salvo de ella y su música. Tras su primer disco, The Fame de 2007, muchos se aventuraron a compararla con Madonna, por lo pegajoso de sus canciones y lo impredecible de sus ocurrencias. Si bien aún es temprano para compararla con la reina del Pop, se le debe dar los méritos a Gaga por haber sabido maniobrar los hilos de la vida en el espectáculo, sin comprometer su vida privada de formas autodestructivas como lo hicieran en su tiempo divas como Whitney Houston o Britney Spears.

Asi que lo acepto, Born This way es uno, sino el disco que más he esperado este año. Más que todo, no solo por lo prometedor que fue The Fame como debut, sino mucho más por su EP de un año después, The Fame Monster, 8 canciones de buena calidad, con Gaga probando poder dejar atrás algunos excesos del disco anterior. Claro, luego vino el estreno de la canción Born This Way, que a mis oídos y a los de muchos otros, era la prueba de que este disco podría no solo ser la decepcion del año, sino también la de la década que recién empieza. Todo esto, aun sin mencionar la horrible portada que parece se la saco del ano. Por suerte, luego vino Judas, y ahora que he oído el disco en su totalidad, puedo decir que no ha sido tan malo como esperaba, y será difícil que este disco termine entre mis 20 favoritos del año, más con artistas como Bon Iver y Arctic Monkeys esperando ser oídos.

Lady Gaga - Born This Way

Las 15 canciones de The Fame parecían un poco más de lo adecuado, y el disco hubiese quedado mejor, de haber cortado algunas esquinitas que estaban de más. Aparte, tampoco es de mi agrado cuando Gaga se pone a rappear/predicar. Esto lo había dejado atrás en Fame Monster, pero con Born This Way ella vuelve a recurrir en los mismos errores. Si bien es cierto que este disco tiene 2 canciones menos, son pocas las sobresalientes, como Hair, You and I (con guitarra de Brian May), que está al borde de ser melodramática, y Judas (no esperen hallar algo mejor que esta canción en este disco), hay otras atrocidades, como Government Hooker (“Put your hands on me, John F. Kennedy), o la pseudo capacidad plurilingüe, en canciones como Scheibe (alemán) o Americano, una supuesta versión mejorada de Alejandro, pero que es un insulto para todos los de habla hispana. Y pues el resto de las canciones se quedan en una zona de conformidad, digna de artistas, en mi opinión mediocres, como Katy Perry o Rihanna.
Solia tener a Lady Gaga en una posición más alta que estas otras artistas, pero Born This Way, me ha hecho creer que talvez muchos vimos en ella más de lo que en realidad había. Si, seguramente seguirá llamando la atención y haciendo los mejores videos del mercado. Yo los seguiré viendo, pero ahora no podré evitar preguntarme si sin los atuendos locos y demás excentricidades, Lady Gaga no sería como las demás.

Lady Gaga - Judas

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Harry Nilsson ¿Quien es, y porque todos hablan de él?

2011-05-18T10:30:00.000-07:00

Me imagino que se han de preguntar el porque del titulo de mi entry del día de hoy. ¿Quien será Harry Nilsson? se han de preguntar, pues la verdad es que nadie esta hablando de él. Sin embargo, este es el nombre de un documental que aparecio el año pasado, que habla precisamente de este artista de alla por los años 60s-70s. Es de saber que él escribía canciones para los Monkees, entre otros, y que en una entrevista Lennon y McCartney lo nombraron como su artista favorito americano. Nacido en Brooklyn, Nueva York, e hijo de imigrantes suecos, Nilsson trabajaba en un banco de noche y era musico de día. Alla por mediados de los 60s, Harry firmó contrato con la compañia RCA Victor, y sacó su primer disco, de donde se desprende la canción que probablemente llamó la atención de los Fab Four, un cover de la canción You Can't Do That, que apareciera en el soundtrack de la pelicula A Hard Day's Night:

Harry Nilsson - You Can't Do That

Si fueron atentos, pues me imagino habran notado que no solamente es este un cover cualquiera de los BEatles, sino que incluye coros de fondo de mas de 10 canciones de sus canciones como Paperback Writer, You're Gonna Loose That Girl,Drive My Car y Good Day Sunshine entre otras.

Otro momento de gran exito para Nilsson fue cuando recibio su primer Grammy por la cancion de la pelicula Midnight Cowboy (que ganara el Oscar en el 69). Everybody's Talkin' tambien era un cover de una cancion Fred Neil, y fue uno de los exitos más grandes de su carrera.

Harry Nilsson - Everybody's Talkin'

Pero los que me conocen sabran que no soy el tipo de personas que se siente atraido por canciones, sino que por trabajos completos de estudio. Y en el caso de Harry, fue asi como llegue a descubrirlo, por medio del disco que se le considera, como su mejor trabajo, Nilsson Schmilsson de 1971, un genial disco de musica, que compite con los mejores trabajos de los Beatles como solistas. El disco presenta gran variedad musical, y prueba de esto es la gran diferencia entre los sencillos, Coconut siendo una jocosa y divertida (aunque me puedo imaginar que sea molesta para algunos) cancion, Jump Into the Fire, que es casi un rock psicodelico, con grandes ataques de guitarra, y por supuesto, Without You, probablemente la cancion más conocida de Nilsson, y que coincidencialmente, tambien es un cover, esta vez de Badfinger. Sin embargo, esta es la mejor cancion de Nilsson, pues demuestra su gran voz, y el registro que esta alcanzaba, al mismo tiempo que mostraba un verdadero sentimiento por lo que hacia, oigan la version original de Badfinger, y parece que fuese otra cancion completamente.

Harry Nilsson - Without You

Pues a pesar que no es tan recordado como otros singer/songwriters de la epoca, el trabajo de Nilsson vale la pena ser oido. Nilsson siguio haciendo discos y scores para peliculas hasta el dia de su muerte en 1994 de un paro cardiaco. Asi que bueno, espero y los fans de Harry queden contentos con este articulo, y los que no le conocian, pues espero y sea de su agrado.

Pues si, puede que la pirateria no sea la cosa mas buena del mundo, pero la verdad es que en pais como el nuestro, a veces es la unica forma de obtener cierto tipo de musica, asi que aunque los incito a que sigan comprando discos, compartire con ustedes el disco de Nilsson para que le den una oida.

Harry Nilsson - Schmilsson Nilsson

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Amor, magia o cóctel o hormonas?

2011-05-03T08:29:00.000-07:00

¿Existe el amor de por vida? ¿Pueden dos personas que no se conocen, conectarse de tal forma que quieran pasar el resto de sus vidas juntas? ¿Por qué los divorcios se han incrementado en los últimos años? Y todavía más importante, ¿No es el amor otra cosa más que una serie de reacciones bioquímicas en nuestros organismos? Todas estas son preguntas que a lo mejor todos nos hemos tomado la molestia de ponernos a pensar durante esas noches en las que no podemos conciliar el sueño, pero por otra parte, habrá quienes crean ciegamente en la “magia”, en lo inexplicable del amor.

Yo personalmente, no nací dudando en el amor, al igual que la mayoría de nosotros, fui testigo de películas de Disney, y cuentos de hadas que generalmente terminaban en “felices por siempre”. Tanto que cuando me llegó la hora, llegue a estar “enamorado”, por falta de una mejor palabra, de una chica por más de 4 años. Si me hubieran pedido que explicase que miraba en esta mujer, no lo hubiese podido hacer, era algo que me cegaba de la galería de malas cualidades de esta persona. Pasaba tanto el tiempo, y a pesar de que nunca llegamos a nada, yo seguía igual de loco cada día. Sin embargo, un día como cualquiera de los otros, desperté y ya no sentía nada por esa persona. Lejos quedo el amor, el hechizo del cual me sentía víctima, ella me era ahora, una persona como cualquier otra.

Pues por siglos, las personas que hicieron el mayor avance en los campos del amor, fueron poetas, músicos y ya más recientemente, cineastas. Eso es lo cierto, nuestra sociedad siempre ha estado bombardeada de historias de amor, cuentos como Tristán e Isolda, joyas de la literatura como Romeo y Julieta o Crimen y Prejuicio, y ya en nuestras generaciones, a esto, se le suman radioemisoras dedicadas completamente al amor, horas y horas de teleseries, telenovelas, y películas, que terminan metiéndose en nuestras cabezas, y en nuestras bolsas en días como el 14 de febrero, de que el amor verdadero si existe. Pero con los avances en los campos científicos, ya se ha dejado a los artistas como consultores honoríficos, escritores de citas para terminar un ensayo, y son los psicólogos y neurocirujanos, quienes nos han desvelado un poco más sobre los secretos de esa sensación, por la que no dudo todos hemos pasado. Así, que si usted cree incondicionalmente en el amor verdadero, le sugiero que deje de leer y abandone la habitación en este momento, pues lo que a continuación se informara, podrá dejar sus creencias al respecto en alas de cucaracha.

Helen Fisher, una antropóloga estadunidense, es una de las personas que más sabe al respecto, ya que ha dedicado gran parte de sus casi 70 años a los estudios bioquímicos del amor. La Dra. Fisher ha concluido, tras años de investigación, que el amor se reduce a tres etapas generales: lujuria, romance, y apego.

La primera etapa, la lujuria, se caracteriza por un deseo sexual, y esta etapa es llevada a cabo, principalmente por las hormonas sexuales de los humanos, la testosterona y el estrógeno. Luego viene la parte del romance, o la atracción, la parte de la que estoy seguro, es la que más disfrutamos. Pues todo esto se ha podido adjudicar principalmente, a tres neurotransmisores, adrenalina, dopamina y serotonina. Durante las primeras etapas del enamoramiento nuestro organismo activa la respuesta al estrés, incrementando los niveles de adrenalina y cortisol en la sangre, causando ese efecto, de cuando nomas nos encontramos con esa persona, empezamos a sudar, se sube nuestro ritmo cardiaco y se nos seca la boca.

Por medio de resonancias electromagnéticas, científicos como Helen también lograron descubrir que al enseñar una fotografía de sus enamorados a los sujetos de los experimentos, estos liberaban grandes cantidades de dopamina, el neurotransmisor responsable del deseo y recompensa en el cerebro. La dopamina provoca energía intensa, agudiza la atención y motiva para obtener recompensas. Es por esto que los recién enamorados pueden pasar despiertos toda la noche, ver el amanecer, correr en una competencia, o tirarse en bicicleta por una pendiente, que normalmente consideraríamos demasiado alta. La dopamina tiene en nuestro organismo, los mismos efectos que la cocaína.

Finalmente, la serotonina es también importante para esta fase, pues es la responsable de que esa persona amada, aparezca a cada momento en nuestros pensamientos. Científicos han realizado experimentos en los que se comprueba, que los bajos niveles de serotonina en los pacientes obsesivos-compulsivos son idénticos a los de personas enamoradas, por lo cual se dice que el amor y las enfermedades mentales, son difíciles de diferenciar.

Desafortunadamente, numerosos estudios realizados en diversas partes del mundo, confirman que la pasión generalmente se acaba. Es acá, donde entra la tercera etapa, que aunque ya no tan emocionante, se podría decir es la de mayor importancia. A esta etapa se le conoce como el apego, y es esa parte en la que se llega a una estabilidad necesaria para llegar a criar una familia. Aquí, nuevamente, se hacen presentes un par de hormonas, la oxitocina y la vasopresina. Esta primera es una hormona que estimula sentimientos de conexión y la creación de lazos afectivos, y que se libera cuando uno abraza a un ser querido, o cuando las madres amamantan a los hijos. Experimentos, revelaron que al bloquear los receptores de oxitocina en ratas, estos animales rompen sus vínculos monógamos y buscan otras parejas. Similarmente, al inyectar oxitocina en ratas que aún no tienen crías, se pudo observar que estas adoptan los hijos de otras ratas como si fuesen los propios. A algunos les parecerá incorrecto, pero llegara un punto en que la ciencia podrá explicar inclusive, cosas como el amor de madre.

Es curioso, saber también, que hay un factor cultural involucrado en el amor, claro que este factor se ha ido perdiendo poco a poco, a medida que la sociedad se ha globalizado. Pero por raro que parezca, aún existen variaciones curiosas como el caso de la tribu fulbe del Norte de Camerún en África, donde si un hombre muestra señales de enamoramiento, como pasar mucho tiempo con sus esposas, entonces se convierten en objetos de burlas, y se les llega a considerar víctimas de un hechizo. Por otro lado, en países como la India, hay muchas personas que consideran al amor romántico peligroso, y es todavía mayoritario en esa sociedad, el pensamiento de que los matrimonios arreglados tienen mayores posibilidades de éxito.

Algo de acertado tendrán los hindúes, pues es parte de la vida llegar a poder disfrutar de los amores pasionales durante nuestra existencia, pero al momento de formar una pareja estable, para criar una familia, se debería de tomar en cuenta, factores más importantes que la pasión, pues si esta se llegase a acabar y nos encontrásemos en nuestro hogar a una pareja que nos aburre y que no tenemos nada en común, pues estaremos frente a un problema.

Sobre todo, se debe saber que este es un tema complicado. Por más que se diga que el amor eterno es un mito Hollywoodense, se cuenta de casos en los que este se ha mantenido por más de 50 años. Es difícil poder llegar a una conclusión, pero para muchos de nosotros, y más los que hemos pasado por esos sentimientos, nos cuesta trabajo imaginarnos que todo eso es ocasionado nada más por un coctel de hormonas y proteínas. La ciencia dirá si algún día podremos ir a la farmacia y comprar una inyección de amor, pero quedándonos en nuestras vidas personales, me parece difícil pensar en lo aburrido que la vida sería si este factor no estuviese en juego. Decía el famoso psicólogo Suizo Erich Fromm, que el amor es lo más cercano a un significado de la vida que jamás encontraremos. El romanticismo del amor bien podría ser solamente una decoración para que sigamos perpetuando la especie, pero nada de lo aquí dicho podría convencer a una persona enamorada, de que no hay algo más en juego, y la verdad es que ninguno de nosotros nos gustaría convencernos de tal cosa. El amor, seguirá siendo uno de los misterios de la ciencia.

Van Morrison - Astral Weeks (1968)

2011-04-01T14:47:00.000-07:00

Sigo, sigo, buen entretenimiento para matar el tedio. Ahora casi todos los dias por lo menos una persona hace una nota sobre las canciones que posteo a diario en Facebook, talvez debi de haberlas posteado aca, pero bueno, he dejado este espacio para los discos, y recien ahora me atrevo a compartirlos directamente con todo aquel que este interesado en oir buena musica, todos tenemos derecho a hacerlo no? Asi que sigamos con otro de mis favoritos

Disco # 3: Van Morrison - Astral Weeks (1968)

Pues si, he aqui un disco dificil de explicar. Un disco al cual las palabras por si solas no le hacen merito suficiente. Puedo explicar mi fascinacion con Pinkerton, por haberlo descubierto en mis años adolescentes, y haberlo tenido de compañero durante estos, pues explicar mi gusto por Dark Side of the Moon por su complejidad y por haberme abierto a un mundo de buena musica, pero Astral Weeks, Astral Weeks es nada mas Astral Weeks, y no ha habido nada como ese disco en 40 años.

Soul, Folk, Jazz, Musica Celta, todos esos son generos que saltan a la mente al querer catalogar este disco, pero todos se quedan cortos. La grandeza de Morrison es espiritual. Si, lo digo yo, una persona que perdio la fe a los 14 años. Al oir Astral Weeks, siento la piel de gallina, siento escalofrios de hay en cuando, y todo sin entender una sola cosa de las que este irlandes trata de decir. El disco carece de una narrativa de cualquier tipo, como lo ha dicho el mismo, es solamente un "stream of consciousness", dejar correr la consciencia, y pues lo entiendo, no creo que haya forma humana de poder planear algo tan perfecto. A los que no estan acostumbrados a la buena musica, o los que vengan con perjuicios, puede que les cueste entrarle, pero a mi parecer, musica tan universal como esta deberia de romper cualquier cascaron musical en que se encuentren.

Dejar de leer y bajar el disco aca.

Pink Floyd - The Dark Side of the Moon (1973)

2011-03-31T10:37:00.000-07:00

Bueno, bueno, ayer solo consegui un download, pero es algo. Los archivos ahi permaneceran hasta que me pidan bajarlos, o hasta que ocupe limpiar para seguir posteando. Pues ahora seguire con mi segundo disco favorito, y uno que fue mi favorito por un par de años.

Disco #2: Pink Floyd - The Dark Side of the Moon (1973)

Como lo dije anteriormente, el lado oscuro de la luna fue mi disco favorito por un par de años, y tambien fue un disco que sufrio un poco de sobre-reproduccion. Mas que todo, cuando el resto de mis amigos se dieron cuenta de lo grandioso que era el disco. Pareceria increible, pero Pink Floyd sigue ganando adeptos 30 años despues. Me parece erroneo, casi incomodo ponerme a hablar de DSOFTM, como si ustedes nunca lo hubiesen oido. Es simplemente, algo tan esencial como una sinfonia de Beethoven. Asi que si nunca lo han oido, les estoy dando la oportunidad de que lo hagan.

Puedo hablarles un poco mas de la banda, la cual surgio de un colegio de arte en Cambridge, asi se conocieron los que empezaron la banda, Roger Waters, Richard Wright, Nick Mason, Syd Barrett y posteriormente David Gilmour. La banda empezo tocando en los clubes de por ahi, y consiguieron contrato para grabar su debut, Piper at the Gates of Dawn, un disco que demuestra que tan aterradora y psicologicamente perturbadora puede ser la musica. Luego, el lider de aquel entonces Syd Barret, no pudo con todo lo que estaba pasando, combinado con un cotel de drogas, dejaron muy afectada la salud mental de este, y fue el bajista Roger Waters quien tomo la batuta. Es bajo el mando de este que la banda consigue sus mayores logros, desde el exito comercial de The Wall, hasta este disco, que es considerado el más clasico de la banda. A eso hay que agregar otras joyas como Wish You Were Here o Meddle.

Dark Side of the Moon fue grabado en 1973, y es el primer disco con Waters al mando. Fue grabado por Alan Parsons, y utilizo muchas tecnicas poco usadas en aquel entonces. Sintetizadores, sampleos de voces y conversaciones y el hecho de ser un disco conceptual, que jugaba con la vida y las preocupaciones que esta trae como el paso del tiempo en Time, el dinero, pues en Money, la guerra en Us & Them y la "salud mental" en Brain Damage. La verdad es que oir Dark Side of the Moon es toda una experiencia, y aunque ya no lo hago tan seguido, siempre disfruto cada vez que lo hago. espero ustedes lo oigan y les sea de su agrado.

bajarlo aca.

Ah, y dejenme recalcarlo, EN NINGUN MOMENTO DEL DISCO HAY UN MURMULLO QUE DIGA "IF YOU HEAR THIS THEN YOU?RE DYING!!!!! La cancion si habla de la muerte, pero quoteo de wikipedia lo que las voces dicen en The Great Gig in the Sky:

"I never said I was frightened of dying."

Es un buen mito de cualquier forma.

Weezer - Pinkerton (1996)

2011-03-30T09:18:00.000-07:00

Bueno, ya varios lados que miro la direccion de mi blog, y recuerdo que desde el año pasado que no escribo nada en él. Pues no se, ya me aburrio este, a lo mejor y empiezo otro en algun momento alocado de mi vida, como un viaje por el mundo o algo asi, por ahora, pues he decidido que ha llegado el momento de cerrarlo. Claro, no sin antes darle one final run. A que me refiero con esto? Pues que seguramente si me pongo a ver por aca me dara nostalgia y preferire guardarlo, asi que no sere yo quien cierre el blog, sino que eso se lo dejare a la RIAA. Porque? porque hasta que me llegue una advertencia estare posteando mis discos favoritos de todos los tiempos, esperando poder pasar la antorcha a m{ás de alguno por ahi. Asi que sin mas introduccion empezemos con mi disco # 1.

#1: Weezer - Pinkerton (1996) (*****)

CUalquiera que me conozca un poco, solo un poco, ha de saber que este es mi disco favorito de todos los tiempos, y que tambien se lleva al premio del disco que mas he escuchado en toda mi vida, seguramente ya mas de 100 veces desde que lo descubri hace unos 3 años. Tampoco es la primera vez que posteo algo al respecto, pues hace poco mas de un año postie una reseña, justo despues de lograr conseguir una copia en cd, y mas tarde ese mismo año, postie la noticia y mis impresiones sobre la version de lujo que la banda saco.

Muchos se han de preguntar cual es el atractivo de Weezer? A juzgar por sus ultimos que, 5 o 6 albumes, pues comprenderia que no entendiesen su grandeza, pero si remontan al debut y al sophomore entenderan a lo que me refiero. Weezer enmarcaba en un rock-pop, por veces muy radio friendly, ya despues mas angsty, todo lo que fueron los años 90. Por ahi hay muchos que marcan estos discos como la semilla que dio vida al no tan querido genero del emo. Tiene sentido, pero la verdad es que Weezer fue antes y llamarles emo seria tan erroneo como darle este calificativo a The Cure o Edgar Allan Poe.

Despues del exito que la banda habia alcanzado con su debut, Weezer opto por un sonido mas lo-fi, mas crudo y mas pesado, con guitarras mas chillantes y el ocasional grito de Rivers Cuomo, el disco mismo empieza con uno de sus gritos, y de ahi en adelante no para, hasta el intermedio de silencio despues de Across the Sea, el disco esta cargado de canciones memorables, como la antes mencionada Across the Sea, donde Cuomo se pregunta como se tocara su fanatica enamorada del Japon, o Pink Triangle, cuando Cuomo encuentra a la mujer ideal, solo para darse cuenta de que esta es lesbiana. Finalmente, la banda termina el disco con la balada de inocencia Butterfly, realmente sincera y convincente. Lamentablemente no solo Pinkerton termina con Butterfly, sino que bien se puede decir que la carrera de Weezer ahi llego a su fin, pues ya no volvieron a ser lo mismo. . .

Pero por ahora, pueden disfrutar de este gran disco aqui.

Album Review - Belle and Sebastian - Write About Love

2010-12-02T07:24:00.000-08:00

Without knowing it, Belle and Sebastian have become one of my favorite bands. I enjoy the melodies they create and the poetic texture of the lyrics, which never, or should I say rarely, falls as pretentious.

Most of my appreciation however, comes from If You're Feeling Sinister, one of my favorite albums. But it gives me a lot of satisfaction to know that 8 albums into their career, Belle and Sebastian can still put out quality work. For even though Write About Love is not any kind of masterpiece, it still features that which made me love B&S in the first place. Catchy melodies such as opener I Didn't See it Coming, the most catchy five minutes in the album, I Want the World to Stop and I'm Not Living in the Real World. My main problems with the album however, are the guest vocals which seem nice in songs like the opener or even the Norah Jones duet on track 5, but sometimes they want to take protagonism from Stuart Murdoch, which is, basically why I listen to B&S and not to Norah. The other thing to note is that most of this songs don't remain in your head when the album ends, it's just when you play through the songs that you say "hey! I like this track", and in some cases like Ghost of Rockschool or Sunday's Pretty Icons, even having them played at that time doesn't make a real difference.

At times forgettable, and rarely truly great, Belle and Sebastian Write About Love is an album that will please fans, but which I wouldn't reccommend as an introduction to this great band.

Belle & Sebastian - I Want the World to Stop

Reseña de Disco - Liars - Sisterworld

2010-11-29T09:43:00.000-08:00

Una vez lei por ahi el termino Horror Punk, y no pude evitar que me causara algo de gracia. Me imagino que es innegable que una buena composicion musical puede llegar a causarte miedo. Siempre me han llamado la atencion las canciones que causan este sentimiento, y esa es una de las preguntas frecuentes que les hago a mis amigos. Por lo que he descubierto, la gente tiene opiniones muy variadas en cuanto a eso. Yo por ejemplo, no puedo oir Bachelorette de Bjork sin sentir algo de terror. Pero desde que se creo el cine, se han producido peliculas que buscan infundir terror en la audiencia, la mejores de su tipo vienen acompañadas con un score musical, que sin él, muchas no funcionarían. Pero por su parte, la música sin imagenes, a mi parecer, tambien requiere a veces de algo visual que le acompañe.

Con Sisterworld, la banda Liars, una banda que me recomendo mi amigo Thom Yorke en el podcast de NPR: All Songs Considered hace un par de años, nos presenta un disco que es pleno de terror. Un disco lleno de ambientes oscuros, letras dementes y la voz psicopata de Angus Andrew. La cancion Scissor es el más clara y accesible pedazo de este pastel. Una esquizofrenia invade la cancion musicalmente, y trazos de esta misma se detectan en las letras que parecen relatarnos un suicidio fallido. Scarecrows on a Killer Slant es una cancion un tanto más robotica, pero que hace sentir la paranoia de una banda de espantapajaros asesinos viene a buscarnos. Finalmente, THe Overachievers parece relatar una historia muy convencional, en la que el narrador y la pareja compran una casa, se mudan a ella, y fuman marijuana ahi. Y aunque liricamente, en ningun momento hace evidente esto, no se puede evitar pensar que cuando acabe la cancion habra una alucinacion/matanza (redrum), al estilo del Overlook Hotel.

Las tecnicas de la banda para asustar/incomodar son variadas, pero igualmente algunas canciones llegan a sonar parecidas, casi repetidas. El ambiente que el disco crea es denso, enfermo, y con esa sensacion del anteriormente mencionado libro/pelicula The Shinning. Pensaba que a lo mejor por todas estas razones, que a algunos les puede parecer magnificas, a mi me es dificil disfrutar de este album, pero pienso en otros discos parecidos, como los dos de Joy Division o el Ape of Naples de Coil, y estos, a diferencia de este, no me parecen dificiles de oir, y aunque no me encuentre en el modo adecuado, estos me lo hacen cambiar.

No le quitare meritos a Liars, Sisterworld es un album trabajado, y que entre todo logra su acometido. Es un disco bueno, pero no uno que desearia oir seguidamente.

Liars - Scissor

Album Review - Spoon - Transference

2010-11-17T11:12:00.000-08:00

At first, it was hard for me to give a full listen to Spoon's Transference because I've been quite busy. Had I been listening to Astral Weeks, Dark Side of the Moon, Pinkerton or any of my favorite albums, I would have left whatever task I had for later, but Transference did not motivate me enough to put in on my iPod and take it wherever I went. The fact is that Spoon is mostly a "songs" band, as opposed to an album band. They create a catchy riff, give it a nice rhythm, and do a series of mostly incohessive songs. This year, the band Sufer Blood had released the not much different Astro Coast before Spoon, but Spoon's long career of making good songs, made this album something I wanted to listen to.

I'm not dissappointed, although if analyzed song-by-song, 2007s Ga Ga Ga Ga Ga was superior, Transference contains a set of eleven songs which are entertaining, varied and why not, catchy. The album's standout is The Mystery Zone, a song which encompasses the lazy feeling shown throughout the album, and on the album cover itself. See that guy in that sofa? Because that's the way you want to listen to this album, without being bothered, because any semi-important thing you need to do will force you to stop it.

Spoon - Written in Reverse

Recordando a un amigo

2010-11-15T07:22:00.000-08:00

Desafortunadamente la criminalidad en nuestro país va cobrando cada día más y más normalidad. Cuando en otros países es noticia, aquí los periódicos no desperdician su espacio contándonos sobre asaltos, robos de autos, y otros crimines de “menor envergadura”. Ahora hay muchos que ojean las páginas y ni siquiera las noticias sí incluidas llegan a acaparar su atención, es por esto que tal vez muchos de los lectores de mi blog puede que no hayan advertido una triste noticia que se encontraba en el periódico el día sabado 13 de noviembre. Yo no acostumbro ver el periódico, pero me encontraba esperando y lo empezé a hojear de atrás para adelante, buscando la sección deportiva, en vez de eso, encontré que el policía Armando Gradiz había sido asesinato por unos maleantes en un enfrentamiento de fuego cruzado.

En los 5 meses desde que volví de Finlandia, encontrar un policía en la calle, lejos de hacerme sentir seguro, sentía de miedo a repugnancia, pues desde que se dio el golpe de estado en junio de 2009, no han faltado las pruebas de la bestialidad de muchos de los que integran esa institución. Policías que inflan el pecho cuando de golpear manifestantes desarmados se trata, pero que dejan el coraje y la fuerza atrás cuando de malhechores se trata. Armando era alguien diferente, no estoy diciendo que el único, pero el día jueves 11 de noviembre, Armando dejó su vida cumpliendo con el trabajo con el cual se comprometio hace 2 años cuando se graduó de policía, mi hermano, buen amigo de él, asistió a la ceremonia.

Pero el objetivo de esta entrada no es hablar de su muerte, los interesados pueden ver los periódicos del día sábado y enterarse, pero sí de dejar en claro, que a lo que a mí respecta, Armando Gradiz era una gran persona. Él trabajó en nuestra colonia como guardia de seguridad, esto hace más de 6 años, y desde entonces se entabló una bonita amistad. Nunca perdimos contacto con él. Eran constantes las visitas y regalos que daba él a nuestra familia y que tratábamos de devolver. Cada vez que él visitaba, era motivo de alegría en la casa. La última visita la hizo hace no más de dos meses, cuando llegó a la casa en su moto, junto a su compañero de trabajo. Preguntó por mi hermano, tenía la garganta con las réplicas de una tos, yo lo recibí, le dí la mano y le informé que él había salido pero que no tardaba en venir. Se fue en la dirección en la que él venía, y siendo mi hermano víctima de la misma repulsión contra la mayoria de policías, se asustó en un principio cuando lo vio acercarse aún sin haberlo reconocido, pues ya era de noche. Esa fue su última visita, y ya no volverá a venir otra vez.

Armando Gradiz dejó atrás un hijo, pero además, dejó buenas memorias en aquellos que como mi familia, tuvimos la suerte de haberlo conocido.

Reseña de Disco - Salem - King Night

2010-11-13T07:51:00.000-08:00

De no haber sido por que la reseña de senecatree aparecio en la portada de RYM hace un par de meses, es posible de que no me hubiera motivado a escuchar un disco con una cruz y un fondo moracéo, cuando este se encontraba disponible para ser oido gratuitamente en la pagina de Spinner. Tras tan solo un par de escuchas fui convencido de conseguir una copia digital.

Lo he dicho ya varias veces y creo que lo seguire diciendo por un rato, siendo yo no muy asiduo a escuchar musica electronica, no es raro que los pocos discos que lleguen a mis oidos toquen mi mente de una manera positiva. Prueba de mi ignorancia radica en que en los ultimos años son muchos los subgeneros que han surgido de la musica electronica, Dubstep, Grime, IDM, y ahora Witch House, por nombrar algunos. De todos estos, me seria muy dificil estar claro entre las cosas que los diferencian. Salem es una de las bandas pioneras del ultimo genero mencionado, y por lo momentos, lo que ellos hagan, eso sera Witch House. El sonido entonces de este disco me recuerda a cuando conseguia un juego de computadora pirata, estos venian con un programa "Code-Breaker" que te tiraba un numero serial compatible. Generalmente, este programa esta acompañado de un soundtrack de bits, no muy diferente a King Night, solo que en este disco, se ha completado el ambiente digital-atmosferico, ya sea con voces fantasmagoricas y llenas de drone, o con una pesada y baja voz de un tipo que intenta rapear en algunas canciones. Definitivamente he oido mejores de esos.

Al menos a estos oidos poco educados en musica electronica, King Night logra transmitir frescura y originalidad, y aunque indudablemente el disco no llega a superar al tema inicial en cuando a calidad, el resto de las 11 canciones es bastante variado y nada cansón, algo muy importante en mi opinion. Es dificil poder señalar hacia donde ira este subgenero; a mi parecer no se si será correcto crear un subgenero por cada disco que contenga nuevas ideas, pero bueno, si el resto de albums de este genero mantiene la calidad de este, entonces ¡Arriba el Witch House!

Salem - Hound

Pinkerton, Edicion de lujo

2010-11-10T17:16:00.000-08:00

Recien durante esta semana, hace un par de dias, me encontraba revisando mi lista de discos favoritos, e hice un cambio significativo. Moví a Dark Side of the Moon de Pink Floyd del primer lugar. Decidí que el disco que en ese entonces se encontraba en segundo lugar, era mas cercano a mí. En todo caso, si Pinkerton no es mi album favorito, seguramente es el que mas veces he escuchado, y si alguien me quiere regalar una copia, la aceptaré, pues aunque ya tenga una, creo que en un par de años estara inservible de tantas reproducciones.

Hace ya un par de meses que escribe la reseña correspondiente a este disco, la cual me ponia en situaciones comprometedoras con una chica, pero que ahora vimos en lados opuestos del Atlantico (Across the Sea, jeje). Ahora, tomando en cuenta que la version de lujo salio a las tiendas el 2 de este mes, entonces he decidido dedicarle una entrada en el blog, y contarles un poco mas para los que no sepan mucho de la historia de esta banda y de este disco en especifico.

Los que no conocen de Weezer, pues puede que los odien o los amen por sus canciones equivocadas. Es bastante probable que los que los conozcan sea por sus mas recientes trabajos, desde el Green Album de 2001 o el Make Believe de 2006 con el hit Beverly Hills. Esta ultima cancion siendo una, sino la peor de la banda, pero si Make Believe fue malo, lograron superarse dos discos despues con Raditude. Ya hasta los fans mas optimistas pensaban que la banda no tenia futuro para ellos, y este año sacaron Hurley, un disco con una leve mejoria a sus peores intentos, pero lejos de la magia de sus primeros dos discos. Probablemente se dieron cuenta de esto, vease la cancion Memories de su ultimo disco, y es por eso que estan llevando a cabo una gira donde tocan principalmente las canciones de su debut y su sophomore, ademas, como ya lo dije, se edito una version deluxe de Pinkerton.

Weezer se formo alla por 1992 en el dia de San Valentin, sacaron su primer disco en 1994, album eponimo que se le conoce ahora como el Blue Album. Ese disco esta repleto del mejor powerpop, repleto con canciones rellenas de teenage angst. La calidad del disco, impulsada por tres videoclips, en los que destaca el BUddy Holly dirigido por Spike Jonze, en el que se muestra a la banda en medio de un capitulo de Happy Days, ayudaron a que este se convirtiera en un disco multi-platino. Fue por eso que todos esperaron con ansias que saliera su segundo disco, otro mas repleto de joyas del radio-friendly pop, y en vez, se encontraron con Pinkerton.

Desde el primer grito de Rivers Cuomo en Tired of Sex, la cancion que abre el disco, se da a notar que Pinkerton era un disco mas crudo y pesado. La banda habia decidido no repetir trabajar con el productor de su primer disco y tomar ellos las riendas. Creo que nadie puede definir mejor lo que esto significo para la banda, que Ian Cohen, de Pitchfork, quien dijo: "The record that killed Weezer's career ended up saving it." Algo muy cierto, pues al salir recibio muy malas criticas, incluyendo de la revista Rolling Stone que le dio 3/5 y termino entre los peores tres discos del año (años mas tarde, la revista pediria perdon dandole un 5/5 al disco). La misma banda termino odiando lo que habian creado y Cuomo se dedico a terminar sus estudios. Serian 5 años hasta que la banda se reformara (sin el bajista Scott Sharp) y sacara un nuevo disco.

Cuomo habia regresado a la Universidad desde antes de que el album saliera a la luz, a decir verdad, muchas de las canciones vienen de las experiencias que paso ahi. curiosamente, el disco empezo siendo una opera rock, un disco de concepto llamado Songs from the Black Hole. pero al igual que Lifehouse de The Who, o Household Objects de Pink Floyd, el concepto resulto siendo muy visionario, y Cuomo se tuvo que conformar en hacer un disco semi-concepto, basado en la obra Madam Butterfly de Giacomo Puccini, el militar americano es quien le da el nombre al disco. Algunas de las canciones que Cuomo escribio para Songs from the Black Hole terminaron en el disco, el resto salio como lados B, e incluso algunas grabaciones fueron despolvadas para el 2007, cuando Rivers saco su disco solista, Alone: The Home Recordings of Rivers Cuomo.

Con los años, Pinkerton fue ganando acolitos, y hoy en dia se le considera uno de los mejores y mas influyentes discos de esa decada de los 90s. Desafortunadamente, Pinkerton fue la semilla que germino la inspiracion en bandas como Dashboard Confessional, The Used, y otras bandillas de esa calaña, pero espero no se dejen llevar por ese comentario, y le den una oidita a Pinkerton, aunque como Ian Cohen tambien dijo muy acertadamente: "It's a really tough album to go to bat for if you're an adult, particularly since enjoying it is so closely associated with relating to it."

Despues de haber oido el disco deluxe, pues la verdad es que me gustó. Es mi disco favorito, oir mas cosas que no habia oido de él, solo puede mejorar mi experiencia. Sin embargo, el EP The Good Life, contiene, en 5 canciones, los mejores cuts de los agregados del deluxe. Los lados B, todos tiene calidad, se notaba que la banda estaba realmente enchufada con un sonido y un concepto, sin embargo, terminaron de llenar los dos discos con innumerables versiones en vivo, abusando particularmente de El Scorcho y Pink Triangle, es bueno oirlas las versiones separadas, pero es dificil echarse los dos discos seguidos debido a la duplicidad de temas. El disco en sí, comprenlo, la version deluxe, me parece que es solo para fans.

Por ahora los dejo con el que en mi opinion, es el mejor de los B-Sides de este disco, y el unico dueto que se le conocia a Cuomo, hasta que hizo aquel con Lil Wayne . . .:

Weezer- I Just Threw Out the Love of My Dreams

Biologia

2010-11-09T14:01:00.000-08:00

Cualquiera que me conozca, puede que sepa que tras año y medio de haber salido de la escuela, me disponia a entrar a la Universidad Nacional Autonoma de Honduras (UNAH) a estudiar la carrera de ingenieria quimica. Aunque cada vez que me preguntaban contestaba con certeza, la verdad es que nunca he estado 100% seguro de que eso sea lo que quiero hacer el resto de mi vida, siempre he estado dispuesto a un cambio, y es muy posible que a finales de esta semana. termine pasandome a Biologia.

La razon principal de este cambio, es que de lunes a jueves, de 9am a 3pm, me encuentro asistiendo a un curso de Biotecnologia, centrado en la biorremediacion de lugares contaminados,enfermedades en los cultivos, y hongos comestibles. Todo esto me parece curioso, pues hace un tiempo habia considerado la biologia , pero me habia desanimado pues seres como los peces y los pajaros me causan repugnancia, pero eso se superam y la verdad, el campo de la biologia es bastante extenso. A mi parecer, las areas que mas me llaman la atencion son la botanica y la microbiologia, areas que iran cobrando importancia conforme avancen los años. Repito que esto me parecia curioso, pues anteriormente pensaba que las plantas eran seres aburridos, que no hablaban, no se movian, etc. pero la verdad es que siempre he disfrutado ver la naturaleza, tanto en vivo como por television. Tambien recuerdo, que mi maestra de biologia, me dijo dias antes de gradurame, que ella pensaba que yo tenia futuro en esa ciencia, y que deberia considerar llevar una carrera en ese ambito. Le escribí un correo, y espero su respuesta sea el empujon final que necesito para decidirme en esa dirección.

Album Review - Brian Eno - Small Craft on a Milk Sea

2010-11-06T21:49:00.000-07:00

While listening to Small Craft on a Milk Sea, I felt obliged to rediscoverer Brian Eno's most outstanding works as a solo artist, for that alone, thank you. I was already aware how great Here Come the Warm Jets is, but now I love Taking Tiger Mountain (By Strategy) and Another Green World as well. Still, his ambient work Ambient 1: Music for Airports can only manage to set me down to sleep. And out of the four classic albums mentioned before, Small Craft is probably most similar to the latter one. Both are ambient albums, which lack any kind of vocals, but Small Craft is more upbeat, at least in some parts, since it has a very marked strucutral line, which climaxes in tracks 4, 5 and 6. I've just finished watching James Cameron's Avatar, and those three songs make me relieve the most exciting scenes, that is how good the climax is, however, it is very short and happens early in the album's running time. From then on, the tracks start descending in rhythm until they become background music. I guess we shall praise this since it was probably the idea Brian had in mind when composing the album.

Then again, I am a fan of Brian's voice, and when he is not singing, I'm usually specting a "Becalmed" or an "An Ending (Ascent)", and none of these 16 tracks achieve the beauty effect of those two tracks, which whenever I happen to play them, I just have to stop what I'm doing, because those tracks grab me by the neck and force me to listen. I'll also go further ahead into giving two tips in order to enchance your listening experience of this album (no drugs included): one, read the track names, since they help you create some sort of picture or narrative in your head, and two, pump up the volume.

Brian Eno - 2 Kinds of Anger

Lo que dejo Halloween 2010

2010-11-03T10:18:00.000-07:00

A 3 dias del 31 de octubre podre decir que dejó Halloween para mi este 2010. El dia sabado fui a Proceres, la capital de la diversion para muchos, y el centro del pecado para muchos padres. Andaba de apsero por ahi pues de por si ya me parece ridiculo pagarr 150 lps pro entrar a un local, 400 lps por una fiesta importada, es algo que ni pasa por mi cabeza. Pero el ver la tendencia en lso disfraces este año, la creatividad puesta en estos, y por supuesto, los nunca faltantes disfraces que enseñan bastante y distraen la vista; a eso si me puedo apuntar. Esperaba ver muchas Lady Gagas y solamente termine viendo una, pero en total me parecio divertido haber andado por ahi.
Pyues como lo dije has unas entradas, el genero del terror no es uno de los que acostumbreo ver muy a menudo, pero inspirado en las listas que use para crear mi propia lista de peliculas de terror, y dada la fecha y el haber tenido las peliculas a mi disposicion, este año opté por ver dos clasicos del genero.

1. Nightmare on Elm Street

Creci sin tener conocimiento del horrible ser que es Freddie Krueger (Chuckie era lo mas horrible que conocia), y aun cuando etnre en mi adolescencia y sabia de su existencia, preferi no curiosear en sus peliculas. Recuerdo hace unas 6 o 7 Halloweens, que daban un especial de todo el fin de semana en Starz, y despues de un par de peliculas malas, empezo Nightmare on Elm Street, solo recuerdo que preferi apagar la tele despues de la primera secuencia.

Asi uqe este año, al ver la pelicula en mi video rental, decidi alquilarla, y ver lo que pense iba a ser un verdadero susto. Puedo decir que esperaba mucho, esperaba no poder dormir despues, y en ese sentido me decepciono un poco. El conceptor sigue siendo genial, las pesadillas son algo por lo que todos pasamos, y algo que no podemos controlar, y la idea de que alguien te pueda matar en ellas en ambos mundos, es, repito, simplemente genial. Ademas, una vez que estas en un sueño, todo se vale. Pero la verdad es que algunos efectos no han envejecido bien, Freddie me causo mas risa que miedo (las partes mas feas suceden sin él en camara), y el techno barato, me parece que simplemente no ayuda.

Aun asi, Nightmare on ELm Street esta dos o tres escalones por encima de la pelicula convencional de terror, y puedo comprender que el solo hecho de ver a Freddie, sea traumante para un niño.

2. Eraserhead

Habia estado esperando ver Eraserhead desde que un amigo me contó que era una de sus peliculas favoritas, y tambien me contó de como esta habia influenciado la obra de Stanley Kubrick, especialmente en The Shining. Aun asi, pasaron mas de dos años desde que consegui la pelicula hasta hace un par de dias cuando finalmente la vi con mi hermano. En esos dos años, las ganas de verla fueron aumentando a irme adentrando en la obra del director David Lynch (Blue Velvet, Mulholland Drive), mi hermano gue mas alla, viendo la teleserie Twin Peaks, la pelicula Lost Highway y leyendo un libro sobre el dierctor. Sin embargo, habiamos tratado de verla en al menos dos ocasiones anteriormente, y la habiamos parado a los 10 minutos, alegando "no estar piscologicamente preparados".

Al igual que con Nightmare on Elm Street, Eraserhead aparecion en una lista de peliculas de terror y fue ahi cuando nos decidimos a cerla sí o sí, en los dias venideros. Cuando esta terminó hubiesemos preferido nunca haberla visto. Si bien estabamos conscientes del ambiente de pesadilla caracterisitco del director, bien podriamos decir en nuestra defensa, que en realidad "no estabamos psicologicamente preparados" para Eraserhead. Esta no es una pelicula de terror convencional, no hay un antagonista marcado, ni siquiera hay una plot marcada, las cosas suceden sin explicacionm tal como suele succeder en las pesadillas. Lynch sabe como jugar con tu mente, y con tus sentimientos de miedo, asco y repulsion. Las horribles imagenees y sonido como el bebe o la mujer del radiador, quedaran mas grabados en sus mentes que cualquier asesino desquiciado o fantasma vengativo.

2 de Noviembre: Dia de Muertos

2010-11-02T09:04:00.000-07:00

Como muchos pueden saber, hoy 2 de noviembre, se celebra el dia de los fieles difutnos, o dia de muertos en Mexico. En ese pais, esta celebracion es muy grande y tradicional, donde dominan las imagenes de calaberas, pero en diegoardonsblgo lo celebraremos rindiendole homenaje a los artistas que han muerto en lo que va del año. Me gustaria poder incluir a todos, pero me pegare a los mas importantes solamente, de igual manera, este post es en memoria de algunos uqe puede no se les incluya aqui:

1. Jay Reatard (1 Mayo 1980 - 13 Enero 2010)

La muerte soprendio temprano este año al mundo de la musica, llevandose al artista indie de Memphis, Tennessee, Jimmy Lindsay, mejor conocido como Jay Reatard, tras haberse transcurrido solamente un par de semanas. La razon por la que muchos pueden no saber de él, es porque a sus 29 años, Lindsay era una estrella en ascenso, sin embargo, una muy prolifica. Antes de darse a conocer como Jay Reatard, Lindsay lideraba The Reatards y The Lost Sounds, entre otros proyectos. Tambien llegó a fundar su propia disquera, Shattered Records, pero cuando decidio sacar su debut bajo el nombre de Jay Reatard, Blood Visions de 2006, optó por aliarse con Matador Records. Logró publicar un segundo disco en 2009, Watch Me Fall, y se encontraba trabajando en nuesvas canciones, cuando la muerte los sorprendio pro medio de una sobredosis de cocaina combinada con alcohol. Despues de su muerte, varias disqueras se han visto interesadas en relanzar sus trabajos mas underground. De todos los que aparecen en esta lista, Jay Reatard es la meurte mas lamentable, pues aun le quedaba mucho mas que dar.

2. Doug Fieger (20 Agosto 1952 - 14 Febrero 2010)

Doug Fieger nacio en Michigan y creció en esa escena musical, pero sin lograra alcanzar el exito. Tuvo que mudarse a Los Angeles, donde fundo The Knack en 1978. Saltando en la ola del New Wave, The Knack sacó el disco Get the Knack (1979), del cual se deprendio el sencillo "My Sharona", el cual llegó al primer lugar de las listas, y termino como cancion del año de acuerdo con estas. Desafortunadamente para The Knack, sus sencillos y discos posteriores no tuvieron el impacto de su debut, mas que todo porque se les acusaba de querer copiar a los Beatles, y porque a pesar de estar mas cerca de sus 30s, sus cnaciones parecian dirigidas al publico adolescente femenino. The Knack se terminó separando en 1981, pero se reunieron en el 86 y en 1990, lograron su segundo exito mas grande con Rocket O' Love. En 2008, cuando la banda se presentaba en vivo, Fieger sufrio un desmayo y se le descubrieron dos tumores cerebrales. Doug fallecio el dia de San Valentín de este año de cancer pulmonar

3. Alex Chilton (28 Diciembre 1950 - 17 Marzo 2010)
Andy Hummel (1951 - 19 Junio 2010)

Si Memphis ya habia derramado lagrimas desde muy temprano en el año, las desfortunas seguirian lelgando con la muerte de dos integrantes de una de las mejores bandas de esa ciudad, Big Star. Big Star pudo haber sido como Los Beatles, pero el destino les tenia preparado ser como The Velvet Underground. Tenian todo el potencial, el pop pegajoso y elaborado y hasta la imagen para ser la banda mas grande de los 70s, pero problemas en la disquera terminaron por trastornar la distribucion de sus discos, que a pesar de recibir excelentes criticas, fueron pocos los que lograron conseguir sus copias. Asi que tal como The VU en los 60s, Big Star se convirtio en una banda de culto, una de esas joyas de las que no muchos sabian. No seria hasta que bandas como R.E.M. o The Replacements citaran a Big Star como influencia, que se retomo el interes en esta banda, que nunca conocio el exito en su etapa creativamente dorada.

La base de la banda era Chris Bell, quien se salio de la banda cuando grababan su segundo disco Radio City de 1974, y que luego moriria en un accidente automovilistico en 1978. La otra piez importnate era Alex Chilton, quie ntuvo su unico numero uno con la cancion "The Letter", con la banda The Box Tops cuando apenas tenia 16 años. Alex estuvo en la banda hasta que se desformó en 1974, y participo en la reunion de la banda en 1993, hasta uqe fue llevado al hospital por complicaciones cardiacas, donde moriria dias despues.

Andy HUmmel fue el bajista de la banda durante sus primeros dos discos, pero al no encontrar el exito que esperaban con estos, y estando a punto de terminar sus estudios, optó por dejar la vida de rockstar y llevar una vida mas normal. Fue diagnosticado con cancer, y finalmente perdio la lucha contra este a los 59 años.

4. Ronnie James Dio (10 Julio 1942 - 16 Mayo 2010)

Finalmente, una de las ultimas adquisiciones que hizo la muerte este año, fue la de Ronnie James Dio, cantante italo-americano de rock, que comenzó cantando en la banda Rainbow, banda que habia sido formada por Ritchie Blackmore tras haber dejado Deep Purple. Pero diferencias creativas con este lo llevaron a dejar la banda tras tres discos de estudio. Pero el potencial de Dio era evidente, y cuando Black Sabbath decidieron deshacerse de Ozzy Osbourne, reclutaron a Dio como su sucesor. Con él grabarian 3 discos, incluyendo el super clasico Heaven & Hell, antes de que Dio se fugara con el baterista de Sabbath de aquel entonces VInny Appice para formar Dio. Banda en la que Dio permaneceria, hasta que en el 2006 se reunio con sus amigos de Black Sabbath nuevamente. Por cuestiones legales con Ozzy, la banda tuvo que cambiar su nombre a Heaven & Hell, pero lograron grabar un ultimo disco en 2009, con el nombre de The Devil You Know. Aunque algunos no gusten de este genero de musica, es indudable el poder y la originalidad que Dio expresa en sus canciones, adicionalmente se le considera con ser el inventor de simbolo metalero por excelencia \m/. Dio perdio su batalla contra el cancer estomacal este 16 de mayo, pero dejo muchos buenos discos para los amantes del Heavy Metal.